J.S.A.
El Instituto de Cultura de Fundación Mapfre, haciendo coincidir con la inauguración de Dayanita Singh, presentará la exposición de la “I convocatoria del concurso de fotografía para estudiantes del la E.S.O” .
En un intento de estimular e incentivar a los alumnos de la E.S.O., el curso pasado se creo la "I Convocatoria del Concurso de fotografía para estudiantes de la E.S.O", iniciativa que pretende impulsar la creatividad del alumno, a demás de fomentar su interés y aprendizaje.
La primera convocatoria ha girado en torno a las exposiciones ya realizadas por Fundación Mapfre: “Camille Claudel", "Amazonas del arte nuevo", "Degas. El proceso de la creación", "Entre dos siglos. España 1900", "Walker Evans", "Max Enst”.
Tras las visitas a dichas exposiciones, a los alumnos se les ha propuesto crear una fotografía relacionada con uno o varios aspectos de la visita: las preocupaciones u obsesiones del artista, la forma de entender su época, los aspectos técnicos específicos de su obra..., estimulando y logrando que los conceptos aprendidos durante la visita se asienten mediante un trabajo creativo y colectivo en el aula, dónde el profesor junto con los alumnos seleccionarán la imagen que consideren debe participar en el concurso.
El proyecto ha tenido una gran acogida, el resultado de todo este proceso se podrá ver en la exposición que se inaugura el día 19 donde se mostrarán las tres obras ganadoras así como una amplia selección de las obras presentadas.
Con objeto de ampliar los contenidos de la exposición y hacer accesible al público general esta muestra, Fundación Mapfre ha desarrollado una página Web monográfica sobre la misma. Desde la dirección http://www.exposicionesmapfrearte.com/dayanita/ los internautas podrán conocer los conceptos artísticos más importantes que se plantean en esta exposición y sus obras más destacadas.
Información Cultural sobre Arte, Libros, Literatura, Teatro, Moda, Cine, Danza, Ópera, Conferencias, Gastronomía y Opinión
martes, 19 de enero de 2010
Dayanita Sinh, Fotografías poéticas sobre la India
Dayanita Singh. Fotografías
Fundación Mapfre. Sala Azca
General Perón, 40. Madrid
Del 19 de enero al 2 de mayo de 2010
Fundación Mapfre. Sala Azca
General Perón, 40. Madrid
Del 19 de enero al 2 de mayo de 2010
J.S.A.
La Fundación Mapfre presenta la exposición de fotografías de Dayanita Singh, que podrá verse hasta el 2 de mayo en la Sala de Azca. Una obra sumamente poética distribuida en varias series, según los períodos en que fueron hechas. La autora maneja el color con la delicadeza de un pintor sutil. Sus fotos hablan de niñas, de vacíos, ausencias y visiones de nocturno. Muy interesante. Es la primera vez que se ve la obra de esta fotógrafa en España.
Autora de una obra intensa y variada, Dayanita Singh (Nueva Delhi, 1961) es una de las artistas indias más internacionales que, al margen de todo tipo de categorización o clasificación, ofrece una amplia visión de las distintas realidades de la India contemporánea
La muestra recorre la trayectoria de la artista desde el año 1989 hasta la actualidad. Más de 140 fotografías y la serie de libros desplegables en pequeño formato Sent a Letter, configuran un recorrido que muestra la evolución de Singh desde el fotoperiodismo hasta una fotografía de carácter mucho más personal.
Dayanita Singh es una de las artistas indias más internacionales, que, al margen de todo tipo de categorización o clasificación, ofrece una amplia visión de las distintas realidades de la India contemporánea. Su obra ha sido expuesta en numerosas instituciones, entre las que cabe destacar el Brooklyn Museum o la Asia Society de Nueva York, además de en Berlín, Boston o Turín, en 2008 fue galardonada con el Robert Gardner Fellowship de la Harvard University Art Museums y con el prestigioso Prince Claus Award
La muestra recorre la trayectoria de la artista desde el año 1989 hasta la actualidad. Más de 140 fotografías y la serie de libros desplegables en pequeño formato Sent a Letter, configurando así un recorrido que muestra la evolución de Singh desde el fotoperiodismo hasta una fotografía de carácter mucho más personal.
Más conocida por sus primeros trabajos como Mona o I am as I am, Dayanita Singh cada vez más parece querer salir del “tópico” tradicional que se adscribe a una fotógrafa india y comienza a retratar a amigos y familiares próximos. Fotos donde se entretejen aspectos privados, pero que también ofrecen la posibilidad de descubrir perfiles sociales, culturales y religiosos.
El paso de este tipo de retratos a otro tipo de fotografías donde lo que predomina son lugares vacíos, instantes suspendidos, parece surgir de forma natural. Go Away Closer, Blue Book y Dream Villa presentan objetos, espacios, caminos, que alguien ha usado, por donde alguien transitado; donde nuestra presencia, a pesar de la ausencia, continua aún presente.
El paso del blanco y negro al color en la obra de Singh, no altera tampoco su significado. Los paisajes industriales, la ciudad surreal donde alguien duerme, continúan siendo imágenes que se alejan de la frialdad y donde se intuye, igualmente, la presencia humana.
A lo largo de toda su obra, se puede ver la deuda que la artista mantiene con la música y la literatura –tanto India como Occidental- , donde parece encontrar inspiración. Desde la obra literaria de Michael Ondatjee o Italo Calvino hasta la del gran músico indio Zakir Hussain.
Paisaje natural y humano
Mona .- En 1989 Dayanita Singh recibió un encargo que marcaría un punto y a parte en su carrera como fotoperiodista. Debía retratar a Mona Ahmend, un eunuco con quien inició una amistad que aún hoy perdura. El reportaje no llegó a realizarse nunca, sin embargo, las 12 fotografías de Mona, forman hoy la primera serie completa de esta artista india, que a este propósito, señalaba: “Mona es uno de los dones más preciosos que me ha dado la fotografía. En esta sociedad clasista, de no haber sido a través de la fotografía, no habría habido ningún punto de encuentro entre ella y yo”.
I am as I am.- El ashram de Benarés (centro religioso o escuela) que podemos visitar en esta serie, debe ser probablemente un caso único en la Índia, pues estos lugares suelen estar destinados exclusivamente a varones mientras que en este caso se trata de un centro exclusivo sólo para mujeres. Esta especie de colegio, donde las niñas pueden ingresar desde los seis años de edad, se convierte en su hogar hasta la mayoría de edad, cuando pueden decidir permanecer en él o abandonarlo y salir al mundo para emprender una nueva vida. En Benarés, casi todos los aspectos de la vida cotidiana se producen en público: la muerte, el baño, el juego, el rezo…sin embargo es muy difícil encontrar este ashram, escondido en las laberínticas calles de la ciudad.
