Alberto Reguera, Pintura tridimensional en el suelo de Bruselas

“Espacio y Materia” 

Alberto Reguera 

Instituto Cervantes. Bruselas 

Del 27 de septiembre al 10 de noviembre de 2011

Julia Sáez-Angulo

Es uno de los artistas españoles más internacionales. Sus exposiciones se suceden en París (donde tiene un estudio), Londres, Bruselas, Lisboa, Shangai, Hong Kong... Ahora Alberto Reguera va a exponer sus últimos trabajos de pintura tridimensional en el Instituto Cervantes de Bruselas en colaboración con la galería Pascal Polar de la capital belga.

“Bruselas es la primera ciudad que acogió una muestra individual mía hace veinticinco años, por lo que esta muestra de ahora viene a ser una celebración. En Bruselas se ha acogido mi trabajo con entusiasmo porque he vendido mucho y he obtenido críticas siempre muy favorables”, explica Alberto Reguera.

Para el artista, se trata de una vuelta de tuerca más allá en su indagación plástica, al saltar de la pintura tridimensional sobre la pared a la pintura tridimensional en el suelo, constituyendo una instalación pictórica donde el color, la forma y los ritmos marcan la mirada del espectador.

Instalación que implica al espectador

“Se trata de una “Instalación Pictórica”, donde el montaje es una sinergia en el contexto de situación de cada obra para que la composición final de todas ellas con volumen adquiera una coherencia con la materia. De ahí el título “Espacio y Materia” en una fusión total”, explica el autor, que quiere ir a Bruselas varios días antes de la inauguración para cuidad el montaje sin una fisura posible.

“Hay que encajar al mismo tiempo al espectador para que con su mirada construya desde los distintos puntos en que se sitúe su campo visual, su propio paisaje pictórico. El espectador reconstruye así su propio cuadro con volumen. Me gusta esta idea participativa del espectador y ver como la materia pictórica contrasta y convive con el espacio que la alberga”.

El espacio expositivo del Instituto Cervantes en Bruselas es una sala atractiva de estilo decó, donde no se puede colgar nada en la pared. Es un reto para el artista habitar este interior con su obra.

Alberto Reguera tiene estudios de pintura en París (junto a Ópera) y en Madrid. Son dos buenas ciudades para crear, sin olvidar a Bruselas con la que tiene una especial sintonía. Entre sus proyectos de futuro inmediato: exponer en Hong Kong.

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Maite Brik y Gloria López en “La reina de la belleza de Leenane”, hermoso drama realista y cruel

“La reina de la belleza de Leenane”
Martin Mc Donagh
Traducción y adaptación Vicky Peña
Dirección: Álvaro Lavin
Actores: Maite Brik; Gloria López;
Orencio Ortega y Pablo Gómez
Producción ejecutiva: May Pascual
Teatro Alcalá. Sala II Madrid





Julia Sáez-Angulo


Sólo por la catarsis se puede superar un drama así, duro, hermoso, cruel, terrible sobre la condición humana, que cuatro actores ponen en pie en el Teatro Alcalá de Madrid. La convivencia doméstica y familiar cerrada, impedida por las dificultades físicas y económicas gravita sobre dos mujeres, madre e hija, con egoísmos respectivos, ajustes de cuentas pendientes y venganzas. Apenas si hay un respiro para la ternura, salvo en el personaje de Pato.

“La reina de la belleza de Leenane” forma parte de una trilogía del denominado teatro cruel de Martin Mc Donagh, que plantea una historia dramática realista en una zona rural de Irlanda, donde lo único que pasa es una vaca de vez en cuando si alguien se asoma a la ventana. Pero la alterativa de la odiada Inglaterra no es sino un duro trabajo como emigrante menospreciado. Ray, el personaje más joven lo pone de manifiesto: o morir rápidamente con la droga o morir lentamente durante 70 años en un campo verde y aburrido.

