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viernes, 26 de febrero de 2010
Aguatintas taurinas de Picasso en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca
L.M.A.
Desde el 26 de febrero, y hasta el 23 de mayo, puede verse en el Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, una exposición compuesta por 26 aguatintas que Picasso dedicó al arte de torear y que editadas en 1959 son representativas de los últimos años del artista. Ya en 1928 el editor Gustavo Gili le había encargado ilustrar el célebre libro Tauromaquia o el arte de torear de Pepe-Hillo, un encargo que Picasso fue posponiendo hasta que a finales de los años cincuenta, tras asistir a una memorable corrida en el sur de Francia, en Arlès, realizó estas aguatintas, que ahora se muestran en Cuenca. Con trazo rápido y nervioso, y a modo casi de testimonio recogido en directo en el mismo coso taurino, Picasso muestra diferentes momentos del arte de torear.
Como complemento de estas aguatintas, en las salas de exposiciones temporales del Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, puede verse un montaje videográfico que recoge diferentes momentos del Picasso artista en taller y un par de vitrinas con dos obras: Toros y toreros, con imágenes sobre el mundo del toro y del toreo, realizadas por Picasso, con un texto de Luis Miguel Dominguín y un comentario de Georges Boudaille (Ed. Gustavo Gili, 1961); y La Tauromaquia o Arte de Torear de José Delgado Guerra (Madrid, 1946). El primer libro es especialmente interesante porque contiene muchas imágenes distintas sobre ese mundo, pero hechas con distintas técnicas –lápiz, aguadas, etc.- lo que demuestra la enorme versatilidad de Picasso por un tema siempre tan querido para él
Aguatintas que Picasso dedicó al arte del toreo,
L.M.A.
Desde el 26 de febrero, y hasta el 23 de mayo, puede verse en el Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, una exposición compuesta por 26 aguatintas que Picasso dedicó al arte de torear y que editadas en 1959 son representativas de los últimos años del artista. Ya en 1928 el editor Gustavo Gili le había encargado ilustrar el célebre libro Tauromaquia o el arte de torear de Pepe-Hillo, un encargo que Picasso fue posponiendo hasta que a finales de los años cincuenta, tras asistir a una memorable corrida en el sur de Francia, en Arlès, realizó estas aguatintas, que ahora se muestran en Cuenca. Con trazo rápido y nervioso, y a modo casi de testimonio recogido en directo en el mismo coso taurino, Picasso muestra diferentes momentos del arte de torear.
Como complemento de estas aguatintas, en las salas de exposiciones temporales del Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, puede verse un montaje videográfico que recoge diferentes momentos del Picasso artista en taller y un par de vitrinas con dos obras: Toros y toreros, con imágenes sobre el mundo del toro y del toreo, realizadas por Picasso, con un texto de Luis Miguel Dominguín y un comentario de Georges Boudaille (Ed. Gustavo Gili, 1961); y La Tauromaquia o Arte de Torear de José Delgado Guerra (Madrid, 1946). El primer libro es especialmente interesante porque contiene muchas imágenes distintas sobre ese mundo, pero hechas con distintas técnicas –lápiz, aguadas, etc.- lo que demuestra la enorme versatilidad de Picasso por un tema siempre tan querido para él.
Desde el 26 de febrero, y hasta el 23 de mayo, puede verse en el Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, una exposición compuesta por 26 aguatintas que Picasso dedicó al arte de torear y que editadas en 1959 son representativas de los últimos años del artista. Ya en 1928 el editor Gustavo Gili le había encargado ilustrar el célebre libro Tauromaquia o el arte de torear de Pepe-Hillo, un encargo que Picasso fue posponiendo hasta que a finales de los años cincuenta, tras asistir a una memorable corrida en el sur de Francia, en Arlès, realizó estas aguatintas, que ahora se muestran en Cuenca. Con trazo rápido y nervioso, y a modo casi de testimonio recogido en directo en el mismo coso taurino, Picasso muestra diferentes momentos del arte de torear.
Como complemento de estas aguatintas, en las salas de exposiciones temporales del Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, puede verse un montaje videográfico que recoge diferentes momentos del Picasso artista en taller y un par de vitrinas con dos obras: Toros y toreros, con imágenes sobre el mundo del toro y del toreo, realizadas por Picasso, con un texto de Luis Miguel Dominguín y un comentario de Georges Boudaille (Ed. Gustavo Gili, 1961); y La Tauromaquia o Arte de Torear de José Delgado Guerra (Madrid, 1946). El primer libro es especialmente interesante porque contiene muchas imágenes distintas sobre ese mundo, pero hechas con distintas técnicas –lápiz, aguadas, etc.- lo que demuestra la enorme versatilidad de Picasso por un tema siempre tan querido para él.
jueves, 25 de febrero de 2010
Museo de los Madrazo en el Palacio de los Casado de Alcalá de Henares
L.M.A.
La presidenta de la Comunidad de Madrid, Esperanza
Aguirre, ha anunciado la creación de un museo en el Palacio de los Casado
de Alcalá de Henares dedicado a la riqueza pictórica de Los Madrazo, tras
la firma de un convenio entre la jefa del Ejecutivo madrileño y el
vicepresidente, consejero de Cultura y Deporte, y portavoz del Gobierno
regional, Ignacio González, y el alcalde de la ciudad complutense,
Bartolomé González, para constituir este centro, que será de titularidad
municipal, y albergará y mostrará a los ciudadanos la Colección Madrazo,
propiedad de la Administración autonómica desde el año 2006.
Como anticipo de la creación del futuro Museo Madrazo, Aguirre,
Ignacio González y el alcalde complutense inauguraron hoy en Alcalá de
Henares la exposición temporal “El mundo de los Madrazo. Colección de
la Comunidad de Madrid”.
Aguirre destacó que “desde hoy queremos que sea Alcalá de
Henares, capital cultural de nuestra Región y firme candidata a Capital
Europea de la Cultura, el nuevo punto de encuentro de todos los
madrileños con el importante legado artístico de los pintores de la familia
Madrazo”.
80 piezas seleccionadas para la pinacoteca
La exposición temporal “El Mundo de los Madrazo” se trata de una
selección de 80 piezas en la que están representadas tres generaciones
de la familia Madrazo y que dan una amplia visión de esta notable dinastía
de artistas, con representación de las diferentes tendencias pictóricas del
siglo XIX, desde el Neoclasicismo del periodo de Fernando VII, del que fue
un claro exponente José de Madrazo, hasta el Romanticismo de Federico,
las pinturas de encargo de Luis o las pinceladas impresionistas de
Raimundo y Ricardo de Madrazo. Esta muestra temporal podrá visitarse
en el Antiguo Hospital Santa María la Rica hasta el 25 de abril.
Palacio de los Casado
El edificio que el Ayuntamiento destinará a ser sede de la Colección
Madrazo será el Hospital de San Lucas y San Nicolás, también conocido
como Palacio de los Casado, que está siendo rehabilitado. La corporación
local asumirá las obligaciones derivadas de su futuro funcionamiento. Al
convenio firmado hoy, que establece la creación de una comisión de
seguimiento compuesta por ambas Administraciones, seguirán otros
acuerdos que concretarán los detalles del proyecto.
Esta actuación se enmarca dentro de la línea de apoyo del Gobierno
regional a infraestructuras que contribuyan a la descentralización de la
oferta cultural y al fomento de la actividad cultural en los diversos
municipios de la región.
Artistas de Corte y retratistas de la Aristocracia
Comisariada por Carlos González y Montse Martí, la muestra
inaugurada lleva por título “El Mundo de los Madrazo” por tratarse de
la representación en imágenes de gran parte de la vida de esta dinastía de
artistas. Los cuadros nos muestran su labor oficial como artistas de la
Corte, los retratos de la aristocracia, sus trabajos como pintores
románticos y costumbristas, pero esencialmente los retratos de amigos y
familiares, utilizando el óleo como vehículo de expresión y el lienzo, el
cartón o la tabla como soporte pictórico.
La colección fue presentada al público madrileño en 2007 en el Real
Monasterio de las Comendadoras de Santiago el Mayor de Madrid y en
octubre de 2008, la Real Academia de España en Roma y la Comunidad
de Madrid, con la colaboración económica de SEACEX, presentaron una
muestra con una amplia selección de 66 obras.
Ahora es Alcalá de Henares, Ciudad Patrimonio de la Humanidad y
candidata a Ciudad Europea de la Cultura en 2016, la que acoge la
práctica totalidad de la Colección Madrazo, que la Comunidad de Madrid
ha prestado temporalmente para esta muestra. El antiguo Hospital de
Santa María de la Rica, situado en el centro de la ciudad, antiguo en
origen y moderno en instalaciones, ha sido el espacio elegido para
presentar la colección.
Dinastía de artistas
La Comunidad de Madrid adquirió en 2006 una colección de 84 pinturas
que pertenecían a los descendientes de María Teresa de Madrazo y de
Madrazo, hija única de Luis de Madrazo Kuntz y de su sobrina Luisa de
Madrazo Garreta. Esta colección, formada por sucesivas herencias
familiares, constituye un importante y representativo legado de la familia
más influyente del arte decimonónico español, con la presencia de obras
de todos los temas y estilos imperantes en la época pintadas por José,
Federico, Luis, Raimundo y Ricardo de Madrazo.
Los Madrazo, artistas internacionales y cosmopolitas, viajaron y
vivieron largas temporadas fuera de España. José y Federico fueron
directores del Real Museo de Pintura, más tarde Museo Nacional de
Pintura (Museo del Prado). Primeros Pintores de la Real Cámara y
directores de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, se
relacionaron con los principales estamentos culturales europeos y
ejercieron de cicerones de los artistas extranjeros que visitaban Madrid.
Hay que tener en cuenta también su labor en la comisión de Monumentos
por lo que recorrieron la geografía española preocupándose de la
recuperación y restauración de nuestra arquitectura. Raimundo vivió en
París y Ricardo se formó junto a su cuñado Mariano Fortuna en Roma
París, Granada y Marruecos.
La fama de todos ellos en el ámbito internacional lleva a que la
colección se presente en diferentes países. Tras la exposición en Roma
en 2008, está previsto que viaje a Polonia, país de origen de Tadeus
Kunts, suegro de José de Madrazo, y a Portugal, que mantuvo una
estrecha relación cultural con España durante el Siglo XIX.