Ladies of Calcuta ._En origen, los retratos de Ladies of Calcutta fueron hechos como regalos para sus modelos, que al final de la exposición podían llevarse sus retratos para ponerlos en sus casas.
Actualmente, gracias a Ladies, podemos contemplar una suerte de crónica, de archivo de estas familias. Cada una de las fotografías documenta una parte de una sociedad que la propia Singh conoce, estableciendo un diálogo con los modelos y permitiendo así que el espectador “eche un vistazo”, convirtiéndose en voyeur de una vida ajena.
Go Away Closer .-La evocación de la ausencia a través de espacios vacíos es el aspecto predominante a lo largo de las fotografías que componen Go Away Closer. Estos lugares, objetos, recuerdan sin embargo que alguien estuvo allí. Ese alguien de anteriores retratos y fotografías.
Irse es a menudo un intento de acercarse, a veces la marcha es necesaria para poder quedarse, para salvaguardar una relación, la propia intimidad, el respeto por el otro. Go away Closer parece un punto de inflexión en la obra de Singh; anticipa el juego de acercamiento y distancia que Dayanita desplegará en sus series posteriores.
Blue Book .-La entrada del color en la obra de Dayanita Singh parece haberse producido como una consecuencia natural de su trabajo. De nuevo, espacios vacíos, pero ahora mucho más amplios. Paisajes industriales e interiores de éstos. Mesas a las que alguien se ha sentado, lugares de los que alguien acaba de salir.
Tonos azules, verdosos, a veces blancos, que se alejan sin embargo de la impersonalidad y frialdad de otro tipo de fotografía de carácter industrial más documental.
La quietud que ofrece Blue Book hace que nos interroguemos: ¿Quién estuvo en ese cuarto? ¿Quién comió en esa mesa? ¿Para quien es esa camilla?, como si intuyéramos siempre una presencia humana que no podemos ver.
Dream Villa.-Este “pueblo dormido” o este “pueblo perdido” acrecienta el misterio y lo fantasmal de la fotografía de Singh. La oscuridad es la responsable de ello. Dream Villa puede ser cualquier sitio, sólo hace falta encontrarlo a través de un camino, una hombre que nos mira, una pintada en la pared, o un autobús que seguro nos acercará a nuestro destino. Quizá todos hayamos estado en Dream Villa, la fotografía de Singh nos recuerda que a menudo el mundo es un espejismo, el sueño en el que todos vivimos.
Bombay .-Los retratos de Bombay enlazan con los de Ladies of Calcutta. Casi todos ellos han aparecido en Privacy, uno de los libros que sobre su obra Dayanita publicó en 2003. En esta exposición los retoma, para darles un sentido más amplio y monumental, para identificarse más, si aún cabe, con los retratados. Probablemente, la mujer que nos mira desde su dormitorio, con las oscuridad que entra por la gran ventana abierta a sus espaldas, sea la persona que Dayanita querría ser, igual que la niña que salta en I am as I am es lo que podría haber sido si nuestra artista hubiera tomado un camino diferente al de la fotografía.
La Fundación Mapfre presenta la exposición de fotografías de Dayanita Singh, que podrá verse hasta el 2 de mayo en la Sala de Azca. Una obra sumamente poética distribuida en varias series, según los períodos en que fueron hechas. La autora maneja el color con la delicadeza de un pintor sutil. Sus fotos hablan de niñas, de vacíos, ausencias y visiones de nocturno. Muy interesante. Es la primera vez que se ve la obra de esta fotógrafa en España.
Autora de una obra intensa y variada, Dayanita Singh (Nueva Delhi, 1961) es una de las artistas indias más internacionales que, al margen de todo tipo de categorización o clasificación, ofrece una amplia visión de las distintas realidades de la India contemporánea
La muestra recorre la trayectoria de la artista desde el año 1989 hasta la actualidad. Más de 140 fotografías y la serie de libros desplegables en pequeño formato Sent a Letter, configuran un recorrido que muestra la evolución de Singh desde el fotoperiodismo hasta una fotografía de carácter mucho más personal.
Dayanita Singh es una de las artistas indias más internacionales, que, al margen de todo tipo de categorización o clasificación, ofrece una amplia visión de las distintas realidades de la India contemporánea. Su obra ha sido expuesta en numerosas instituciones, entre las que cabe destacar el Brooklyn Museum o la Asia Society de Nueva York, además de en Berlín, Boston o Turín, en 2008 fue galardonada con el Robert Gardner Fellowship de la Harvard University Art Museums y con el prestigioso Prince Claus Award
La muestra recorre la trayectoria de la artista desde el año 1989 hasta la actualidad. Más de 140 fotografías y la serie de libros desplegables en pequeño formato Sent a Letter, configurando así un recorrido que muestra la evolución de Singh desde el fotoperiodismo hasta una fotografía de carácter mucho más personal.
Más conocida por sus primeros trabajos como Mona o I am as I am, Dayanita Singh cada vez más parece querer salir del “tópico” tradicional que se adscribe a una fotógrafa india y comienza a retratar a amigos y familiares próximos. Fotos donde se entretejen aspectos privados, pero que también ofrecen la posibilidad de descubrir perfiles sociales, culturales y religiosos.
El paso de este tipo de retratos a otro tipo de fotografías donde lo que predomina son lugares vacíos, instantes suspendidos, parece surgir de forma natural. Go Away Closer, Blue Book y Dream Villa presentan objetos, espacios, caminos, que alguien ha usado, por donde alguien transitado; donde nuestra presencia, a pesar de la ausencia, continua aún presente.
El paso del blanco y negro al color en la obra de Singh, no altera tampoco su significado. Los paisajes industriales, la ciudad surreal donde alguien duerme, continúan siendo imágenes que se alejan de la frialdad y donde se intuye, igualmente, la presencia humana.
A lo largo de toda su obra, se puede ver la deuda que la artista mantiene con la música y la literatura –tanto India como Occidental- , donde parece encontrar inspiración. Desde la obra literaria de Michael Ondatjee o Italo Calvino hasta la del gran músico indio Zakir Hussain.
Paisaje natural y humano
Mona .- En 1989 Dayanita Singh recibió un encargo que marcaría un punto y a parte en su carrera como fotoperiodista. Debía retratar a Mona Ahmend, un eunuco con quien inició una amistad que aún hoy perdura. El reportaje no llegó a realizarse nunca, sin embargo, las 12 fotografías de Mona, forman hoy la primera serie completa de esta artista india, que a este propósito, señalaba: “Mona es uno de los dones más preciosos que me ha dado la fotografía. En esta sociedad clasista, de no haber sido a través de la fotografía, no habría habido ningún punto de encuentro entre ella y yo”.