Interpretación soberbia

Las dos mujeres, Maite Brik y Gloria López dan vida y muerte a los dos personajes protagonistas: madre hipocondríaca e hija amargada y un tanto autodestructiva. Los diálogos son sencillos y bien llevado por las actrices que van conformando paulatinamente el “huis clause” de jean Paul Sarte, la puerta cerrada en la que se pone de manifiesto que “el infierno son los otros”.

Ni un respiro para la comprensión o la trascendencia. Todo es de un naturalismo feroz, de unos sueños que vagan someramente por instantes que fluyen y huyen para dejar de nuevo la más absoluta desolación. Solo el bello y magnífico monólogo de Orencio Ortega (Pato) en la carta que envía a Maureen se aprecian gotas de cariño, esperanza y ternura, pero la vida lo va a engullir en un destino aciago.

Pablo Gómez tiene un papel algo enfático que le obliga a sobreactuar en ocasiones. Exceso de tacos, que no sé si figuran tanto en el original. Le da realismo romo y le hace perder valor de drama atemporal y universal. Su inicial acento andaluz se fue mitigando en el transcurso de la función. Un acento adorable pero que a los castellanos nos resuena a localismo puntual y distrae el contenido.

En suma, una obra magnífica y bien interpretada en un escenario sobrio pero preciso y creíble. Teatro cien por cien que reconcilia a los espectadores con el valor de la escena.

Carlos Pan expone sus ilustraciones originales en el Barrio de las Letras

“Barrio de las Letras”
Ilustraciones
Carlos Pan
Gráficas Almeida.
Santa María, 14. Madrid
Agosto-Septiembre, 2011

Carlos Pan

Julia Sáez-Angulo

    03.09.11.- Madrid .- Nació como un proyecto singular para el Día del Libro, por encargo de José Manuel Martín Lanza, director de Gráficas Almeida al artista Carlos Pan (Buenos Aires, 1973), afincado en España desde hace dos décadas. Una serie de ilustraciones alusivas al libro y la lectura, que editadas en marca-páginas anunciaran en el dorso los distintos locales, culturales o de ocio del barrio más “culto” de Madrid. Ahora, los originales se presentan en una exposición pública en el Espacio Almeida.

Las letras e rojo y negro componen y saltan en el trabajo intelectual y gráfico de este artista sagaz, con gran capacidad de imaginación para agitar el alfabeto y hacer con él editoriales y piruetas que captan la llamada del espectador, junto a dibujos que completan el concepto ideado.

Barcos, globos, ramas, ropa tendida, hombrecillos de mínima cabeza con libros, instrumentos musicales, cazamariposas o cañas de pescar dan juego visual a unas letras que se hacen notas musicales, escaleras, aves voladoras o frutos de un árbol... En el diseño, lo importante es transmitir una idea clara, limpia, sin fisuras ni distracciones. Calos Pan lo consigue en esta serie singular.

Los establecimientos publicitados son entre otros, además de Gráficas Almeida, la librería teatral La Celestina; la agenda literaria ACER; la librería Códice; la Pizzateca; el Códice 60; la librería Iberoamericana; Turpin Editores; la Librería del Prado; Persépolis, etc.

En ese mismo barrio de las Letras se encuentran el Ateneo de Madrid, la célebre iglesia del Cristo de Medinaceli, la Sociedad Cervantina, elmonasterio de las Trinitarias, la Casa de Lope de Vega, la Real Academia de la Historia, la iglesia de San Sebastián, el Palacio de Santoña y el de Tepa.

Instalación sobre el Cuerpo Humano

En su estudio temporal de la calle Santa María, Carlos Pan trabaja sus esculturas en alambre y con materiales de deshecho. “Primero es la idea, después el proceso y seguidamente el respeto a los materiales. Cada material tiene sus cualidades, tratamiento y resistencia”, explica el artista, al tiempo que muestra el acopio de zinc para sus últimos trabajos de la serie “Z.N.”

“Últimamente investigo y trabajo sobre el cuerpo humano, en concreto sobre sus expresiones faciales, todo un lenguaje biológico y psíquico que llevo al terreno artístico”, dice Pan, un hombre de lecturas que van desde Jacques Lacan a Joel Dor. “leo porque me sugiere y me inspira, pero cuido mucho de no hacer ilustración de lo leído. La ilustración es una cosa –arte aplicada- y la obra creativa de la imaginación, otra.