La presidenta de la Comunidad de Madrid, Esperanza
Aguirre, ha anunciado la creación de un museo en el Palacio de los Casado
de Alcalá de Henares dedicado a la riqueza pictórica de Los Madrazo, tras
la firma de un convenio entre la jefa del Ejecutivo madrileño y el
vicepresidente, consejero de Cultura y Deporte, y portavoz del Gobierno
regional, Ignacio González, y el alcalde de la ciudad complutense,
Bartolomé González, para constituir este centro, que será de titularidad
municipal, y albergará y mostrará a los ciudadanos la Colección Madrazo,
propiedad de la Administración autonómica desde el año 2006.
Como anticipo de la creación del futuro Museo Madrazo, Aguirre,
Ignacio González y el alcalde complutense inauguraron hoy en Alcalá de
Henares la exposición temporal “El mundo de los Madrazo. Colección de
la Comunidad de Madrid”.
Aguirre destacó que “desde hoy queremos que sea Alcalá de
Henares, capital cultural de nuestra Región y firme candidata a Capital
Europea de la Cultura, el nuevo punto de encuentro de todos los
madrileños con el importante legado artístico de los pintores de la familia
Madrazo”.
80 piezas seleccionadas para la pinacoteca
La exposición temporal “El Mundo de los Madrazo” se trata de una
selección de 80 piezas en la que están representadas tres generaciones
de la familia Madrazo y que dan una amplia visión de esta notable dinastía
de artistas, con representación de las diferentes tendencias pictóricas del
siglo XIX, desde el Neoclasicismo del periodo de Fernando VII, del que fue
un claro exponente José de Madrazo, hasta el Romanticismo de Federico,
las pinturas de encargo de Luis o las pinceladas impresionistas de
Raimundo y Ricardo de Madrazo. Esta muestra temporal podrá visitarse
en el Antiguo Hospital Santa María la Rica hasta el 25 de abril.
Palacio de los Casado
El edificio que el Ayuntamiento destinará a ser sede de la Colección
Madrazo será el Hospital de San Lucas y San Nicolás, también conocido
como Palacio de los Casado, que está siendo rehabilitado. La corporación
local asumirá las obligaciones derivadas de su futuro funcionamiento. Al
convenio firmado hoy, que establece la creación de una comisión de
seguimiento compuesta por ambas Administraciones, seguirán otros
acuerdos que concretarán los detalles del proyecto.
Esta actuación se enmarca dentro de la línea de apoyo del Gobierno
regional a infraestructuras que contribuyan a la descentralización de la
oferta cultural y al fomento de la actividad cultural en los diversos
municipios de la región.
Artistas de Corte y retratistas de la Aristocracia
Comisariada por Carlos González y Montse Martí, la muestra
inaugurada lleva por título “El Mundo de los Madrazo” por tratarse de
la representación en imágenes de gran parte de la vida de esta dinastía de
artistas. Los cuadros nos muestran su labor oficial como artistas de la
Corte, los retratos de la aristocracia, sus trabajos como pintores
románticos y costumbristas, pero esencialmente los retratos de amigos y
familiares, utilizando el óleo como vehículo de expresión y el lienzo, el
cartón o la tabla como soporte pictórico.
La colección fue presentada al público madrileño en 2007 en el Real
Monasterio de las Comendadoras de Santiago el Mayor de Madrid y en
octubre de 2008, la Real Academia de España en Roma y la Comunidad
de Madrid, con la colaboración económica de SEACEX, presentaron una
muestra con una amplia selección de 66 obras.
Ahora es Alcalá de Henares, Ciudad Patrimonio de la Humanidad y
candidata a Ciudad Europea de la Cultura en 2016, la que acoge la
práctica totalidad de la Colección Madrazo, que la Comunidad de Madrid
ha prestado temporalmente para esta muestra. El antiguo Hospital de
Santa María de la Rica, situado en el centro de la ciudad, antiguo en
origen y moderno en instalaciones, ha sido el espacio elegido para
presentar la colección.
Dinastía de artistas
La Comunidad de Madrid adquirió en 2006 una colección de 84 pinturas
que pertenecían a los descendientes de María Teresa de Madrazo y de
Madrazo, hija única de Luis de Madrazo Kuntz y de su sobrina Luisa de
Madrazo Garreta. Esta colección, formada por sucesivas herencias
familiares, constituye un importante y representativo legado de la familia
más influyente del arte decimonónico español, con la presencia de obras
de todos los temas y estilos imperantes en la época pintadas por José,
Federico, Luis, Raimundo y Ricardo de Madrazo.
Los Madrazo, artistas internacionales y cosmopolitas, viajaron y
vivieron largas temporadas fuera de España. José y Federico fueron
directores del Real Museo de Pintura, más tarde Museo Nacional de
Pintura (Museo del Prado). Primeros Pintores de la Real Cámara y
directores de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, se
relacionaron con los principales estamentos culturales europeos y
ejercieron de cicerones de los artistas extranjeros que visitaban Madrid.
Hay que tener en cuenta también su labor en la comisión de Monumentos
por lo que recorrieron la geografía española preocupándose de la
recuperación y restauración de nuestra arquitectura. Raimundo vivió en
París y Ricardo se formó junto a su cuñado Mariano Fortuna en Roma
París, Granada y Marruecos.
La fama de todos ellos en el ámbito internacional lleva a que la
colección se presente en diferentes países. Tras la exposición en Roma
en 2008, está previsto que viaje a Polonia, país de origen de Tadeus
Kunts, suegro de José de Madrazo, y a Portugal, que mantuvo una
estrecha relación cultural con España durante el Siglo XIX.
"Monet y la Abstracción" en el Museo Thyssen-Bornemisza
Monet y la Abstracción
Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado. Madrid
Del 23 de febrero al 30 de mayo de 2010
Comisaria: Paloma Alarcó
L.M.A.
El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan la exposición Monet y la abstracción, un recorrido por la obra del gran pintor impresionista francés planteado desde una perspectiva diferente y hasta ahora nunca vista en el contexto de una exposición temporal de esta envergadura: la de su relación con el desarrollo de la abstracción en la segunda mitad de siglo XX.
Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado. Madrid
Del 23 de febrero al 30 de mayo de 2010
Comisaria: Paloma Alarcó
L.M.A.
El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid presentan la exposición Monet y la abstracción, un recorrido por la obra del gran pintor impresionista francés planteado desde una perspectiva diferente y hasta ahora nunca vista en el contexto de una exposición temporal de esta envergadura: la de su relación con el desarrollo de la abstracción en la segunda mitad de siglo XX.
Desde sus etéreos paisajes londinenses hasta las monumentales representaciones de su jardín deGi verny, donde pasó los últimos cuarenta años de su vida, la muestra analizará cómo lapermanente obsesión de Claude Monet por captar la instantaneidad le llevó a desdibujar larepresentación pictórica y le condujo prácticamente a las puertas de la abstracción; y cómo, a mediados del siglo pasado, la joven generación de pintores abstractos americanos y europeosredescubre su arte, le encumbra como profeta indiscutible de las corrientes matéricas de la abstracción, situándole definitivamente en el lugar fundamental que hoy en día ocupa en del arte.
Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Sam Francis, Joan Mitchell, Adolph Gottlieb,André Masson, Philip Guston o Gerhard Richter, entre otros, fueron algunos de estos jóvenes artistas que volvieron la vista hacia Monet.
Su obra podrá contemplarse ahora, a lo largo de todo el recorrido de la exposición, en un interesante diálogo con la del maestro impresionista, poniendo de manifiesto sus múltiples conexiones. Mostrar el arte de Claude Monet bajo esta nueva luz, permitirá analizar la importante influencia del pintor francés en el desarrollo de ciertos aspectos de la abstracción de la segunda mitad del siglo XX y, por tanto, su papel fundamental en el desarrollo de la modernidad.
En total, más de un centenar de obras se han logrado reunir para este nuevo proyecto conjunto del Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, que ha contado también en esta ocasión con la imprescindible colaboración del Musée Marmottan Monet de París, donde se presentará la muestra en el verano de 2010, tras su paso por Madrid.
El museo parisino ha cedido para la ocasión una magnífica selección del importante legado del pintor francés que conserva en sus fondos. Destacan igualmente los préstamos de numerosos museos y colecciones particulares de todo el mundo, principalmente de Europa y Estados Unidos.
"Joyas Reales, Fastos y Boatos", espléndido libro de Mateos y Sampedro
“Joyas Reales, Fastos y Boatos”
Ricardo Mateos Sáinz de Medrano
y José Luís Sampedro Escolar
Prólogo de la princesa Miriam de Bulgaria
Julia Sáez-Angulo
No es la primera vez que los autores abordan el tema de la apariencia y la imagen de la realeza a través de las joyas, ese Banco especial de inversiones en piedras y metales preciosos que constituyen un gran patrimonio para las familias reinantes (también para el resto de ciudadanos si las tienen) a la vez que constituyen objetos ornamentales que señalan su posición y poder económico.
Las Joyas de la Corona Española han sido estudiadas anteriormente por estos autores. Ahora, en el volumen “Joyas Reales, Fastos y Boatos”, editado por La Esfera de los Libros amplían el tema al llegar y comparar los joyeros reales de las viejas dinastías europeas, reinantes o no, así como los ceremoniales y protocolos que llevan a la exhibición de los joyeros y presencias heráldicas.
El libro, curiosamente, va dedicado “A la memoria de SS.AA.RR. doña Beatriz y don Alfonso de Orleáns, infantes de España, quienes hace cien años contrajeron matrimonio por amor sin fastos y renunciaron a sus joyas para adquirir ambulancias que mitigasen el dolor de las víctimas de la Guerra y para asistir a las parturientas de Sanlúcar de Barrameda”.
El prólogo de la princesa Miriam de Bulgaria, que sabe de joyas porque obtuvo la representación de una firma italiana, escribe el prólogo en el que destaca la excepcionalidad de las piezas mostradas en el libro “Joyas Reales, Fastos y Boatos”, “debida a su elevado precio y rareza, motivo que en ocasiones se reservase su uso, por ley o por costumbre, a personas privilegiadas y escogidas como monarcas, sacerdotes, héroes militares o deportivos...”
“Las joyas tienen una presencia constante en la historia. Las crónicas, los mosaicos y las miniaturas nos han dejado pálidas muestras del lujo con que se ataviaba Popea, la mujer infame del infame Nerón, o Teodora, que en Rabean aparece deslumbrante junto al igualmente deslumbrante Justiniano”.