I am as I am.- El ashram de Benarés (centro religioso o escuela) que podemos visitar en esta serie, debe ser probablemente un caso único en la Índia, pues estos lugares suelen estar destinados exclusivamente a varones mientras que en este caso se trata de un centro exclusivo sólo para mujeres. Esta especie de colegio, donde las niñas pueden ingresar desde los seis años de edad, se convierte en su hogar hasta la mayoría de edad, cuando pueden decidir permanecer en él o abandonarlo y salir al mundo para emprender una nueva vida. En Benarés, casi todos los aspectos de la vida cotidiana se producen en público: la muerte, el baño, el juego, el rezo…sin embargo es muy difícil encontrar este ashram, escondido en las laberínticas calles de la ciudad.
Ladies of Calcuta ._En origen, los retratos de Ladies of Calcutta fueron hechos como regalos para sus modelos, que al final de la exposición podían llevarse sus retratos para ponerlos en sus casas.
Actualmente, gracias a Ladies, podemos contemplar una suerte de crónica, de archivo de estas familias. Cada una de las fotografías documenta una parte de una sociedad que la propia Singh conoce, estableciendo un diálogo con los modelos y permitiendo así que el espectador “eche un vistazo”, convirtiéndose en voyeur de una vida ajena.
Go Away Closer .-La evocación de la ausencia a través de espacios vacíos es el aspecto predominante a lo largo de las fotografías que componen Go Away Closer. Estos lugares, objetos, recuerdan sin embargo que alguien estuvo allí. Ese alguien de anteriores retratos y fotografías.
Irse es a menudo un intento de acercarse, a veces la marcha es necesaria para poder quedarse, para salvaguardar una relación, la propia intimidad, el respeto por el otro. Go away Closer parece un punto de inflexión en la obra de Singh; anticipa el juego de acercamiento y distancia que Dayanita desplegará en sus series posteriores.
Blue Book .-La entrada del color en la obra de Dayanita Singh parece haberse producido como una consecuencia natural de su trabajo. De nuevo, espacios vacíos, pero ahora mucho más amplios. Paisajes industriales e interiores de éstos. Mesas a las que alguien se ha sentado, lugares de los que alguien acaba de salir.
Tonos azules, verdosos, a veces blancos, que se alejan sin embargo de la impersonalidad y frialdad de otro tipo de fotografía de carácter industrial más documental.
La quietud que ofrece Blue Book hace que nos interroguemos: ¿Quién estuvo en ese cuarto? ¿Quién comió en esa mesa? ¿Para quien es esa camilla?, como si intuyéramos siempre una presencia humana que no podemos ver.
Dream Villa.-Este “pueblo dormido” o este “pueblo perdido” acrecienta el misterio y lo fantasmal de la fotografía de Singh. La oscuridad es la responsable de ello. Dream Villa puede ser cualquier sitio, sólo hace falta encontrarlo a través de un camino, una hombre que nos mira, una pintada en la pared, o un autobús que seguro nos acercará a nuestro destino. Quizá todos hayamos estado en Dream Villa, la fotografía de Singh nos recuerda que a menudo el mundo es un espejismo, el sueño en el que todos vivimos.
Bombay .-Los retratos de Bombay enlazan con los de Ladies of Calcutta. Casi todos ellos han aparecido en Privacy, uno de los libros que sobre su obra Dayanita publicó en 2003. En esta exposición los retoma, para darles un sentido más amplio y monumental, para identificarse más, si aún cabe, con los retratados. Probablemente, la mujer que nos mira desde su dormitorio, con las oscuridad que entra por la gran ventana abierta a sus espaldas, sea la persona que Dayanita querría ser, igual que la niña que salta en I am as I am es lo que podría haber sido si nuestra artista hubiera tomado un camino diferente al de la fotografía.
Textos de Carlos Gollonet
Con motivo de la exposición se ha editado un catálogo que contiene textos de Carlos Gollonet, comisario de la muestra y asesor de fotografía de Fundación Mapfre, de Aveek Sen, escritor especializado en fotografía, de Sunil khilnami, profesor y director de la South Asian Studies, Johns Hopkins University y de la propia Mona Ahmed, protagonista de una de las series. En consonancia con la exposición, el catálogo constituye un profundo acercamiento a la obra de Singh así como de las realidades de la India Contemporánea.
Dolores de Lara: Fotografías de “Toreros” en el Club Allard
"Toreros"
Fotografías de Dolores de Lara
Club Allard
Ferraz, 2. Madrid
Julia Sáez-Angulo
Es la primera exposición monográfica que Dolores de Lara lleva a cabo en el Club Allard de Madrid. Aunque los temas taurinos los había expuesto en diversas muestras colectivas, la fotógrafa ha querido hacer una galería de retratos con todos los primeros espadas del panorama taurino.
Enrique Ponce, José Tomás ( se habla de un reto, futuro mano a mano en Las Ventas entre ambos diestros, que el primero desea como corrida televisada), Luís Francisco Esplá, Francisco y Cayetano Rivera, Uceda Leal, Pedro Gutiérrez el Capea, Daniel Luque, José Mari Manzanares, hijo, Julián López, “El Juli”, Cesar Rincón, Sebastián Castiella, Antonio Domecq... Figuras del toreo y rejoneo que bien merecerían una compilación en libro.
La exposición de fotografías se inauguró el día de la entrega de premios Enrique Ponce a diferentes profesionales del circuito de los toros: Victoriano del Río, como buen ganadero del toro bravo; Arjona hijo, como gran fotógrafo taurino; Juan Miguel Núñez, como informador taurino de la agencia EFE y Luis Francisco Esplá en su despedida de los ruedos.
Transfigurados ante el toro
Antonio Chavarri, presidente del Club Allard, dio la bienvenida y el escritor Andrés Amorós, presidente del jurado que determinó los premios, recordó el dicho de Valle Inclán sobre Juan Belmonte que “se transfiguraba delante el toro”. El secretario del jurado fue el vicepresidente Juan Lamarca.
El maestro Enrique Ponce ponderó el acierto de los premiados y habló de que “la fiesta nacional es una fiesta grande que no necesita defensa alguna porque el arte no admite defensa”. Fiel a su trayectoria de veinte años en los ruedos, Ponce ha triunfado en su última campaña taurina en América. Su magisterio es indiscutible.
Los premios no tienen dotación económica alguna y los galardonados recibieron un gran cuadro con un grabado de Vicente Arnás.