Como ilustrador Carlos Pan ha trabajado para editoriales, periódicos y revistas como “El País”, "La Vanguardia, la Revista de la Fundación Ramón Areces y otros.

“El artista es un superviviente que adapta a lo que tiene, desde el espacio a los materiales. Tengo en proyecto hacer una instalación sobre el cuerpo humano a través de la propia biografía de su imagen que hoy, gracias a la propia Medicina, se puede retrotraer a la ecografía. El cuerpo es nuestra imagen; es nuestra revelación”, concluye.

Entre los prototipos trabajados por Carlos Pan figura la “Cinta de Moebius”

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La Comunidad de Madrid organiza 33 exposiciones de arte para la próxima temporada

L.M.A

La Comunidad de Madrid presentó hoy la programación de sus salas de exposiciones y museos, para la temporada 2011/2012, compuesta por 33 muestras y cerca de 60 actividades para todos los públicos. Se trata de un amplio programa de difusión de las artes visuales, “elaborado sobre la base de dos principios: el apoyo a los artistas, a la creación y a la difusión del arte contemporáneo en nuestra región; y el mantenimiento del nivel de excelencia de ediciones anteriores“, explicó el viceconsejero de Cultura y Deporte, Javier Hernández.

El viceconsejero también hizo referencia a las grandes líneas que marcan la política de fomento y difusión del arte contemporáneo en la Comunidad de Madrid, como “la apuesta por el museo como un espacio singular, abierto, educativo, etc.; el trabajo en permanente complicidad con los diferentes sectores que forman la cadena del arte; y una labor continuada de colaboración entre jóvenes artistas y comisarios para su incorporación al escenario profesional”.

Esta actividad se desarrollará por toda la región a través del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo; las salas de exposiciones Alcalá 31, Canal
de Isabel II, Complejo El Águila y Sala de Arte Joven; los cuatro museos de titularidad regional (Casa Natal de Cervantes, Casa Lope de Vega, Picasso-Colección Eugenio Arias y Centro de Interpretación de Nuevo Baztán) y la Red de Exposiciones Itinerantes regional (Red Itiner).

CA2M en Móstoles

El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo (Avenida Constitución, 23. Móstoles) se ha convertido, en poco más de tres años, en un centro generador de proyectos que se presentan en otros museos españoles y extranjeros. La programación para la nueva temporada combina exposiciones individuales de prestigiosos artistas internacionales con otras de artistas emergentes de la escena madrileña y con un tercer bloque formado por exposiciones colectivas de tesis. Entre todas ellas, cabe destacar la muestra del holandés Aernout Mik, cuya obra llega por primera vez a la Comunidad de Madrid tras pasar por los principales museos de todo el mundo, y la que será la primera exposición en España dedicada al alemán Gregor Schneider.

En cuanto a la nueva generación de artistas madrileños que pasarán por el centro cabe destacar a Sara Ramo, Iván Argote y Teresa Solar, cuyas obras se expondrán en Sin heroísmos, por favor.

Además, se exhibirán las últimas piezas incorporadas a la Colección CA2M de la Comunidad de Madrid adquiridas, principalmente, a través de los premios que el Gobierno Regional convoca en las distintas ferias de arte madrileñas.

Por último, las actividades pedagógicas seguirán siendo uno de los pilares del Centro de Arte Dos de Mayo a lo largo de la nueva temporada. Las diferentes propuestas tendrán este año como hilo temático el uso de la imaginación como forma de inventar el futuro, de soñar el mundo en que les gustaría vivir.

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Juan Francisco Yoc, exposición “Líneas y Manchas” del artista guatemalteco

“Líneas y Manchas”
Dibujos, Pinturas y Grabados
Juan Francisco Yoc
Lonja del Monasterio
San Lorenzo de El Escorial
Agosto, 2011





Julia Sáez-Angulo


Es uno de los artistas guatemaltecos más reconocidos y su nombre figura en toda colección latinoamericana que se precie. Próximamente Juan Francisco Yoc (Guatemala, 1960) expone junto al veterano panameño Julio Zacrisson en el Centro de Cultura Latinoamericana de Lavapiés (Madrid), ambos representantes del arte centroamericano. Actualmente Yoc ha expuesto en la gran Lonja del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, con éxito de ventas. Yoc también acaba de renovar su página Web.