“La obra que se presenta al lector –continúa Miriam Ungría- es una fugaz mirada a la puesta en escena de las cortes de Europa en los últimos siglos, desde 1804, fecha en que Napoleón se coronó como un César de la antigua Roma, hasta nuestros días. A mitad de ese camino cronólógico, hasta 1918, prácticamente toda Europa era monárquica y, en 1913, desde Lisboa hasta San Petersburgo y desde Atenas a Estocolmo, las catedrales y los salones palatinos servían continuamente de escenario para la representación de coronaciones, bodas, funerales, bailes y presentaciones de credenciales en las que los refulgente uniformes bordados de los embajadores y los chambelanes cubiertos de esmaltes...”
Piezas importantes en Museos y Joyerías
En suma, el libro de Ricardo Mateos Sáinz de Medrano y José Luís Sampedro es una hermosa divulgación ilustrada de la historia con las joyas como hilo conductor. Las firmas de los joyeros y artífices como Garrar (Londres), Fabergé (San Petersburgo), Musy (Turín), Mellerio, Lemonnier y Cartier (París) y tanto otros, figura como artistas, en un género que ya no es considerado menor. Los grandes museos cuentan con ellas.
Las ilustraciones de “Joyas Reales, Fastos y Boatos”, en color o blanco y negro para las históricas, documentan profusamente al lector que disfruta con el paso de las páginas y los contenidos de las mismas.
España, a diferencia de Inglaterra, apenas tiene joyas de la Corona, ya que los Borbones tuvieron siempre un sentido muy patrimonial de la Monarquía. Sólo la Reina Victoria Eugenia –venida de Inglaterra- tuvo el buen criterio de establecer las llamadas “joyas de pasar”, que irían de los reyes de España a sus sucesivos herederos en el trono, siempre como patrimonio privado.
Son muchas las joyas de las viejas familias reales las que hoy figuran en los museos como la de los Von Taxis de Alemania en la Sala Apollon del Louvre. El tesoro del Delfín Felipe V está en el Museo del Prado, etc. Algunas joyerías privadas también cuentan con algunas piezas procedentes de la realeza como la de Consuelo Sierra en Madrid.
De Carmen Cervera, baronesa viuda de Thyssen-Bornemisza, se sabe que no suele figurar en la lista de las mujeres mejor vestidas, pero ciertamente sí lo está en la de mejor enjoyadas porque su fondo en este campo es espléndido.
Ricardo Mateos Sáinz de Medrano
y José Luís Sampedro Escolar
Prólogo de la princesa Miriam de Bulgaria
Julia Sáez-Angulo
No es la primera vez que los autores abordan el tema de la apariencia y la imagen de la realeza a través de las joyas, ese Banco especial de inversiones en piedras y metales preciosos que constituyen un gran patrimonio para las familias reinantes (también para el resto de ciudadanos si las tienen) a la vez que constituyen objetos ornamentales que señalan su posición y poder económico.
Las Joyas de la Corona Española han sido estudiadas anteriormente por estos autores. Ahora, en el volumen “Joyas Reales, Fastos y Boatos”, editado por La Esfera de los Libros amplían el tema al llegar y comparar los joyeros reales de las viejas dinastías europeas, reinantes o no, así como los ceremoniales y protocolos que llevan a la exhibición de los joyeros y presencias heráldicas.
El libro, curiosamente, va dedicado “A la memoria de SS.AA.RR. doña Beatriz y don Alfonso de Orleáns, infantes de España, quienes hace cien años contrajeron matrimonio por amor sin fastos y renunciaron a sus joyas para adquirir ambulancias que mitigasen el dolor de las víctimas de la Guerra y para asistir a las parturientas de Sanlúcar de Barrameda”.
El prólogo de la princesa Miriam de Bulgaria, que sabe de joyas porque obtuvo la representación de una firma italiana, escribe el prólogo en el que destaca la excepcionalidad de las piezas mostradas en el libro “Joyas Reales, Fastos y Boatos”, “debida a su elevado precio y rareza, motivo que en ocasiones se reservase su uso, por ley o por costumbre, a personas privilegiadas y escogidas como monarcas, sacerdotes, héroes militares o deportivos...”
“Las joyas tienen una presencia constante en la historia. Las crónicas, los mosaicos y las miniaturas nos han dejado pálidas muestras del lujo con que se ataviaba Popea, la mujer infame del infame Nerón, o Teodora, que en Rabean aparece deslumbrante junto al igualmente deslumbrante Justiniano”.
“La obra que se presenta al lector –continúa Miriam Ungría- es una fugaz mirada a la puesta en escena de las cortes de Europa en los últimos siglos, desde 1804, fecha en que Napoleón se coronó como un César de la antigua Roma, hasta nuestros días. A mitad de ese camino cronólógico, hasta 1918, prácticamente toda Europa era monárquica y, en 1913, desde Lisboa hasta San Petersburgo y desde Atenas a Estocolmo, las catedrales y los salones palatinos servían continuamente de escenario para la representación de coronaciones, bodas, funerales, bailes y presentaciones de credenciales en las que los refulgente uniformes bordados de los embajadores y los chambelanes cubiertos de esmaltes...”
Piezas importantes en Museos y Joyerías
En suma, el libro de Ricardo Mateos Sáinz de Medrano y José Luís Sampedro es una hermosa divulgación ilustrada de la historia con las joyas como hilo conductor. Las firmas de los joyeros y artífices como Garrar (Londres), Fabergé (San Petersburgo), Musy (Turín), Mellerio, Lemonnier y Cartier (París) y tanto otros, figura como artistas, en un género que ya no es considerado menor. Los grandes museos cuentan con ellas.
Las ilustraciones de “Joyas Reales, Fastos y Boatos”, en color o blanco y negro para las históricas, documentan profusamente al lector que disfruta con el paso de las páginas y los contenidos de las mismas.
España, a diferencia de Inglaterra, apenas tiene joyas de la Corona, ya que los Borbones tuvieron siempre un sentido muy patrimonial de la Monarquía. Sólo la Reina Victoria Eugenia –venida de Inglaterra- tuvo el buen criterio de establecer las llamadas “joyas de pasar”, que irían de los reyes de España a sus sucesivos herederos en el trono, siempre como patrimonio privado.
Son muchas las joyas de las viejas familias reales las que hoy figuran en los museos como la de los Von Taxis de Alemania en la Sala Apollon del Louvre. El tesoro del Delfín Felipe V está en el Museo del Prado, etc. Algunas joyerías privadas también cuentan con algunas piezas procedentes de la realeza como la de Consuelo Sierra en Madrid.
De Carmen Cervera, baronesa viuda de Thyssen-Bornemisza, se sabe que no suele figurar en la lista de las mujeres mejor vestidas, pero ciertamente sí lo está en la de mejor enjoyadas porque su fondo en este campo es espléndido.
Exposición sobre el arte del Siglo de Oro español en Washington
Lo Sagrado hecho Real. Pintura y escultura española, 1600-1700
National Gallery de Washington
Del 28 de febrero al 31 de mayo de 2010
L.M.A.
Se ha presentado en la National Gallery de Washington la exposición Lo Sagrado hecho Real. Pintura y escultura española, 1600-1700, una destacada muestra de pinturas y esculturas de los mejores artistas del Barroco español que se exhibirá del 28 de febrero al 31 de mayo de 2010. Al acto de presentación de la muestra ha asistido el director general de Política e Industrias Culturales del Ministerio de Cultura, Guillermo Corral.
En Lo Sagrado hecho Real se exhiben juntas por primera vez obras maestras de los más importantes autores de la pintura y la escultura del Siglo de Oro español, como Diego Velázquez, Alonso Cano, Zurbarán, Francisco Pacheco, Francisco Ribera, José de Ribalta, Gregorio Fernández, José de Mora, Juan de Mesa, Juan Martínez Montañés o Pedro de Mena.
La muestra revela la extraordinaria maestría de estos creadores, la gran importancia que tuvo el hiper-realismo de sus obras en el desarrollo del arte español, y explora el modo en que pintores y escultores pusieron su técnica al servicio de una representación extraordinariamente vívida y naturalista de los grandes temas católicos de la Contrarreforma: las vidas de santos, la Inmaculada concepción y la Pasión de Cristo... Al tiempo, el diálogo entre pintura y escultura reproduce en parte el que tenía lugar en los grandes conjuntos históricos del Barroco y pone de manifiesto los recursos plásticos empleados por los autores de las diversas artes.
En junio se presentará en Valladolid
La exposición Lo Sagrado hecho Real es una muestra producida por la National Gallery de Londres, donde se ha expuesto del 21 octubre de 2009 al 24 de enero de 2010 y la National Gallery of Art de Washington, donde en la actualidad se expone.
miércoles, 24 de febrero de 2010
Gardenia Mayo, Pintora y diseñadora de textiles y joyas
Julia Sáez-Angulo
24.02.10 .- MADRID .- Gardenia Mayo (Madrid, 1953) expone actualmente en una colectiva en el espacio de Velázquez 40, después de su individual en la madrileña galería Amador de los Ríos donde vendió más de treinta obras. Además de pintora es diseñadora de textiles y joyas; realiza diseños exclusivos para “Palacios y Museos”. La artista responde así a las preguntas de L.M.A
¿En qué línea está trabajando ahora?
Innovadora. Rescato las telas en mis esculturas como medio fundamental de expresión. Mi trabajo esta cargado de asociaciones con el hielo, el tiempo y las cenizas.
¿A qué cree que se debe su último éxito de ventas en la galería Amador de los Ríos?
Desarrollo mi creatividad e intento lograr el efecto deseado.
Hábleme del uso de los materiales que utiliza
Endurezco telas dándoles el acabado concreto para cada obra. Escribo pensamientos en papel craft y en bolsas que luego rompo y pego al lienzo; también utilizo cartones y luego lo pinto y doy sombras con acrílicos.
Para grabados uso mucho la punta seca, pero también hago planchas utilizando rafia, cartones, cintas que los grabo con ácidos.
¿Por qué la abstracción?
No lo sé ....Surgió.
¿Qué maestros cree que le han influido más?
Velázquez, Picasso y Manolo Valdés.
¿Cuál es la definición de arte que más le convence?
Inspiración
¿Qué museo le ha interesado más y por qué?
El Museo del Prado, como dijo Dali: por ese aire que Velázquez encerró en las Meninas, que es el aire mas transparente y de mejor calidad que existe.
¿Qué obra de arte le ha impactado?