Recordemos que Mariano de Cavia fue el inventor de la crónica taurina. Entre los asistentes al acto en el Club Allard, sito en la bella Casa Gallardo, clasificada como joya del modernismo madrileño, se encontraban toreros, empresarios taurinos, escritores y artistas como Catalina Luca de Tena y Paco Pastor o el pintor Gabino Amaya. La coordinación de Lara Cirujano fue perfecta.
lunes, 18 de enero de 2010
Alfonso Sebastián, El retrato muestra la tensión clave del pintor
Julia Sáez-Angulo
Acaba de ver colgado su retrato del empresario don Félix Hazen en la sala de Juntas de la Fundación Hazen: un hombre sonriente que se sienta junto a un piano y se recuesta ligeramente en su teclado. El artista Alfonso Sebastián (Torrijos. Toledo, 1941) dice estar satisfecho del retrato que ha pintado, analizándolo, transcurrido ya algún tiempo, tras meses de cierta tensión profesional y emocional para interpretarlo.
“Pintar conlleva una enorme soledad, que no es necesariamente triste. Cuando se pinta uno está en un mundo, en el que las horas se miden por su particular tensión ante el cuadro”, declara Alfonso Sebastián, quien tiene en su haber una sólida trayectoria como retratista.
“Es importante encontrar el gesto que define la identidad del personaje que uno retrata –subraya el autor-, cuando se logra, el cuadro está dominado. Ese gesto puede estar en la mirada, la sonrisa, o en la tensión de la frente, y hay que descubrirlo para captar la personalidad del modelo”.
Alfonso Sebastián llevó a cabo una exposición monográfica de retratos en el espléndido palacio renacentista de Don Pedro I el Cruel, en la ciudad de Torrijos en 2005. Una muestra en la que estuvo acompañado por la mayoría de las personas que habían posado frente a él en la ejecución de los cuadros. Soberbio el retrato de su hija Guía Sebastián.
VELÁZQUEZ, TIZIANO Y REMBRANDT
Velázquez, Tiziano Rembrandt y Rubens son los grandes maestros del retrato para Sebastián, a los que añade otros más, hasta llegar a los modernos Toulousse-Lautrec, Modigliani, Bacon... y por supuesto Picasso que “acierta en todos sus retratos”.
Además del retrato, Alfonso Sebastián ha cultivado el paisaje de Toledo, Asturias, La Rioja... y ha pintado series sobre catedrales y monasterios, árboles y nubes, así como tauromaquias con las distintas suertes del toreo.
“En la pintura se busca el misterio que late tras el color, que late detrás de las cosas”, dice el artista, que fue seleccionado en 2002 para el Salón de los XIII en Madrid. El artista toledano pinta al óleo o con acrílicos, “ciertos matices requieren el óleo”.
Sebastián se confiesa un entusiasta tertuliano en foros del Café Gijón o de la antigua Academia de San Antón y subraya haber aprendido sobre pintura tanto en conversaciones con escritores, como Héctor Vázquez Aizpiri, o Alfonso Martinez Mena como con pintores como Manolo Ortega o Manuel Oyonarte.
.
Jaume Estartús, expone “Estructuras Neoinformalistas” en la madrileña Galería Victor i Fils
Jaume EstartúsJ.S.A.
El pintor Jaume Estartús presenta la exposición “Estructuras Neoinformalistas”, selección de obras en diferentes formatos y soportes, como planchas de hierro, grandes puertas de madera o lienzos. La muestra tendrá lugar en la galería Victor i Fils de Madrid a partir del próximo 10 de febrero. Con motivo de la inauguración, se presentará un gran libro que recoge la vida y obra del artista catálán.
Estartús, ha renovado la manera de entender el arte abstracto con una técnica creativa sobre metal muy particular. A través de la oxidación natural, mediante fuego y ácidos, y la mezcla de colores con arena, cemento, yeso, polvo de mármol y otros materiales, Estartús consigue efectos estéticos sorprendentes, de gran impacto visual. Todo su dominio técnico queda reflejado en esta muestra, al presentar sus obras en formatos diferentes.
El autor desea, por encima de todo, que sus cuadros emocionen al espectador. “El exceso de intelectualismo lastra la intención del artista”, ha declarado en diversas ocasiones. “Son más importantes las sensaciones y emociones que una obra transmite que su propia comprensión”, concluye.
Proceso creativo y libre interpretación
Con motivo de la exposición Estartus ha accedido a una entrevista:
- ¿Cómo ha sido el proceso creativo de “Estructuras Neoformalistas?
- Como autor de una obra comienzo generalmente su creación con una intención concreta deseando que la mayoría de sus observadores la reinterprete lo más acorde posible a como la he pensado y querido. Sin embargo, la misma será observada y entendida en una pluralidad de individuos cada uno de los cuales vendrá cargado de sus propias características psicológicas y filosóficas, su propia formación ambiental y cultural esas especificaciones de la sensibilidad que entrañan las contingencias inmediatas y la situación histórica; por consiguiente por honesto y total que sea el compromiso de fidelidad con respecto a la obra que ha de apreciarse todo deleite será inevitablemente personal y captará la obra en uno de sus aspectos posibles.
Cuando tengo frente a mí la pureza de una tela blanca se establece un mutuo diálogo. El cuadro, aparentemente blanco, se va creando, formando poco a poco en mí mismo. Llega un momento en que no puedo resistir la tentación de vencer su serenidad. A veces, sucede, que después de minutos, horas, no se establece esta comunicación, o bien que la visión global de su estructura se me escapa. Ello provoca en mí irritación difícil de explicar y me siento insatisfecho. Una vez establecido el primer contacto, sucede un estado de desconcierto tras el automatismo de la elaboración de la primera materia. Este primer contacto con la obra, y todas las posteriores intervenciones, están sujetos, quiérase o no, a una serie de limitaciones que en sí mismas pueden constituir su posible eventual grandeza. Yo soy consciente de la propia limitación y creo que mi verdadera fuerza nace de ella, de su austeridad y de la sencillez de los medios puestos en acción.
La idea de Baudelaire sobre la concepción del artista moderno, reflejada en “El arte del Filosófico” define claramente la complejidad del hecho creativo desde una óptica moderna en cuanto a la necesidad de unir en un solo espejo de proyección infinita (la obra de arte) el entorno del artista y él mismo.
Todo artista debe ser fruto de su tiempo, reflejar su época, ser poroso a todo aquello que acontece, sean hechos humanos, sociales o culturales, pero de otra parte, es el resultado de una serie acumulativa de experiencias personales, de vivencias que se articulan desordenadamente, tal y como es la vida, para formar parte de un magma turbulento que se erigirá indiscutible, fluido y con fuerza. Por ello, a veces la obra adquiere cotas de máxima brutalidad y agresividad que contrastan decididamente con otras invadidas de ternura.
Vivir el Arte como aventura
Hay que ser inconformista y autocrítico con la propia obra y consigo mismo, y plantearse el trabajo como la consecuencia de una introspección, de una necesidad de encontrarse y volverse a encontrar constantemente.
Desafiar lo establecido, imponerse cuestiones de una forma simétrica, vivir el arte como una aventura que empieza de nuevo cada día, deben ser las bases de un trabajo de investigación hecho en solitario y que nunca debe darse por concluido, sino que resta abierto a elementos enriquecedores, a futuras aportaciones.