“Líneas y Manchas” es el título de su exposición que abarca dibujos, pinturas y grabados. Con un montaje limpio, la exposición del artista comenzaba por su serie de dibujos titulada “Árboles y Raíces”, donde se observa la gran maestría de la mano del artista.

“La serie iba a ser más amplia, pero en uno de mis recorridos por el monte de El Escorial (lugar donde reside) tuve un pequeño accidente, que interrumpió mi propósito de seguir adelante con ella”, explica el autor. Yoc dibuja la naturaleza ante el original y esto le supuso un contratiempo.


Grabados sobre páginas de libro

Seguidamente aparecían en la exposición los cuadros, pintados al acrílico, en los que el artista ha querido plasmar diversos registros: abstracción y figuración, si bien se aprecia la unidad de paleta y lenguaje artístico en todos ellos. Las abstracciones son de gran expresividad y evocación poética. La figuración vuelve al vivero del que es tan aficionado Yoc: el mundo onírico y surrealista, de personajes con cabezas de animales, que parecen surgir de las selvas americanas a la par que de la imaginación y fantasía del pintor.

En los grabados, Yoc ha dado una vuelta de tuerca al presentarnos figuras y manchas sobre aparentes páginas de libros antiguos (en este caso un viejo diccionario francés) que dotan a la imagen de gran poderío y sugerencia. “Llevan una técnica compleja que hay que seguir en las planchas con minuciosidad”, explica el grabador. Aguafuerte, aguatinta, ácido y barniz blando hasta lograr un efecto de tela en el fondo. Hay un proceso de foto-mecanización previo. El resultado es asombroso y hermoso

Las acuarelas de lirios son de gran sensibilidad y belleza, así como la serie sobre el monasterio filipino de san Lorenzo, en la que destacaba un gran pinar sobre papel/cartón y las torres y cúpulas vistas desde la torre de la botica del mismo monasterio escurialense.

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“La reina de belleza de Leenane”, drama cruel de Martin McDonagh, llega al Teatro Alcalá de Madrid

L.M.A.


GL Producciones presentará el próximo 1 de septiembre “La reina de belleza de Leenane” en el Nuevo Teatro Alcalá cuyo estreno oficial esta previsto para el miércoles 7.

La pieza forma parte de la trilogía de Leenane, pequeño pueblo de la costa oeste de Irlanda, donde transcurre la cruenta historia que escribió Martin McDonagh en 1996. Las obras de este peculiar dramaturgo, laureado con numerosos premios teatrales y cinematográficos, se caracterizan por la extrema violencia que se desarrolla en las mismas. Lo trágico y lo cómico se mezclan y confunden, la realidad se manifiesta a través del juego teatral donde el personaje y la situación son el protagonista.

McDonagh es uno de los máximos exponentes del denominado «teatro de la crueldad», y en este texto destacan los aspectos más violentos y grotescos con la finalidad de captar la atención absoluta del espectador, que se siente enganchado a la acción y al desarrollo de los personajes desde el primer momento.

“La reina de belleza de Leenane” ha obtenido numerosos premios desde su creación, al igual que esta producción, dirigida por Álvaro Lavin, y protagonizada por Gloria López, Maite Brik, Orencio Ortega y Pablo Gómez-Pando, con traducción de Vicky Peña, actriz que hace diez años, ya interpretó el papel de Mauren, una de las protagonistas de la obra.

Este es el tercer montaje de la compañía a cuyo frente se encuentran Gloria López y May Pascual, ambas con una destacada trayectoria teatral. En 2004 crearon la productora con la que han puesto en pie “El tren del holandés” y “El pelo de la dehesa”, montajes con los que han realizado giras nacionales e internacionales. El mismo recorrido sigue esta nueva producción, que se estrenó en octubre de 2009 en el Teatro Lope de Vega de Sevilla, para realizar posteriormente una gira por distintas ciudades del territorio español, además de presentarlo en el Teatro Solis de Montevideo y en el Teatro Nacional Cervantes de Buenos Aires donde obtuvieron un clamoroso éxito de crítica y público.