El “Guernica”
¿Cómo definiría al Grupo por Arte y Cultura que lidera Mayte Spínola al que pertenece?
Colosal
¿Qué ferias recientes en Madrid le ha interesado?
Arco y Estampa.
¿Qué proyectos tiene?
He mandado un proyecto (Atemporalidad) a Ayudas a la Creación Contemporánea Matadero de Madrid 2010, para optar al espacio "Abierto por Obras". Tengo que esperar a saber el resultado del Matadero en mayo y si no me seleccionan, buscaré una Galería para exponer mis esculturas. En Abril participo en una colectiva en la Galería Paz Feliz. Para Octubre el Grupo Pro-Arte y Cultura tiene un proyecto en el que estaré. Quiero participar en todos los concursos que pueda
¿En qué línea está trabajando ahora?
Innovadora. Rescato las telas en mis esculturas como medio fundamental de expresión. Mi trabajo esta cargado de asociaciones con el hielo, el tiempo y las cenizas.
¿A qué cree que se debe su último éxito de ventas en la galería Amador de los Ríos?
Desarrollo mi creatividad e intento lograr el efecto deseado.
Hábleme del uso de los materiales que utiliza
Endurezco telas dándoles el acabado concreto para cada obra. Escribo pensamientos en papel craft y en bolsas que luego rompo y pego al lienzo; también utilizo cartones y luego lo pinto y doy sombras con acrílicos.
Para grabados uso mucho la punta seca, pero también hago planchas utilizando rafia, cartones, cintas que los grabo con ácidos.
¿Por qué la abstracción?
No lo sé ....Surgió.
¿Qué maestros cree que le han influido más?
Velázquez, Picasso y Manolo Valdés.
¿Cuál es la definición de arte que más le convence?
Inspiración
¿Qué museo le ha interesado más y por qué?
El Museo del Prado, como dijo Dali: por ese aire que Velázquez encerró en las Meninas, que es el aire mas transparente y de mejor calidad que existe.
¿Qué obra de arte le ha impactado?
El “Guernica”
¿Cómo definiría al Grupo por Arte y Cultura que lidera Mayte Spínola al que pertenece?
Colosal
¿Qué ferias recientes en Madrid le ha interesado?
Arco y Estampa.
¿Qué proyectos tiene?
He mandado un proyecto (Atemporalidad) a Ayudas a la Creación Contemporánea Matadero de Madrid 2010, para optar al espacio "Abierto por Obras". Tengo que esperar a saber el resultado del Matadero en mayo y si no me seleccionan, buscaré una Galería para exponer mis esculturas. En Abril participo en una colectiva en la Galería Paz Feliz. Para Octubre el Grupo Pro-Arte y Cultura tiene un proyecto en el que estaré. Quiero participar en todos los concursos que pueda
Instituto Cervantes, Premio a la Mejor Promoción del Flamenco
L.M.A.
El Instituto Cervantes ha sido distinguido con el Premio Nacional a la Mejor Promoción del Flamenco que concede la Asociación de Periodistas Especializados en Flamenco. El director de Cultura del Instituto, Rufino Sánchez, recogió anoche el galardón en un acto celebrado en el Gran Teatro de Córdoba.
La Asociación de Periodistas Especializados en Flamenco, que reúne a flamencólogos y críticos de toda España, concede cada año los Premios Nacionales de la Crítica Flamenca, también llamados Premios Flamenco Hoy.
El flamenco es una de las actividades estrella de la programación cultural del Instituto Cervantes en todo el mundo y atrae a un gran número de espectadores. Sus más de 70 centros celebran periódicamente conciertos, exposiciones, clases magistrales y otros actos para promocionar un arte que aspira a ser declarado por la Unesco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
Esta semana, con motivo del Día de Andalucía el próximo domingo día 28, cinco sedes del Cervantes en otros tantos países -uno de cada continente- ofrecen al público conciertos flamencos: Tokio, con Asunción Pérez "Choni"; Sídney, con Pedro Sierra y La Tobala; Marrakech, con El Junco y Susana; París, con Marina Heredia, y Chicago, con Rosario Toledo.
A ellos se suman los Festivales Flamencos de Londres y Nueva York. En la capital británica actúan esta semana María Pagés, Pastora Galván y Rocío Molina, entre otros artistas. En el Cervantes de Nueva York se exhibe la muestra fotográfica "Prohibido el cante: flamenco y fotografía", con instantáneas sobre este arte realizadas desde 1880 hasta la actualidad.
La directora del Cervantes, Carmen Caffarel, y la consejera de Cultura de la Junta de Andalucía, Rosa Torres, suscribieron en Madrid el pasado 21 de enero un convenio por el que ambas partes organizarán de forma conjunta actividades que contribuyan a la difusión internacional del flamenco
Fernando Marías y María Tena, ganador y finalista de los premios Primavera de Novela
J.S.A.
Fernando Marías con la novela “Todo el amor y casi toda la muerte” y María Tena con “La fragilidad de las panteras” ha sido el ganador y la finalista de los premios Primavera de Novela, uno de los más prestigiosos en lengua española. Curiosamente ambas novelas tienen como protagonistas a tres mujeres aunque en muy distintos ámbitos.
La Editorial Espasa y Ámbito Cultural de El Corte Inglés, con el fin de apoyar la creación literaria y contribuir a la máxima difusión de la novela como forma de expresión artística de nuestra época, convocan desde 1997 este certamen, que se ha consolidado como referencia clave para las letras hispanas y aumenta cada año en volumen de participantes.
En esta edición se han recibido un total de 303 originales. Por continentes, se han presentado 169 trabajos de Europa, 93 de América y 1 de Asia. 40 obras tienen un origen desconocido.
España, con 161 obras ocupa el primer lugar en número de ejemplares, seguida de Argentina con 24 y México y Estados Unidos, ambas con 17.
De los 93 trabajos recibidos de América, 45 proceden de países sudamericanos, 28 llegan de países de América Central y Caribe, 17 de Estados Unidos y 3 de Canadá.
Estos son los 24 países de los que se han recibido participación: España, Argentina, República Dominicana, El Salvador, Brasil, Costa Rica, México, Cuba, EE.UU, Colombia, Perú, Paraguay, Uruguay, Canadá, Rumanía, Francia, Bélgica, Puerto Rico, Bolivia, Venezuela, Alemania, Suecia, Ecuador y Japón.
En cuanto a la participación española, Andalucía ha sido la comunidad autónoma desde la que se han presentado más obras, con un total de 31, seguida por Madrid 30, Cataluña 20 y la Comunidad Valenciana 19.
Al ganador se le otorgará un premio de 200.000 euros y al finalista un accésit de 30.000 euros. Ambas obras serán, además, publicadas en exclusiva por la Editorial Espasa.
En la edición del año pasado resultó ganador el escritor chileno Luis Sepúlveda con la novela La sombra de lo que fuimos, y finalista José María Beneyto con la novela Los elementos del mundo
El jurado presidido por Ana María Matute, y compuesto por Antonio Soler, Ángel Basanta, Ramón Pernas, Ana Rosa Semprún y Miryam Galaz, como secretaria sin voto, está trabajando en las novelas presentadas y hará oficial el fallo durante la rueda de prensa.
A la pregunta de si la Real Academia Española de la Lengua debiera de tener más mujeres en su seno, María Tena ha dicho que “La última elección de Soledad Puértolas como miembro de número ha sido muy acertad pero que debiera haber al menos diez nombres más de escritoras españolas en la docta institución”.
Victoria Abril pinta la luz que resbala en la naturaleza
Julia Sáez-Angulo
Victoria Abril tiene nombre de actriz pero es una notable artista de la pintura. Terminó Bellas Artes en la Complutense madrileña en 1987 y su mundo se resuelve principalmente en hermosos bodegones y flores, amén de bosques y figura humana. El retrato, la naturaleza humana por excelencia, es otro de los géneros más cultivados por la artista. El Hogar de Ávila le dedica un acto de reconocimiento en la tertulia Peñaltar, moderada por Rosa María Manzanares, el próximo 25 de febrero de 2010.
"Me interesa la naturaleza por un inevitable sentido o sensación de unidad con ella, una atracción hipnótica, difícil de explicar. Por ello, quizás, la retrato”, explica Victoria Abril.
“Pinto bodegones con la intención de crear una atmósfera, como en un paisaje, con espacios abiertos y otros más cerrados y complejos. La luz, la planteo como una directora de la mirada, un dibujo, un recorrido que se desliza sobre las formas y así las descubre o las oculta”, añade.
“Con cada color es como si las manos, en este caso los colores, tocaran o recorrieran las distintas formas, hacia dentro o hacia fuera, en las direcciones deseadas, construyendo el espacio, la profundidad y la composición del cuadro. Es un espacio que considero escultórico, con planos y trazos amplios, basado en los contrastes”.
La pintora explica de qué van los contrastes a los que se refiere: “Contrastes de zonas donde la pintura es transparente frente a otras opacas y densas. Contrastes por saturación y complementariedad del color contra zonas entonadas, contrastes por luces y sombras, por pintura trazada más grande o más pequeña, o formados por el dibujo de la línea y el grafismo; una construcción por planos que divide cada objeto y el espacio total del cuadro exagera el volumen de las partes, dejándome holgura en cuanto al color y a la textura”.
Finalmente, la pintora explica: “El color, por sí solo, acerca o aleja las figuras, entendiendo por figura, no sólo el objeto figurativo, sino cada parte o división del espacio pictórico, elementos todos que, abstractos, forman el espacio y el movimiento en el cuadro, aparte de tener un alto valor sensitivo, psicológico en sus relaciones”.
Sobre la figura humana Victoria Abril dice: “Al pintar mujeres intento también retratar paisajes, personificando la naturaleza, intentando transmitir mis deseos y sensaciones, el cariño, la melancolía, la soledad,... No sabría explicarlo. Me identifico con ellas."
Alma Ramas, directora de FiART, habla sobre Arte y Circuito Artístico
Julia Sáez-Angulo
Alma Ramas López es licenciada en Restauración de Bienes Culturales, especialidad de Arqueología. Ha publicado el libro “Hablan Los pinceles” en H Blume. Es Master en Coleccionismo y Arte Contemporaneo por la Universidad de Barcelona y ha sido durante ocho años directora de Annta Gallery. Es miembro de la Asociación madrileña de Críticos de Arte (AMCA) y actualmente directora de la Fundación Fondo internacional de las Artes (FiART).
¿Qué es la Fundación Fondo Internacional de las Artes (FiART)? ¿Qué objetivos tiene?