Vivir el Arte como aventura
Hay que ser inconformista y autocrítico con la propia obra y consigo mismo, y plantearse el trabajo como la consecuencia de una introspección, de una necesidad de encontrarse y volverse a encontrar constantemente.
Desafiar lo establecido, imponerse cuestiones de una forma simétrica, vivir el arte como una aventura que empieza de nuevo cada día, deben ser las bases de un trabajo de investigación hecho en solitario y que nunca debe darse por concluido, sino que resta abierto a elementos enriquecedores, a futuras aportaciones.
Hay que huir del autoacademicismo, de la creación de un estilo como fórmula que aplica sistemáticamente unas soluciones. Hay que buscar y provocar continuamente un estado de opinión a favor o en contra de nuestra propuesta.
Esta actitud de investigación y experimentación constante hace incidir la obra dentro de una vía de progreso, tal y como la han entendido las vanguardias, cargada de idealismo y utopía. La utopía como listón límite para propiciar un cambio, como condición necesaria para conmover y hacer vibrar el presente. La utopía pretende expresar aquello que ha estado buscado durante milenios de reflexión filosófica y que no es más que la esencia del hombre, la finalidad de su existencia o su papel en el mundo.
La plancha de hierro como soporte en vez de lienzo
-¿Por qué ha elegido el metal como material básico de su expresión?
-Constituyó para mí un punto de inflexión el abandono del soporte del lienzo tradicional por la plancha de hierro. Me obsesionó el tratar de conferir mayor protagonismo al soporte de la obra. Quería realzar la importancia del medio sobre el cual se iba a levantar la obra. Quería realzar la importancia del medio sobre el cual se iba a levantar la obra. Deseaba llegar a conjugar una colaboración que ejerciera de efecto potenciador mutuo.
Desde la perspectiva del procedimiento técnico, el proceso de las planchas empieza con su perfecto corte a láser, para lograr un espesor mínimo de 1mm y así rebajar extraordinariamente su peso facilitando de esta forma su instalación en las paredes, incluso tan frecuentes hoy en día de pladur. Asimismo, se realiza mediante técnica de láser las cuatro perforaciones en las esquinas, para poder atornillarlas al bastidor reforzado de madera, una vez encoladas con cola de impacto en el mismo.
Una vez preparadas, se someten a una primera fase de oxidación natural, dejándolas un mínimo de 15 días a la intemperie. Después se modula la oxidación obtenida sometiéndolas a calentamientos parciales y tratándolas según los casos con ácido nítrico, ácido sulfúrico, hipoclorito sódico, cloro puro sólido, agua oxigenada entre otros, hasta lograr la textura deseada.
Una vez preparado el soporte, se ejecuta la obra trasladando el boceto previo ejecutado a lápiz sobre papel, o directamente dibujando con lápiz graso sobre la misma plancha. Se utiliza para su realización pintura al óleo, lápiz de cera graso y como materia volumétrica se emplea una pasta férrica (oxiron- forja) calentada y mezclada con arena de playa filtrada. En ocasiones también se usa una mezcla de polvo de mármol con resinas de poliéster, ó colas sintéticas y cuando aparecen los collages de madera, ésta se encola directamente sobre la plancha mediante cola de impacto.
Una vez terminada la obra, para detener el proceso de oxidación, se efectúan tres capas de fijación con un aerosol de solución alcohólica de resina transparente sintético mate, dando por terminada su realización.
Pintor intuitivo y prioridad sensitiva
-¿Como ha evolucionado como artista? ¿Cuáles serían, si puede precisarlos, los puntos de inflexión en su carrera?
-Soy un pintor intuitivo, pero no por ello dejo de ser reflexivo. Antepongo la práctica a la teoría, pues mi teoría es a menudo el resultado de la práctica. La prioridad es sensitiva; la reflexión es a posteriori y me sirve para adentrarme en nuevas y diferentes obras. Hoy por hoy mi pintura recupera en constantes cíclicas momentos expresivos ya trabajados (nueva objetividad, informalismo, realismo crítico, gestualismo, espacialismo, etc) a los que añado cierta dosis de graffiti espontáneos, garabatos biomorfos, una cierta violencia gestual y una dureza argumental ocasional que no hacen más que dar continuidad a un discurso que en último término resulta tan absorbente para el autor como para el espectador.
Sin embargo, y a consecuencia de mi carácter, una de mis divisas es el cambio, la variación, la búsqueda constante de elementos que puedan enriquecer aquello que ya haya dicho en otra ocasión, o aquello que cero que aún no he dicho. La aventura sigue y la investigación se prolonga desde una consciencia de contemporaneidad que no vacila en extraer de las fuentes más primitivas parte de la inspiración, pero que apela al hombre de hoy con un lenguaje actual.
La materia, evidentemente, es una trampa, como lo es todo en arte, pero se trata de reconocer a tiempo donde está esa trampa y procurar no caer en ella.
Hay pintores que trabajan en una misma dirección a lo largo de su vida. Morando, por ejemplo, parecía pintar siempre el mismo cuadro; se limitaba a las naturalezas muertas y a las gamas grises y compactas. En realidad, sin embargo, como que profundizaba siempre en la misma forma, se iban produciendo cambios. Yo personalmente estoy más determinado por todo lo que me rodea, por la visión y la sensibilidad plástica del determinado por todo lo que me rodea, por la visión y la sensibilidad plástica del mundo; y no solo eso, me siento también muy determinado por los materiales con los que trabajo. Estas determinaciones por el exterior pueden hacer pensar que yo no tengo estilo.
Con referencia a los materiales, estos ejercen sobre mí una tiranía formidable, en el sentido de que para mí, cada material demanda un lenguaje particular, un tratamiento coherente con él mismo. No hablo claro del material ya recreado y poetizado, sino de la determinación que impone su naturaleza original. Esta tiranía hace que, muchas veces, tenga que modificar la trayectoria de la obra y ello puede conducir a la errónea opinión de que en mí producción hay diferentes direcciones y hasta incluso contradicciones. En una palabra, falta de personalidad. Pero yo estoy convencido de que la personalidad se establece detrás de estas apariencias, en la capacidad de transformar y modificar los materiales, formando conjuntos o síntesis. Si se analizan todos los períodos de mi producción, creo que puede observarse que bajo los cambios materiales y de lenguaje, existe una lírica vertebradota que continuidad y la personalidad.
Todas las potencias, en diálogo para crear
-Para usted” el exceso de intelectualismo lastra la intención del artista” ¿cree que el arte hay que explicarlo?
-No se pinta solo desde las manos hacia fuera, bien al contrario: se crea dentro, con todas las potencias en diálogo. La teoría viene después. Si aparece antes, se convierte en un cáncer que no puede integrarse en la vida.