Después de más de 150 representaciones, esta arriesgada y valiente propuesta llega ahora a Madrid, a la Sala II del Nuevo Teatro Alcalá, donde permanecerá en cartel hasta el 23 de octubre.

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Julio Gómez publica el libro “Cuidar siempre es posible”

“Cuidar siempre es posible”
Julio Gómez
Plataforma Editorial
Barcelona, 2011 (203 pags)



Julia Sáez-Angulo


“Cuando los médicos no curan, siempre se puede curar”, dice el libro en una especie de subtítulo en la portada, que añade a su vez en una franja: “Hay enfermos incurables, pero ninguno incuidable”. El libro del médico Julio Gómez Cañedo (Bilbao, 1969), “Cuidar siempre es posible”, es una serie de reflexiones humanas de gran sabiduría emocional y filosófica que ayudan a entender el humanitario asunto de cuidar a los enfermos.

El autor trabaja en el equipo de cuidados paliativos domiciliarios del Hospital San Juan de Dios de Santurtzi (Vizcaya) y coordina el equipo de Atención Psicosocial de este hospital y es miembro del Comité de Ética de la Provincia de Castilla de la Orden de San Juan de Dios (CECAS).

El libro se abre con una cita sagaz de Teilhard de Chardin: “No somos seres humanos en un viae espiritual. Somos seres espirituales en un viaje humano”. El cuerpo, el hermoso y respetable cuerpo que acoge al alma, merece un gran respeto hasta el final de sus días y el dolor de la enfermedad merece una sabia atención porque afecta al espíritu, en esa sabia y sagrada conjunción psicosomática que es el hombre.

Los capítulos del libro “Cuidar siempre es posible” abarcan distintos aspectos del tema, desde el duro día a día hasta el compromiso no abandonar, pasando por “decir adiós no es lo mismo que olvidar, ni siquiera se le parece” o el cultivo de la espiritualidad y el conocimiento del viaje.

“Cuidar siempre es posible” de Julio Gómez es un libro que ayuda a la comprensión del dolor, del amor y la entrega al otro, del conocimiento de la enfermedad y la resistencia de amor y respeto por el prójimo en una sociedad hedonista que ha llegado a llamar “muerte digna” a un abandono de la vida a su suerte sin cuidados ni nutrición alguna, como ha sucedió en Andalucía después de la nueva normativa en esta Comunidad.


El Obispo de Huelva, sobre la retirada de alimentación a una enferma en coma

A este respecto el Obispo de Huelva, José Vilaplana Blasco ha emitido el siguiente comunicado clarificador:

“Ante la noticia de la retirada, a petición de los familiares, de la sonda nasogástrica que alimenta e hidrata a Doña Ramona Estévez, enferma en coma como consecuencia de un infarto cerebral irreversible, ingresada en el Hospital Blanca Paloma de Huelva, me siento, como Pastor de la Diócesis, y en comunión con la Conferencia Episcopal Española y con la Asamblea de los Obispos del Sur, que se han pronunciado en varias ocasiones sobre el proceso de la muerte, en la obligación de iluminar las conciencias y de recordar el Magisterio de la Iglesia sobre el debido respeto a la dignidad y a la vida de todas las personas.

- Toda acción dirigida a interrumpir la alimentación o la hidratación constituye un acto de eutanasia, en el que la muerte se produce no por la enfermedad, sino por la sed y el hambre provocada.

- Hay que estar siempre de parte de la vida humana, cualquiera que sea su desarrollo o su situación existencial. Debemos estar a favor de los últimos, de los débiles, de los incapacitados, para hacer valer sus derechos y, sobre todo, el derecho a la vida”.
Al constatar que algunos presentan el caso como un acto de humanidad y de liberación, quiero recordar que el único deber que tiene la sociedad, en relación a la enferma, es ayudarla a vivir. La vida no es algo de usar y tirar. La dignidad de la vida humana no puede venir ligada al estado de conciencia o de inconciencia del enfermo.