La Fundación Fondo Internacional de las Artes tiene como finalidad principal la de desarrollar la creatividad artística en sus distintas manifestaciones , a través de su exhibición, investigación y difusión.
En sus tres últimos años la Fundación ha demostrado una dinámica capacidad de gestión cultural, que ha superado las expectativas primeras.
Además de las exposiciones realizadas en su sede, la Fundación se ha extendido fuera de sus límites geográficos a través de exposiciones itinerantes e individuales de artistas españoles a los principales museos de Latinoamérica , con gran éxito y proyecciones futuras con cada uno de ellos; ha desarrollado proyectos para que en España se reconozca la capacidad artística de artistas Latinoamericanos y de otras culturas a través de muestras y exhibiciones en sus Museos.
El trabajo del día a día en la Fundación, está dando sus frutos y los resultados los vemos en el efectivo fomento de la creatividad nacional, el respeto por las identidades culturales y el mejoramiento en el esfuerzo para que a través de la creatividad, las comunidades rehagan formas de convivencia local y globalmente.
Definiéndose como un espacio de encuentros , la Fundación también es un espacio interactivo donde se construyen significados, un foro de interacción entre el arte y los individuos , abriéndose como resultado de los mismos, amplios espacios de conocimiento, promoción y desarrollo de las más diversas manifestaciones artísticas y culturales.
Exposición itinerante del pintor José Manuel Ciria
¿Cuáles han sido las actividades más notables realizadas hasta ahora?
Todas y cada una de ellas, ya que cada proyecto realizado, tanto si es pequeño como grande, se le da el mismo entusiasmo, interés e importancia. Pero si debiera nombrar alguna, la Itinerancia con Jose Manuel Ciria por los museos Latinoamericanos , pasando por La Republica Dominicana, Puerto Rico, El Salvador, Chile, Medellín y la exposición de Agusti Centelles, tanto la Caja de la Memoria, como el Ojo de la Historia, actualmente en el MAM de la republica Dominicana.
¿Qué proyectos tiene más inmediatos?
Son varios, pero comentare los mas cercanos:
Sinergias: Arte Latinoamericano actual en España, apoyado por la Secretaria General Iberoamericana, donde comenzaremos una Itinerancia, el 14 de Mayo en el MEIAC, en Noviembre en el MACUF terminando en Cádiz en el 2012.
En Octubre en el MAMM de Medellín, el proyecto Des-Habitable en el marco de la Bienal Iberoamericana de Arquitectura.
Ouka Leele, donde trabajaremos sus fotografías, pinturas y poemas.
Junto con la Fundación Casa Falconieri, mostraremos en el Teatro Lírico de Cagliari una muestra de 3 artistas Latinoamericanos.
Finalizamos en Febrero la exposición de Agusti Centelles, en el MAM de Santo Domingo.
Lo que se entiende por ARTE
¿Qué definición de arte le convence más?
Desde mi punto de vista el Arte es un concepto filosófico, es decir su definición va variando a medida que cambian las épocas. Es una pretensión filosófica desde Platón. Solo mediante la unidad esencial de las artes en un solo Arte, puede el pensamiento domesticar y tutelar la producción artística.
Creo que el ser humano por naturaleza siempre quiere buscar sentido y significado a lo que hace. Les propongo realizar la pregunta ¿ que es el Arte? Y verán que dependiendo a quien se dirija dicha pregunta ( marchante, comisario, critico, artista…) las respuestas son tan variadas como sorprendentes,( solo con sus respuestas se podria escribir un libro) y aun así se mantendrían las discrepancias entre unos y otros.
Cy Twombly ha realizado un cuadro con un lapiz, Robert Raushenberg con basura, Chris Ofili con boniga de elefante, los cuadros-carta de Christopher Wool contienen una sola palabra, Andy Warhol ha pintado con orina….. solo por comentar algunos.
El arte latinoamericano ha sido uno de sus intereses habituales ¿Qué características singulares le ve?
La capacidad de resolver sus trabajos y asimilar los movimientos artísticos occidentales, sin perder su propia y particular creatividad.
¿Qué países latinoamericanos están más pujantes en arte?
México, Brasil, Argentina, Cuba…
Fotografía con discurso contundente
La fotografía es otro capítulo importante en FiArt ¿Qué tipos de fotografía le interesa y por qué?
Toda aquella con un discurso contundente.
Algunos piensan que la galería de arte ha muerto o está muriendo porque los artistas piden otro circuito. ¿Cómo lo ve?
No creo que las galerías de arte estén muriendo, por el contrario, estamos siendo testigos de su transformación. quizá están dejando de ser lo que conocemos como la tradicional “galería de arte”,.y para transformarse en lugares mas dinámicos.
Simplemente miremos lo que ha realizado la evolución y revolución de Internet en este sentido. Anteriormente la galería era uno de los pocos lugares donde se podia ver la obra de un artista, ahora con un solo “clik” podemos obtener casi todo lo que necesitamos.
Los tiempos cambian y cada vez mas rápido,por lo tanto irremediablemente hay que ajustarse a ellos, ya que también es lo que la sociedad demanda.
¿Le convence el panorama de las Ferias de Arte en España y Fuera? ¿Cuáles son las mejores?
Siempre una feria es interesante en todos los sentidos, ya que en un mismo espacio se concentran muchísimas cosas. España tiene buenas ferias repartidas por todo el territorio, pero quizá en alguna de ellas debería replantearse el concepto.
Las ferias que a mí mas me interesan por sus propuestas : Art Basel (ambas versiones), Frieze, sin dejar de lado Photo-London, Paris Photo, Loop...
Usted es lectora habitual de libros teóricos sobre el arte ¿Cuáles recomienda?
Diccionario de las artes de Felix de Azua; Diario de un Marchante de arte de Gimpel R.; El arte del robo: el escándalo de las casas de subastas Sotheby’s y Christie’s.
¿Qué museo disfruta más de los que ha visitado últimamente?
El MoMA NY.
¿Qué obra de arte no olvida y por qué?
Mas bien es que artista no olvido, Van Gogh, ya que gracias a un profesora, amante del arte, es quien me abrió los ojos y la mente. Ella era una apasionada de la pintura y su forma de explicar, contar y comentar las obras, me introdujo en un mundo mágico y apasionante
martes, 23 de febrero de 2010
Francisca Blázquez, Iluminación y dimensionalismo en la Pintura
Francisca Blázquez
Espacio Villanueva 5. Madrid
Exposición del 2 al 6 de marzo de 2010
L.M.A.
Francisca Blázquez, creadora plástica nacida en Madrid, expone en Espacio Villanueva de la capital de España del 2 al 6 de marzo, siendo la inauguración el día 2 a las 19.30 horas de la tarde.
La autora del Dimensionalismo en 1998, indaga en la investigación cósmica, angélica, esotérica, etérica, astral, álmica, espiritual, cristalográfica, la dimensión del amor, espacial y galáctica, entre otras.
Su obra se caracteriza por presentar formas de gran perfección y complejidad, en entornos singulares, con colores extraordinariamente vivos e intensos, empleando la racionalidad, en ocasiones la fantasía, muchas veces la canalización, asimismo la meditación serena y la pintura automática.
El resultado es una obra que viaja a través de diferentes dimensiones, que fluye de adentro hacia afuera, de arriba hacia abajo, que busca la intensidad vibracional en lo que es tanto si es por sí mismo como si existe como efecto de causa.
Elabora formas que se convierten en geometrías espirituales canalizadas, a veces de extraordinaria factura, casi imposibles por su perfección; en ocasiones, fantásticas y galácticas, también alegóricas y simbólicas, con conexiones dimensionales. De esta manera exhibe geometrías que nos recuerdan alegorías de entes, seres, devas, ángeles, figuras, naves, planetas, galaxias, construcciones que poseen una determinada apariencia pero que, en realidad, son la expresión de un determinado estadio de ánimo o de la mente, también fruto de lo espiritual en grado natural.
Expresa la iluminación y sus circunstancias, porque considera que todo lo que existe es parte de un todo inteligente que posee funciones compatibles. Aunque no conocemos el universo en detalle, en realidad, todo está ahí, fuera y dentro, en nosotros y en el todo.
Parte de la forma para transmitir realidades más profundas, que son consecuencia de la vida, existencia pura, es decir iluminación transparente y en coherencia con lo que somos.
Cada dimensión tiene sus propios códigos, formados por la determinación vibracional, concentración diversa de energías que configuran la faceta visible que la artista refleja.
En su serie de ángeles y devas constatamos su influencia; mientras que en la correspondiente a las cristalografías del agua presenta la estructura interna del agua, sus moléculas y sus divisiones con sus subdivisiones, compaginándolas con la esencia iluminada.
Por otra parte en sus series espaciales contemplamos formas de naves, ingenios espaciales, planetas, entidades suspendidas, flotando, también geometrías extrañas y elaboradas a la vez. La dedicada a la iluminación, canaliza de manera directa lo que medita.
Asimismo posee series en las que exhibe lo esotérico, la importancia de la cábala y los símbolos procedentes de los libros sagrados existentes de todas las culturas, compaginándolo con lo misterioso del conocimiento profundo que a todos nos atañe.
En su serie dimensional vinculada con el amor, sus formas geométricas representan momentos, instantes de pura vibración sutil, de energías instaladas en geometrías bellas, de arquitecturas estudiadas futuristas.
En líneas generales todo lo que existe se vincula con un conjunto de factores que exhibe con toda su fuerza la connivencia de lo matérico con lo esotérico y lo espiritual, permitiendo situarse en consideraciones mucho más avanzadas que las de la pura evidencia geométrica.
Realmente lo que quiere comunicarnos la creadora nacida en la capital de España, es que la vida es compleja, multidimensional y fantástica en todos los órdenes, porque no solo es biología, sino el desarrollo de todo lo que hay visible e invisible en las diferentes dimensiones.
Con más de 377 exposiciones individuales y colectivas en 17 países de tres continentes, la creadora multidisciplinar e interdisciplinar madrileña, esencialmente pintora, pero también autora de escultura, joyería, animación digital, instalaciones, dibujo, grabado, performances, video creación, danza experimental y arte interactivo, aporta al arte actual armonía entre la ciencia y la espiritualidad.