Yo busco una estructura que signifique todo aquello que yo soy, con el propósito de abarcar todo aquello que he vivido. Y no se trata de una represión nostálgica en la niñez, sino por el contrario, de una reactualización, de vida actual.
Todo aquel que analice con detenimiento mi obra, acabará descubriendo una poética directamente inspirada en el medio natural y el rico espectro de sensaciones que este es capaz de generar.
Eso se traduce en momentos de una evidente amabilidad, alternando con otros de una contundencia provocadora, brutal. En esto coincido con lo que decía Joan Miró, que “la fuerza viene de la tierra, para poder recibir directamente de los elementos naturales la fecunda energía creativa”
Entiendo la producción artística como una forma de conocimiento, un análisis fenomenológico para aprender de la realidad, es decir, un tránsito entre la objetividad de la materia y la subjetividad de la experiencia. El artista desencadena un proceso de relaciones plásticas entre el objeto, los elementos que le rodean y el sujeto, de manera que provoca un flujo de relaciones interactivas capaces de generar unos estímulos que transformará en cuadros. En este punto coincido con el filósofo Kant cuando defendía en su “Crítica de la razón pura”, que “todo conocimiento empieza con una experiencia sensible”
La crítica como prestigio teórico y difusión
-¿Qué papel cree que juega la crítica hoy?
-Hoy día se busca sacarle provecho al arte en términos se prestigio o reclamo mediático, o bien como valor material. Esa inmediatez y mediatización, dos conceptos que se dan la mano, requieren que la obra llame la atención a cualquier precio.
No me gusta ni el arte espectáculo ni esta mediatización excesiva del arte, a menudo sólo de un arte determinado. Tampoco me interesa en absoluto esa necesidad constante de representar el papel de “vedette”. Yo ya tengo en lenguaje, un concepto y una conciencia plena de lo que quiero hacer y de mi trabajo. Incluso he integrado ingredientes de experimentación en mi quehacer, algunos de ellos bien aceptados y otros no, e incluso caricaturizados también; no importa eso está bien.
Es obvio que el siglo XX ha servido para que el artista tenga la libertad de expresarse como le apetezca, pero ahora estamos en un momento en que hacer lo que uno quiera se ha convertido en la máxima prioridad. Por encima de la calidad de la obra o los motivos profundos que la justifican, lo que prima hoy día es la provocación. Y a mí eso no me gusta.
Se han abandonado los dogmas de la moda
-Cómo artista que se ha mantenido al margen de los canales comerciales, ¿qué opina de la situación económica actual?
-Es evidente que intentar ser tan diferente de los demás como sea posible a menudo es una propuesta personal desoladora y estéril la mayoría de ocasiones. Absorto por esta necesidad de rotura, hay que tratar de rechazar cualquier planteamiento tradicional de arte y toda coherencia, utilizando la experiencia y la técnica adquiridas como arma plástica, tratando de arrancar la corteza del mundo para tratar de ver la potencia de sus entrañas. Algunos bautizan esta acción de informalista, otros son más partidarios de una estética neoexpresionista o neofigurativa, mientras que los restantes incapaces de clasificar lo inclasificable, terminan por aceptarlo simplemente como pintura matérica.
Afortunadamente (o por la intersección de las crisis económicas y del control del mercado del arte en la ejecución artística) hemos ido abandonando los dogmas de la moda para conceder un abanico más amplio a la modernidad. Además los nuevos avances tecnológicos han provocado un giro coperniano a toda la sociedad y el arte no ha estado el margen.
Esta actitud de investigación y experimentación constante hace incidir la obra dentro de una vía de progreso, tal y como la han entendido las vanguardias, cargada de idealismo y utopía. La utopía como listón límite para propiciar un cambio, como condición necesaria para conmover y hacer vibrar el presente. La utopía pretende expresar aquello que ha estado buscado durante milenios de reflexión filosófica y que no es más que la esencia del hombre, la finalidad de su existencia o su papel en el mundo.
La plancha de hierro como soporte en vez de lienzo
-¿Por qué ha elegido el metal como material básico de su expresión?
-Constituyó para mí un punto de inflexión el abandono del soporte del lienzo tradicional por la plancha de hierro. Me obsesionó el tratar de conferir mayor protagonismo al soporte de la obra. Quería realzar la importancia del medio sobre el cual se iba a levantar la obra. Quería realzar la importancia del medio sobre el cual se iba a levantar la obra. Deseaba llegar a conjugar una colaboración que ejerciera de efecto potenciador mutuo.
Desde la perspectiva del procedimiento técnico, el proceso de las planchas empieza con su perfecto corte a láser, para lograr un espesor mínimo de 1mm y así rebajar extraordinariamente su peso facilitando de esta forma su instalación en las paredes, incluso tan frecuentes hoy en día de pladur. Asimismo, se realiza mediante técnica de láser las cuatro perforaciones en las esquinas, para poder atornillarlas al bastidor reforzado de madera, una vez encoladas con cola de impacto en el mismo.
Una vez preparadas, se someten a una primera fase de oxidación natural, dejándolas un mínimo de 15 días a la intemperie. Después se modula la oxidación obtenida sometiéndolas a calentamientos parciales y tratándolas según los casos con ácido nítrico, ácido sulfúrico, hipoclorito sódico, cloro puro sólido, agua oxigenada entre otros, hasta lograr la textura deseada.
Una vez preparado el soporte, se ejecuta la obra trasladando el boceto previo ejecutado a lápiz sobre papel, o directamente dibujando con lápiz graso sobre la misma plancha. Se utiliza para su realización pintura al óleo, lápiz de cera graso y como materia volumétrica se emplea una pasta férrica (oxiron- forja) calentada y mezclada con arena de playa filtrada. En ocasiones también se usa una mezcla de polvo de mármol con resinas de poliéster, ó colas sintéticas y cuando aparecen los collages de madera, ésta se encola directamente sobre la plancha mediante cola de impacto.
Una vez terminada la obra, para detener el proceso de oxidación, se efectúan tres capas de fijación con un aerosol de solución alcohólica de resina transparente sintético mate, dando por terminada su realización.
Pintor intuitivo y prioridad sensitiva
-¿Como ha evolucionado como artista? ¿Cuáles serían, si puede precisarlos, los puntos de inflexión en su carrera?
-Soy un pintor intuitivo, pero no por ello dejo de ser reflexivo. Antepongo la práctica a la teoría, pues mi teoría es a menudo el resultado de la práctica. La prioridad es sensitiva; la reflexión es a posteriori y me sirve para adentrarme en nuevas y diferentes obras. Hoy por hoy mi pintura recupera en constantes cíclicas momentos expresivos ya trabajados (nueva objetividad, informalismo, realismo crítico, gestualismo, espacialismo, etc) a los que añado cierta dosis de graffiti espontáneos, garabatos biomorfos, una cierta violencia gestual y una dureza argumental ocasional que no hacen más que dar continuidad a un discurso que en último término resulta tan absorbente para el autor como para el espectador.