- No es deber de un médico suspender la alimentación y la hidratación a una persona que se encuentra en un coma vegetativo, enfermedad crónica que no será la causa de la muerte. Ante esto, es necesario reconocer el derecho a la objeción de conciencia de los profesionales sanitarios.

- Acompañamos en silencio y con la oración los últimos días de Doña Ramona Estévez.

Con gran humildad, pido al Señor de corazón por los familiares y las personas que la rodean, para que puedan descubrir en ella la fuerza misteriosa de la vida, perceptible también en un cuerpo anciano, en coma y débil, y puedan así repensar sus decisiones, pues la muerte buscada o inducida, como tantas veces ha repetido Benedicto XVI, no es la respuesta al drama del sufrimiento”. (Huelva, 26 de agosto de 2011).

Botí, Ferrer, López Obrero y Rodríguez Luna, cordobeses de vanguardia

"Cordobeses de vanguardia

Botí, Ferrer, López Obrero y Rodríguez Luna"

Fundación Provincial de Artes Plásticas “Rafael Botí”

Córdoba

"El Sena en París", óleo por Rafael Botí

    Julia Sáez-Angulo

    28.08.11.- Madrid.- De la mano del coleccionista Rafael Botí Torres (Madrid, 1930), llega a mis manos un hermoso libro/catálogo publicado en Córdoba por la Fundación Provincial de Artes Plásticas “Rafael Botí”, que toma el nombre del pintor y padre del coleccionista. El volumen “Cordobeses de vanguardia: Botí, Ferrer, López Obrero y Rodríguez Luna” responde a una gran exposición de la que fue curador Jaime Brihuega.

“A los cuatro truncó la guerra civil la carrera artística. López Obrero y Rodríguez Luna se fueron al exilio, que en el caso del exilio fue mexicano y duró casi toda la vida. Botí y Ferrer se vieron sumergidos en el oto exilio, el interior, del que irían sacando cabeza con los años y las dificultades”, escribe Juan Alberto Gómez Velasco en el catálogo.

Rafael Botí Torres ha sido el mejor heredero del legado pictórico de su padre, el pintor Rafael Botí Gaitán (Córdoba, 1900 –Madrid, 1995). Su intensiva dedicación y generosidad para difundir la obra de su padre en diversas exposiciones en museos y fundaciones, es digna de todo elogio. Su objetivo culminó en la creación de la Fundación Provincial de Artes Plásticas “Rafael Botí” en Córdoba, que ha llevado a cabo un valioso programa de actividades culturales, entre otras el concurso de fotografía joven de Pilar Citoler. Para un futuro se espera la construcción en la ciudad andaluza del Museo Rafael Botí, con los cuadros del artista y de otros autores que él y su hijo guardaron en su colección.

70 cabezas de Vázquez Díaz

Como coleccionista de pintura de don Daniel Vázquez Díaz (Huelva, 1882 -Madrid, 1969), amigo del pintor Botí Gaitán, Rafael Botí logró juntar una notable colección de obras, algunas de las cuales donó al Museo Municipal Conde Duque. Su recorrido por las subastas era conocido y reunió más de 70 cabezas –distintos retratos de intelectuales y prohombres- del pintor onubense. Estos dibujos se encuentran hoy en la Fundación MAPFRE, especializada en dibujos de vanguardia. De esta serie de cabezas de Vázquez Díaz se hizo una exposición en la Obra Social y Cultural de Caja Sur, coordinada por Rafael Botí y patrocinada por la Diputación de Córdoba en 1999, de la que perdura un buen catálogo con diversos textos sobre el artista.

Córdoba es buena cuna de pintores, como lo demuestran los cuatro citados en la exposición comisariaza por Brihuega. Julio Romero de Torres (Córdoba 1874 - 1930) es otro gran nombre de la ciudad, que igualmente cuenta con un museo monográfico.

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