Su obra se halla representada en las mejores colecciones del mundo: Fundación Newman de Chicago, Fundación Argentaria de Madrid, JJ.00. de Pekín, Museo Marugame Hirai de Japón, Círculo Artístico de Venecia, Platinum Collection, Grupo Dúplex, Eurodesign, Bolsa de Comercio de Buenos Aires, 200 empresas suizas, Unión de Bancos Suizos, Corporación Bancaria Suiza, Museo Arte On, Ayuntamiento de Marbella, Casino de Marbella, Ayuntamiento de Burgos, etc.Además participa en las principales ferias de Europa, entre ellas Colonia y ARCO.
Francisca Blázquez es una creadora que ama la belleza, que transmite contemporaneidad sin necesidad de renunciar a su propia idiosincrasia, permitiéndonos contemplar la trascendencia de lo espiritual desde una actitud de hoy.
Espacio Villanueva se encuentra situado en Villanueva, 5, 28001 Madrid. Más información en el 649 8974 52 y en las webs: www.espaciovillanueva5.com, www.franciscablazquez.net y www.joanlluismontane.net.
Más información: www.franciscablazquez.net
Medardo Fraile, memorias personales y literarias en “El cuento de siempre acabar”
Julia Sáez-Angulo
23.02.2010 .- Madrid .- “Aún hay sol en las bardas”. Con esta cita cervantina el escritor Medardo Fraile abre sus memorias tituladas “El cuento de siempre acabar”, publicado por la editorial Pre-Textos. Casado con una escocesa, el escritor reside en Glasgow, si bien ha mantenido siempre una casa en su ciudad natal, Madrid. Tiene una hija.
Pertenece a la llamada Generación del Medio Siglo con nombres célebres como Ana María Matute, Carmiña Martín Gaite, Ignacio Aldecoa, Rafael Sánchez Ferlosio, Fernández Santos y otros.
Medardo Fraile (Madrid, 1925) está considerado por la crítica como uno de los mejores narradores de cuento. Cuenta con los mejores galardones del género, aunque sus comienzos estuvieron principalmente en el teatro. Fundó “Arte Nuevo” junto a Alfonso Paso. Escribió una veintena de obras y tuvo gran éxito durante los años 40 y 50. También ha escrito novelas y artículos.
Las memorias han sido escritas con mesura cervantina, no exentas de cierta ironía pero sin caer nunca en el sarcasmo o la sal gruesa. Narradas con sinceridad reposada y sin tremendismos, lo que se agradece en un país enfermo de guerra-civilismo. Medardo Fraile ha vivido largo tiempo en Gran Bretaña, un país de gran tradición en el género memorialístico.
Amplio Índice Onomástico
Su libro “El cuento de siempre acabar” cuenta con un amplio índice onomástico que indica la amplia nómina de escritores principalmente, con los que el autor ha tenido relación a lo largo de su trayectoria literaria: Vicente Aleixandre, Buero Vallejo, José Caballero, José María Pemán, Menéndez Pidal, Laín Entralgo, José Amillo, Blas de Otero, Leopoldo Panero, Díaz-Cañabate, José García Nieto, José Hierro, Dámaso Alonso, Pilar Palomo, Regino Sáinz de la Maza, Angelina Gatell, Víctor Ruiz Iriarte, Juan Antonio de Zunzunegui, Rafael Zabaleta, Ángel Zapata, Angelina Lamelas, María Asunción Mateo…
Los apartados de las memorias llevan con subtítulos: La vida y otros encuentros; Mujeres en movimiento continuo; La pieza de recambio; Interludio. Llega una carta; Guerra Civil; Guerra en la paz; En Rosales, pintor, frente a Rosales, poeta; Arte Nuevo; Pregustismo, cada cual a su juego y algo más de teatro; Viaje a París y vuelta; El interminable capítulo de Adán y Eva; Actividades docentes y Cuadernos de Ágora; Más prensa, algunos trenes y un barco y, finalmente Cierre.
Interesante entre otras historias y opiniones, la de la reconocida novela “El Jarama” de Sánchez Ferlosio frente a la de Lorenzo Villalonga “Bearn” muy superior. Medardo Fraile es un escritor riguroso, cuidados con la gramática y el estilo. Pule y perfila cada frase y cada párrafo con la exigencia de un perfeccionista que ama por encima de todo la literatura.
"El cuento de siempre acabar"
Medardo Fraile
Editorial Pre-Textos
Valencia (610 pags)
José Gabriel Ceballos, ganador del XII Premio de Narrativa Alfonso VIII
L.M.A.
José Gabriel Ceballos ha resultado ganador del XII Premio de Narrativa Alfonso VIII convocado por la Diputación Provincial de Cuenca junto con la Editorial Edaf por su obra En la resaca, una revisión en la frontera de lo lícito y de lo ético sobre la historia de la infamia de un país de Latinoamérica.
El jurado, presidido por la escritora Almudena Grandes, ha estado compuesto además por los escritores Lorenzo Silva y Pedro Zarraluqui; Marta Segarra (Directora de Cultura de la Diputación de Cuenca) y Melquíades Prieto (editor de Editorial Edaf).
José Gabriel Ceballos (Argentina, 1955) ha publicado poesía y cuento. Premio Único de Narrativa Latinoamericana EDUCA, Premio Alberto Lista, Premio Ciudad de Alcalá de Henares de Narrativa y Premio Tiflos de Literatura de la ONCE
.
Jordi Cornudella ha ganado el premio de Ensayo Palau i Fabre y Michael Hampe, Mejor Obra publicada en el extranjero
L.M.A.
Les bones companyies (Las buenas compañías), de Jordi Cornudella, ha resultado ganador del I premio Internacional de Ensayo Palau i Fabre, convocado por la Fundació Palau y Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores.
El acta del jurado, compuesto por el sociólogo alemán Wolf Lepenies, el catedrático de Teoría de la Literatura Jordi Llovet, el profesor Tomàs Nofre, presidente de la Fundació Palau; el lingüista, historiador y pensador francés de origen búlgaro Tzvetan Todorov y el escritor Enrique Vila-Matas, ha destacado de la obra "la gran inteligencia, finura de lector y penetración intelectual de un ensayo sobre el placer de la lectura que muestra cómo el trato asiduo con la poesía invade la vida de los lectores que aprecian a los poetas, y también cómo la experiencia de leer versos se relaciona con la experiencia de escuchar música. Jordi Cornudella ha sabido, además, introducir en el ensayo su vivencia personal como lector, hasta el punto de que los factores aportados gracias a esta vivencia acaban siendo imprescindibles para el conjunto de la obra".
De la misma manera, el jurado ha aconsejado, y las entidades convocantes han aceptado, crear una nueva modalidad del premio Palau i Fabre que propicie la difusión entre nosotros de obras de ensayo de gran relevancia publicadas en el extranjero y aún inéditas en nuestro país, y concederlo ya desde la primera edición.
"La vida plena" de Michael Hampe
Así, el I premio Internacional de Ensayo Palau i Fabre, en la modalidad de Mejor Obra Publicada en el Extranjero durante el 2009, ha recaído en el libro Das vollkommene Leben. Vier Meditationen über das Glück (La vida plena. Cuatro meditaciones sobre la felicidad), de Michael Hampe. El jurado ha dicho de él que "constituye un buen ejemplo del tratamiento de cuestiones filosóficas básicas en forma de ensayo literario. Muy bien argumentado y muy bien escrito, es capaz de aspirar a una audiencia que vaya mucho más allá del mundo académico y, además, sabe combinar adecuadamente las estrategias de la ficción con el rigor del pensamiento".
El jurado ha valorado positivamente la calidad media de las obras presentadas, especialmente la de las dos ganadoras, y considera que son dignas representantes del ensayo como género literario. También ha hecho mención particular de la obra de François Flahault, Le crépuscule de Promethée, de la cual recomienda su publicación. Las dos obras serán editadas por Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores, y presentadas en un acto público durante la segunda mitad de septiembre.
Finalmente, la Fundació Palau y Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores anuncian la convocatoria del II premio Internacional de Ensayo Josep Palau i Fabre.
Biografías
Jordi Cornudella (Barcelona, 1962) es escritor, licenciado en Filología Clásica y editor de profesión. De su obra cabe destacar los libros de poesía Feli encès (1995) y El germà de Catul i més coses (1997), con el que ganó el premio Nacional de la Crítica de Cataluña, en el apartado de poesía. Ha publicado varios ensayos sobre poesía catalana, como "Nabí" de Josep Carner, y ediciones de la obra de Josep Carner, J. V. Foix, Carles Riba y Gabriel Ferrater. Ha traducido obras de Epicuro, Séneca, Voltaire y D'Annunzio, y también de la poesía de algunos líricos griegos y latinos, así como de poetas contemporáneos. En el 2003 publicó una antología de poesía universal sobre la guerra, titulada Maleïdes les guerres.
Michael Hampe (Hannover, 1961) estudió filosofía, biología y germánicas en Heidelberg y Cambridge. Ha sido profesor en Dublín, Kassel y Bamberg. Desde el 2003 es profesor en el ETH de Zúrich. Entre sus libros cabe destacar Erkenntis und Praxis (Suhrkamp, 2006), Macht des Zufalls (WJS Verlag, 2006) y Kleine Geschichte des Naturgesetzbegriffs (Surkamp, 2007).
El Premio Internacional de Ensayo Palau i Fabre tiene la voluntad de potenciar el ensayo como género liyterario y como instrumento de reflexión en unos momentos en que se hace patente la necesidad de analizar y comprender el mundo que nos rodea. Dos años después de la muerte del escritor, con la obra de Palau i Fabre en la memoria, y en particular para reivindicar también el importante legado ensayístico del autor de los Poemes de l'Alquimista, la concesión de este premio, abierto a autores de todo el mundo, es un homenaje a Palau y al mismo tiempo una puerta abierta a la creación literaria en cualquier disciplina del pensamiento, preferentemente de carácter humanista.
Josep Palau i Fabre, que escribió su obra en catalán pero también en castellano y en francés, es uno de nuestros autores más internacionales por el alcance de su obra, traducida a numerosas lenguas, y por sus intereses literarios (entre ellos, Artaud y Rimbaud), y sobre todo por su amistad personal con Picasso y el estudio exhaustivo de la obra del pintor. Por esta razón, se ha reunido un jurado integrado por escritores e intelectuales de gran prestigio y de diversos ámbitos culturales europeos.
V Centenario de la llegada de la reina Juana I a Tordesillas
Congreso Internacional de Arte e Historia
“V Centenario de la llegada de la reina Juana a Tordesillas”
Tordesillas. Casas del Tratado-
Del 24 al 26 de febrero de 2010
L.M.A.