Sin embargo, y a consecuencia de mi carácter, una de mis divisas es el cambio, la variación, la búsqueda constante de elementos que puedan enriquecer aquello que ya haya dicho en otra ocasión, o aquello que cero que aún no he dicho. La aventura sigue y la investigación se prolonga desde una consciencia de contemporaneidad que no vacila en extraer de las fuentes más primitivas parte de la inspiración, pero que apela al hombre de hoy con un lenguaje actual.
La materia, evidentemente, es una trampa, como lo es todo en arte, pero se trata de reconocer a tiempo donde está esa trampa y procurar no caer en ella.
Hay pintores que trabajan en una misma dirección a lo largo de su vida. Morando, por ejemplo, parecía pintar siempre el mismo cuadro; se limitaba a las naturalezas muertas y a las gamas grises y compactas. En realidad, sin embargo, como que profundizaba siempre en la misma forma, se iban produciendo cambios. Yo personalmente estoy más determinado por todo lo que me rodea, por la visión y la sensibilidad plástica del determinado por todo lo que me rodea, por la visión y la sensibilidad plástica del mundo; y no solo eso, me siento también muy determinado por los materiales con los que trabajo. Estas determinaciones por el exterior pueden hacer pensar que yo no tengo estilo.
Con referencia a los materiales, estos ejercen sobre mí una tiranía formidable, en el sentido de que para mí, cada material demanda un lenguaje particular, un tratamiento coherente con él mismo. No hablo claro del material ya recreado y poetizado, sino de la determinación que impone su naturaleza original. Esta tiranía hace que, muchas veces, tenga que modificar la trayectoria de la obra y ello puede conducir a la errónea opinión de que en mí producción hay diferentes direcciones y hasta incluso contradicciones. En una palabra, falta de personalidad. Pero yo estoy convencido de que la personalidad se establece detrás de estas apariencias, en la capacidad de transformar y modificar los materiales, formando conjuntos o síntesis. Si se analizan todos los períodos de mi producción, creo que puede observarse que bajo los cambios materiales y de lenguaje, existe una lírica vertebradota que continuidad y la personalidad.
Todas las potencias, en diálogo para crear
-Para usted” el exceso de intelectualismo lastra la intención del artista” ¿cree que el arte hay que explicarlo?
-No se pinta solo desde las manos hacia fuera, bien al contrario: se crea dentro, con todas las potencias en diálogo. La teoría viene después. Si aparece antes, se convierte en un cáncer que no puede integrarse en la vida.
Yo busco una estructura que signifique todo aquello que yo soy, con el propósito de abarcar todo aquello que he vivido. Y no se trata de una represión nostálgica en la niñez, sino por el contrario, de una reactualización, de vida actual.
Todo aquel que analice con detenimiento mi obra, acabará descubriendo una poética directamente inspirada en el medio natural y el rico espectro de sensaciones que este es capaz de generar.
Eso se traduce en momentos de una evidente amabilidad, alternando con otros de una contundencia provocadora, brutal. En esto coincido con lo que decía Joan Miró, que “la fuerza viene de la tierra, para poder recibir directamente de los elementos naturales la fecunda energía creativa”
Entiendo la producción artística como una forma de conocimiento, un análisis fenomenológico para aprender de la realidad, es decir, un tránsito entre la objetividad de la materia y la subjetividad de la experiencia. El artista desencadena un proceso de relaciones plásticas entre el objeto, los elementos que le rodean y el sujeto, de manera que provoca un flujo de relaciones interactivas capaces de generar unos estímulos que transformará en cuadros. En este punto coincido con el filósofo Kant cuando defendía en su “Crítica de la razón pura”, que “todo conocimiento empieza con una experiencia sensible”
La crítica como prestigio teórico y difusión
-¿Qué papel cree que juega la crítica hoy?
-Hoy día se busca sacarle provecho al arte en términos se prestigio o reclamo mediático, o bien como valor material. Esa inmediatez y mediatización, dos conceptos que se dan la mano, requieren que la obra llame la atención a cualquier precio.
No me gusta ni el arte espectáculo ni esta mediatización excesiva del arte, a menudo sólo de un arte determinado. Tampoco me interesa en absoluto esa necesidad constante de representar el papel de “vedette”. Yo ya tengo en lenguaje, un concepto y una conciencia plena de lo que quiero hacer y de mi trabajo. Incluso he integrado ingredientes de experimentación en mi quehacer, algunos de ellos bien aceptados y otros no, e incluso caricaturizados también; no importa eso está bien.
Es obvio que el siglo XX ha servido para que el artista tenga la libertad de expresarse como le apetezca, pero ahora estamos en un momento en que hacer lo que uno quiera se ha convertido en la máxima prioridad. Por encima de la calidad de la obra o los motivos profundos que la justifican, lo que prima hoy día es la provocación. Y a mí eso no me gusta.
Se han abandonado los dogmas de la moda
-Cómo artista que se ha mantenido al margen de los canales comerciales, ¿qué opina de la situación económica actual?
-Es evidente que intentar ser tan diferente de los demás como sea posible a menudo es una propuesta personal desoladora y estéril la mayoría de ocasiones. Absorto por esta necesidad de rotura, hay que tratar de rechazar cualquier planteamiento tradicional de arte y toda coherencia, utilizando la experiencia y la técnica adquiridas como arma plástica, tratando de arrancar la corteza del mundo para tratar de ver la potencia de sus entrañas. Algunos bautizan esta acción de informalista, otros son más partidarios de una estética neoexpresionista o neofigurativa, mientras que los restantes incapaces de clasificar lo inclasificable, terminan por aceptarlo simplemente como pintura matérica.
Afortunadamente (o por la intersección de las crisis económicas y del control del mercado del arte en la ejecución artística) hemos ido abandonando los dogmas de la moda para conceder un abanico más amplio a la modernidad. Además los nuevos avances tecnológicos han provocado un giro coperniano a toda la sociedad y el arte no ha estado el margen.
domingo, 17 de enero de 2010
Impresionismo, Nuevo renacimiento de la pintura, en la Fundación MAPFRE
Impresionismo. Un nuevo Renacimiento
Fundación MAPFRE. Instituto de Cultura
Paseo de Recoletos, 23
Madrid
Del 15 de enero al 22 de abril de 2010
Julia Sáez-Angulo
No todos los cuadros expuestos son impresionistas, sí del siglo XIX en que vieron la luz. Todos ellos pertenecen al Musée d´Orsay de París, que se encuentra en obras de ampliación y aprovecha la ocasión para situar sus piezas en otras instituciones que pueden exponerlas. España y Australia se benefician en este momento de la presencia de su pintura.