- Organizado por el Ayuntamiento de Tordesillas y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), este congreso reunirá durante tres días a una veintena de especialistas de dentro y fuera de nuestras fronteras para ampliar el conocimiento que de la Reina Juana I y su época se tiene.
La alcaldesa del ayuntamiento de Tordesillas, María del Milagro Zarzuelo Capellán y Elena Díaz Gómez-Zorrilla, coordinadora de congresos de la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), inaugurarán el día 24 de febrero en Casas del Tratado de Tordesillas, a las 10 horas, el Congreso Internacional de Arte e Historia V Centenario de la llegada de la reina Juana I a Tordesillas.
El congreso dirigido por Miguel Ángel Zalama, cuenta con la colaboración de la Diputación de Valladolid y la Universidad de Valladolid.
Miguel Ángel Zalama, presentará a las 13 h., junto Isabel Durán, coordinadora general del Centro de Estudios Europa Hispánica (CEEH); Alfonso Centeno de la Diputación de Valladolid y Elena Díaz Gómez-Zorrilla de la SECC, el libro Juana I. Arte, poder y cultura en torno a una reina que no gobernó, publicado por el CEEH con la colaboración de la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales y la Diputación de Valladolid.
Más información:
Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC)
Rosa Valdelomar (jefa de prensa) 616 42 26 36, Mónica Hernández (636 47 82 44) o Pablo Garrigues
Tlf.: 91 310 00 21 prensa@secc.es / www.secc.es
Ayuntamiento de Tordesillas
Pilar Justa Martín 983 79 63 75 – 627 23 70 45
cultura@tordesillas.net
L.M.A.
- Organizado por el Ayuntamiento de Tordesillas y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), este congreso reunirá durante tres días a una veintena de especialistas de dentro y fuera de nuestras fronteras para ampliar el conocimiento que de la Reina Juana I y su época se tiene.
La alcaldesa del ayuntamiento de Tordesillas, María del Milagro Zarzuelo Capellán y Elena Díaz Gómez-Zorrilla, coordinadora de congresos de la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), inaugurarán el día 24 de febrero en Casas del Tratado de Tordesillas, a las 10 horas, el Congreso Internacional de Arte e Historia V Centenario de la llegada de la reina Juana I a Tordesillas.
El congreso dirigido por Miguel Ángel Zalama, cuenta con la colaboración de la Diputación de Valladolid y la Universidad de Valladolid.
Miguel Ángel Zalama, presentará a las 13 h., junto Isabel Durán, coordinadora general del Centro de Estudios Europa Hispánica (CEEH); Alfonso Centeno de la Diputación de Valladolid y Elena Díaz Gómez-Zorrilla de la SECC, el libro Juana I. Arte, poder y cultura en torno a una reina que no gobernó, publicado por el CEEH con la colaboración de la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales y la Diputación de Valladolid.
Más información:
Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC)
Rosa Valdelomar (jefa de prensa) 616 42 26 36, Mónica Hernández (636 47 82 44) o Pablo Garrigues
Tlf.: 91 310 00 21 prensa@secc.es / www.secc.es
Ayuntamiento de Tordesillas
Pilar Justa Martín 983 79 63 75 – 627 23 70 45
cultura@tordesillas.net
La Fundación FiART imparte un Curso para "Ver y Entender el Arte Contemporáneo"
L.M.A.
La Fundación FiArt ha convocaco unos cursos bajo el título "Ver y Entender el Arte Contemporáneo", impatido por el historiador de Arte, Carlos Delgado. Las fechas y contenidos del curso son:
Orígenes del Arte Contemporáneo. 1 de marzo. 19:30 horas.
Conceptos del Arte de Vanguardia. 8 de marzo. 19:30 horas.
Desintegración del objeto artístico. 15 de marzo. 19:30 horas.
¡ESTO NO ES ARTE! 22 de marzo. 19:30 horas.
El ponente del curso, Carlos Delgado Mayordomo (Madrid, 1979), es licenciado en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente es Director de Proyectos de la Fundación Fondo Internacional de las Artes, Director de exposiciones y conferencias de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Las Rozas, coordinador de redacción de la revista Platea y redactor la revista Otrotipo.
En España ha comisariado las exposiciones “Ciria. Rare paintings” (2008) en la Fundación Carlos de Amberes de Madrid y “Agustí Centelles. La caja de la memoria” (2009) en la Fundación FIArt de Madrid. En América, ha trabajado como comisario independiente para el Museo de Arte Contemporáneo de Santo Domingo (República Dominicana), National Gallery of Jamaica (Kingston, Jamaica), Museo de Arte de El Salvador (República de El Salvador), Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo de Guayaquil (Ecuador) y Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile (Chile). Actualmente, prepara exposiciones para el Monasterio del Prado de Valladolid y el Museo de Arte Moderno de Medellín.
Ha publicado crítica de arte y artículos de investigación en diversos medios como Descubrir el Arte, El legado andalusí, Iberarte, Platea, Artes. Revista de Arte Caribeño, Articuarius, El punto de las artes e Inform@ción en Punto. También ha publicado, entre otros libros, "Quién y por qué. Anales de las artes plásticas del siglo XXI" (2002) y "Recorrer la pintura" (2007).
Precio del curso: 60 euros.
Plazas limitadas.
Para información e inscripciones:
Fundación Internacional de las Artes.
C/ Almirante, 1. 28004 Madrid.
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lunes, 22 de febrero de 2010
Dolores Gallardo, conferencia sobre “El Salón del Prado”
Julia Sáez-Angulo
El Salón del Prado es uno de los espacios urbanísticos más emblemáticos de Madrid y sobre el mismo habló Dolores Gallardo, doctora en Filología Clásica y profesora titular de la Universidad Complutense, en una conferencia que impartió en la Tertulia Ilustrada de la capital. La profesora ha impartido numerosos cursos de Mitología y Arte Contemporáneo.
El Salón del Prado fue un objetivo querido por el rey Carlos III de España, recién llegado de Nápoles y asombrado del abandono, miseria e inmundicia que tenía la entrada a Madrid junto al arroyo del Abroñigal. Allí se quiso adecentar entrada a la capital con la Puerta de Alcalá, monumento en el que figura el nombre del citado rey, y a continuación con el eje urbanístico formado por el Salón del Prado y una avenida que se debía prolongar hasta Atocha.
Los nombres de los arquitectos José Hermosilla y Ventura Rodríguez fueron claves para el proyecto de adecentamiento del lugar –recordó Dolores Gallardo. El llamado Salón del Prado abarca el espacio entre las plazas de Cibeles y Neptuno, siguiendo el modelo de un circo romano, con un gran paseo central en torno a la cual circularían los carruajes y caballos.
Once fueron las fuentes proyectadas para el Salón del Prado, espacio concebido como lugar de encuentro y esparcimiento de los madrileños. La primera en la plaza de Cibeles llevaría la estatua de la diosa Cibeles (hasta entonces la diosa no había sido protagonista de fuente alguna) y terminaría con la fuente de Neptuno, entre medias, la fuente de Apolo, situada casi enfrente de la hoy Fundación Thyssen-Bornemisza. Con la fuente de la Alcachofa, hoy en el parque del Retiro, ubicada en Atocha finalizaría el proyecto que cambiaría y modernizaría definitivamente Madrid.
La conferenciante destacó el gran acierto del proyecto urbanístico de José de Hermosilla, si bien la muerte apenas le permitió verlo comenzar. Ventura Rodríguez lo continúo y finalizó, aunque no se llevaron a cabo las once fuentes previstas. Hermosilla había sido uno de los primeros becados de la Academia de S. Fernando en Roma, en un momento en que esta ciudad era referente imprescindible de toda manifestación cultural y artística.
Once fuentes y diversos palacios
La doctora Gallardo señaló la importancia iconográfica de las fuentes y en especial la de la diosa Cibeles. Sus leones son la representación de Hipomenes y Atalanta, convertidos en tales por copular cerca del templo de la diosa.
La profesora de Mitología habló a continuación de la serie de palacios que bordean el Salón del Prado como son el de Buenavista (1796), hoy ministerio del Ejército, construido por la XIII titular de ducado de Alba, María Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, la duquesa que fuera inmortalizada en los cuadros de Goya. También el de Vistahermosa, cuya fachada principal, vista desde el Paseo del Prado, resulta algo metida hacia el interior a pesar de la gran extensión del palacio por la actual carrera de S. Jerónimo por no poder ubicar su escudo frente al de los Medinaceli -cuyo palacio estaba en lo que hoy es el edificio del Hotel Palace- y, dado que eran de origen real, tenían el privilegio de que no pudiera ubicarse ningún escudo frente al suyo.
El Banco Nacional del Reino de España se creo en 1848 y el edificio que lo alberga fue construido durante la regencia de Dña María Cristina, frente a la fuente de Cibeles. El palacio de Murga, de los Marqueses de Linares –hoy Casa de América- se hizo también en el mismo siglo, mientras que el Palacio de Comunicaciones, obra de los arquitectos Antonio Palacios y Joaquín Otamendi, tuvo lugar ya en el siglo XX (en el mismo estilo construyeron después el Hospital de Maudes cercano a Cuatro Caminos).
Exposición "El perfume de la amistad: Correspondencia diplomática árabe en archivos españoles (siglos XIII-XVII)", en Barcelona
L.M.A.
Ha sido inaugurada la exposición El perfume de la amistad: Correspondencia diplomática árabe en archivos españoles (siglos XIII-XVII) en el Palacio de los Virreyes de Barcelona, sede del Archivo de la Corona de Aragón. El acto estuvo presidido por el director general del Libro, Archivos y Bibliotecas del Ministerio de Cultura, Rogelio Blanco.
La muestra, que permancerá abierta hasta junio, quiere difundir entre los ciudadanos y los especialistas una selección de documentos que acreditan la antigüedad y vigencia de las relaciones diplomáticas y de amistad mantenidas desde la Edad Media entre los monarcas cristianos de la península ibérica y los gobernantes de los países musulmanes del Norte de África y Oriente Medio.
La exposición exhibe cartas escritas en árabe, entre los siglos XIII y XV, enviadas a los monarcas aragoneses por los reyes y gobernantes de los territorios que hoy forman parte de España, Marruecos, Argelia, Túnez, Libia y Egipto, y que se custodian en el propio Archivo de la Corona de Aragón. Junto a ellas pueden contemplarse también otros documentos de un valor incalculable de los siglos XVI y XVII, que se conservan en el Archivo General de Simancas.
El documento más antiguo data de 1250 y es una carta de Al-Azraq, caudillo musulman de Valencia, a la reina Yoles, esposa de Jaime I de Aragón, anunciándole el envío de embajadores para restablecer el contacto con su esposo. La correspondencia más reciente, fechada en 1625, es una carta en la que Teimuraz I, rey de Kakheti y Kartli (Georgia), propone a Felipe IV una ofensiva combinada contra los turcos y su entronización como emperador de Bizancio.
Con esta exposición, organizada por el Archivo de la Corona de Aragón con la colaboración del Archivo de Simancas, el Ministerio de Cultura pretende no sólo divulgar una muestra de importantes piezas de nuestro rico patrimonio documental, sino también apoyar la designación de Barcelona como sede de la Secretaría Permanente de la Unión por el Mediterráneo y contribuir al diálogo de civilizaciones.
Los Teatros del Canal acogen Festim 010, el festival de improvisación teatral
L.M.A.
La Comunidad de Madrid presentó hoy Festim 010, IV
Festival Internacional de Improvisación Teatral de Madrid, organizado por
la compañía Impromadrid Teatro, que se celebrará en los Teatros del
Canal de la Comunidad de Madrid, desde mañana hasta el 28 de febrero.
La programación incluye el Nuevo Catch de Impro y el estreno en España
de tres espectáculos procedentes de Méjico, Colombia y Brasil, según
explicó el director general de Promoción Cultural, Amado Giménez,
durante un acto en el que la compañía madrileña demostró su habilidad
para la improvisación, haciendo las delicias de todos los presentes.
Esta cuarta edición del festival contará como plato central con el
campeonato internacional Nuevo Catch de Impro, una vertiginosa muestra
de teatro deportivo. Compañías de Méjico, Colombia, Brasil y España
compartirán escenario y crearán en cada función espectáculos únicos e
irrepetibles, sustentados en el humor, la creatividad y la participación del
público asistente. Los diversos combates teatrales se celebrarán los días
23, 25 y 26 de febrero, a las 20:30 horas, y el día 27, a las 22:30 horas; y
la gran final, el domingo 28, a las 19:30 horas.
El Catch de Impro es un espectáculo distinto e irrepetible. Dos
parejas de actores se enfrentan en el escenario como si fuera una velada
de boxeo o un videojuego de lucha. Para ganar deben crear historias a
partir de los títulos y las sugerencias del público, que manipula a los
actores sin piedad. A lo largo de los siete asaltos que conforman cada
velada, el maestro de ceremonias y sus ayudantes ponen distintas reglas
y dificultades, ya sean estilos teatrales, géneros literarios o elementos que
deben aparecer para que sea más complicado hacer reír al público y
construir esas piezas improvisadas.
Al final de cada reto el público vota a la pareja que más le ha
gustado hasta que resulta un único y digno ganador de la contienda. Todo
ello envuelto en un cuidado montaje de luces, sonido y video-proyecciones
en directo que hacen de cada velada una fiesta.
Tres estrenos internacionales
Festim 010 cuenta también con el estreno de tres espectáculos de
improvisación procedentes de los tres países invitados. Una de las
compañías invitadas, Complot/Escena, de Méjico, presentará su
espectáculo Humor Mierda, el miércoles 24, a las 20:30 horas. En él
cuatro actores interpretan un sinnúmero de abyectos personajes, con el fin
de incomodar y/o satisfacer al espectador con sus infames historias. El
montaje consta de cuatro distintas, y nunca iguales, improvisaciones, a
partir de las respuestas que el espectador haga a las preguntas que
previamente se le entregarán impresas.
El segundo estreno será Colombian Dei, de la compañía Acción
Impro, el sábado 27, a las 19:30 horas. En este espectáculo siete
prototípicos personajes colombianos se ven envueltos en diferentes
situaciones a partir de las propuestas del público. Colombiandei es el
nuevo y último formato de improvisación de esta compañía colombiana
que se arriesga a improvisar una obra de teatro completa, desde la
actuación, la escenografía, la utilería, los vestuarios, la música y las luces.
Y toda completamente improvisada, sin guiones ni partituras.
Por último, llega un espectáculo pensado para toda la familia -a
partir de 4 años-, O Mágico de Nos, de la compañía brasileña Jogando no
Quintal. De este montaje se ofrecerán dos funciones: sábado 27 y
domingo 28, a las 12:00 horas. Utilizando como hilo conductor la clásica
historia de El mago de Oz, el público es conducido por la pequeña Dorothy
a un mundo encantado, con objetos aparentemente cotidianos, pero que
pueden ser transformados en todo lo que permita la imaginación. En este
mundo encantado, Dorothy acaba encontrando un león, un hombre de
hojalata y un espantapájaros, pero la ayuda de estos amigos no será
suficiente para poder volver a casa. La única manera será pedir ayuda al
público invitándolo a entrar en escena y alzar un vuelo colectivo en busca
de un nuevo camino.
Improvisación madrileña
Además, completando el Festim 010, cada compañía invitada impartirá
una master class sobre la improvisación. Todas las compañías darán su
master class en la sede de Impromadrid (C/ Meléndez Valdés 34, último
local), de 11:00 a 14:00 horas, los días 24, 25 y 26. El curso es abierto a
todo el mundo previa inscripción.
Impromadrid Teatro, dirigida por Ignacio López, Ignacio Soriano y
Jorge Rueda, es una compañía dedicada a la investigación de las técnicas
de improvisación teatral. Sus objetivos principales son difundir sus
conocimientos y hallazgos, a través de talleres y cursos, y, sobre todo,
crear y exhibir espectáculos de improvisación teatral. Montajes frescos y
originales en los que los actores crean, sin guión previo y ante los ojos del
público, piezas de teatro únicas e irrepetibles.
Hoy en día esta compañía cuenta con siete producciones originales,
entre las que se encuentran Chup Suey, Nuevo Catch de Impro, Puzzle y
La familia García de la Impro, y se ha consolidado como una de las
compañías más estables y arriesgadas de la improvisación teatral del
mundo.
Jorge Rueda, es una compañía dedicada a la investigación de las técnicas
de improvisación teatral. Sus objetivos principales son difundir sus
conocimientos y hallazgos, a través de talleres y cursos, y, sobre todo,
crear y exhibir espectáculos de improvisación teatral. Montajes frescos y
originales en los que los actores crean, sin guión previo y ante los ojos del
público, piezas de teatro únicas e irrepetibles.
Hoy en día esta compañía cuenta con siete producciones originales,
entre las que se encuentran Chup Suey, Nuevo Catch de Impro, Puzzle y
La familia García de la Impro, y se ha consolidado como una de las
compañías más estables y arriesgadas de la improvisación teatral del
mundo.
domingo, 21 de febrero de 2010
Pilar Citoler y su Premio Internacional de Fotografía en la Fundación Botí
EXPOSICIÓN SALA PUERTANUEVA, CORDOBA
JUEVES 25 DE FEBRERO DE 2010 A LAS 20,30 H.
L.M.A.
El pasado 2009 tuvo lugar la cuarta convocatoria del PREMIO INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA PILAR CITOLER que promueven el Ayuntamiento de Córdoba y su Delegación de Cultura; la Fundación Cajasur; la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí de la Diputación de Córdoba y la Universidad de Córdoba través de su Vicerrectorado de Estudiantes y Cultura. Con la cooperación del Parque Científico Tecnológico de Córdoba ‘Rabanales 21', han impulsado un Premio plenamente consolidado en 2010 (www.premiopilarcitoler.es).
Con presencia de fotógrafos españoles, remitieron sus fotografías al Premio ciento cincuenta y dos creadores, de consolidada trayectoria, de diversos países. Por orden de densidad señalamos: México, Argentina, Italia, Chile, Portugal, Alemania. Austria, Estados Unidos, China, Francia, Perú, Suiza y Venezuela.
En sus tres ediciones anteriores ha sido ganado por Begoña Zubero (2006), Félix Curto (2007) y Manuel Sonseca (2008). A ellos se suma ahora, en su cuarta edición, JUAN DEL JUNCO (Jerez de la Frontera, 1972).
También es el origen de una serie de monografías sobre los fotógrafos premiados, presentadas en certámenes como D-FOTO, PARIS PHOTO y en MADRID-FOTO, que se pretende sea referencia en el mundo de la fotografía contemporánea. Se trata de la colección EL OJO QUE VES, que dirige Alfonso de la Torre.
La monografía de MANUEL SONSECA, por tanto la tercera de las editadas y que se presenta ahora coincidiendo con su exposición en la Sala PuertaNueva (bajo el título "Manuel Sonseca en blanco y negro"), cuenta conManuel Sonseca, una entrevista del artista realizada por Alejandro Castellote y un texto de Juan Manuel Bonet titulado: "Manuel Sonseca, peatón con Leica". Todo el volumen, bilingüe (castellano/inglés) como los anteriores, ha sido impreso en Brizzolis y ha estado al cuidado editorial de Mauricio d'Ors.
La vocación del Premio tiene un doble sentido: su contemporaneidad y su deseo de internacionalidad. El jurado de este Premio estuvo en esta edición presidido por Pilar Citoler, coleccionista creadora de la Colección Circa XX, Presidenta también del Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y contó entre sus miembros con los fotógrafos Manuel Sonseca, Txomin Badiola y Antonio Tabernero. En el jurado estaban también presentes Soledad Lorenzo, galerista; y los críticos de arte Mariano Navarro y Alfonso de la Torre.
Los otros nueve fotógrafos seleccionados, que presentaron fotografías fechadas entre 2008 y 2009 fueron: JUAN BARAJA, LIDIA BENAVIDES, AMERICA MÉNDEZ, LINAREJOS MORENO, MANUEL MUÑOZ, ROSA MUÑOZ, EDUARDO NAVE, FELIPE TALO Y LAURA TORRADO. Éstos explicarán sus intenciones creadoras en el catálogo editado y muestran sus obras en esta Sala Puerta Nueva de Córdoba durante marzo de 2010.
El Premio, es sabido, se vincula al nombre de la coleccionista Pilar Citoler, coleccionista que recibió el Premio ARCO al coleccionismo privado en España (2005) y en 2007 la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.
Las bases del V PREMIO INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA PILAR CITOLER pueden consultarse en la web del Premio. Este año 2010 la imagen ha sido cedida por JOSÉ MANUEL BALLESTER.
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