Un total de 90 cuadros que muestran a Manet como principio y final del recorrido y que contiene obras de Monet, Renoir, Sisley, Pisarro o Cézanne entre otros, para dar cuenta de un momento histórico decisivo en la historia de la pintura, que los comisarios Pablo Gimenez Burillo y Guy Cogeval estiman como un nuevo Renacimiento
Para los organizadores “es la primera vez que un conjunto de obras impresionistas de primera importancia se presenta en España. Se trata, por tanto, de una ocasión única para contemplar, a través de los grandes maestros, una visión global de este movimiento artístico que cambió la percepción del mundo marcando el camino de la modernidad”.
Retratos de Manet al final del recorrido
“La cita con los impresionistas supone un encuentro, no sólo con una escuela o un movimiento artístico sin comparación en la historia del arte, sino con una nueva interpretación de la vida, expresada a través de la pintura tanto de luminosos e intensos paisajes rurales y urbanos como de testimonios sociales en sus interiores y retratos imperecederos”.
Entre las piezas más singulares, podemos contemplar el “Pífano” (1866) de Manet, que da imagen al cartel de la exposición; “La estación de Saint-Lazare” (1877), “La balançoire” de Auguste Renoir; “El puente de Maincy” y “El golfo de Marsella visto desde L´Estaque de Cezanne y “Los pavos” de Monet.
Pocas mujeres hubo entre los impresionistas –Mary Cassat entre ellas- pero en esta ocasión se ha traído el cuadro “La cuna” de Berthe Morisot.
En la planta baja de la exposición, los prolegómenos o coincidentes con el impresionismo con obras del simbolista Gustave Moreau o del ilustrador Gustave Doré. También se puede ver el célebre retrato del general Prim –rechazado por el militar español y después cuadro ganador de un premio en París- de gran formato que se exhibía en la cantina del museo. Una réplica del mismo figura hoy en España.
Otros retratos con los que cierra la exposición son los de Clemanceau, Nina de Callas y Mallarmé, todo un broche del gran quehacer de Manet.
Muchos de estos cuadros, propiedad del Musée d´Orsay, se encontraban dispersos por museos de provincia franceses.
Fundación MAPFRE. Instituto de Cultura
Paseo de Recoletos, 23
Madrid
Del 15 de enero al 22 de abril de 2010
Julia Sáez-Angulo
No todos los cuadros expuestos son impresionistas, sí del siglo XIX en que vieron la luz. Todos ellos pertenecen al Musée d´Orsay de París, que se encuentra en obras de ampliación y aprovecha la ocasión para situar sus piezas en otras instituciones que pueden exponerlas. España y Australia se benefician en este momento de la presencia de su pintura.
Un total de 90 cuadros que muestran a Manet como principio y final del recorrido y que contiene obras de Monet, Renoir, Sisley, Pisarro o Cézanne entre otros, para dar cuenta de un momento histórico decisivo en la historia de la pintura, que los comisarios Pablo Gimenez Burillo y Guy Cogeval estiman como un nuevo Renacimiento
Para los organizadores “es la primera vez que un conjunto de obras impresionistas de primera importancia se presenta en España. Se trata, por tanto, de una ocasión única para contemplar, a través de los grandes maestros, una visión global de este movimiento artístico que cambió la percepción del mundo marcando el camino de la modernidad”.
Retratos de Manet al final del recorrido
“La cita con los impresionistas supone un encuentro, no sólo con una escuela o un movimiento artístico sin comparación en la historia del arte, sino con una nueva interpretación de la vida, expresada a través de la pintura tanto de luminosos e intensos paisajes rurales y urbanos como de testimonios sociales en sus interiores y retratos imperecederos”.
Entre las piezas más singulares, podemos contemplar el “Pífano” (1866) de Manet, que da imagen al cartel de la exposición; “La estación de Saint-Lazare” (1877), “La balançoire” de Auguste Renoir; “El puente de Maincy” y “El golfo de Marsella visto desde L´Estaque de Cezanne y “Los pavos” de Monet.
Pocas mujeres hubo entre los impresionistas –Mary Cassat entre ellas- pero en esta ocasión se ha traído el cuadro “La cuna” de Berthe Morisot.
En la planta baja de la exposición, los prolegómenos o coincidentes con el impresionismo con obras del simbolista Gustave Moreau o del ilustrador Gustave Doré. También se puede ver el célebre retrato del general Prim –rechazado por el militar español y después cuadro ganador de un premio en París- de gran formato que se exhibía en la cantina del museo. Una réplica del mismo figura hoy en España.
Otros retratos con los que cierra la exposición son los de Clemanceau, Nina de Callas y Mallarmé, todo un broche del gran quehacer de Manet.
Muchos de estos cuadros, propiedad del Musée d´Orsay, se encontraban dispersos por museos de provincia franceses.
Cartas desde la Alhambra de W. Irving
Dolores Gallardo López
17.01.10 .- Madrid
Por primera vez se han editado en español las cartas que el diplomático y escritor norteamericano Washington Irving (1783-1859) escribió a colaboradores, familiares y amigos durante sus dos estancias en Ganada. El libro ha sido editado por el Patronato de la Alhambra y el Generalife.
En total son 37 cartas, tres de ellas escritas entre el 9 y el 20 de marzo de 1828, y el grueso restante durante los tres meses de 1829 en los que Washington Irving recaló en Granada por segunda vez.
Según Manuel Mateo Pérez, director de la Colección Plural de la Biblioteca de la Alhambra, durante la presentación del volumen “estas cartas acercan al aspecto más privado" de Irving.
El libro -que salió al mercado a finales del pasado mes de diciembre con una tirada de 2.000 ejemplares- lleva un apéndice gráfico de grabados poco conocidos de la Alhambra, su entorno y los personajes que la habitaron.
La edición y traducción es obra del profesor D. Antonio Garnica Silva, catedrático emérito de Filología Inglesa en la Universidad de Sevilla y asesor científico del Patronato de la Alhambra para la celebración en 2009 del 150 aniversario de la muerte de W. Irving. El profesor Garnica ha escrito delante de cada misiva una breve presentación de la persona a las que iba dirigida, contextualizando así unos escritos de tipo personal que sirven para conocer mejor la personalidad de W. Irving.
PRIMER HISPANISTA NORTEAMERICANO
W. Irving es conocido por el gran público sobretodo por sus famosos y traducidísimos Cuentos de la Alhambra, publicada en 1832, obra en la que refunde para el público de habla inglesa las más conocidas leyendas de la Alhambra.
Vino a España por primera vez en 1826, llamado por el embajador de su país para estudiar en el Escorial documentos relativos al descubrimiento de América. Este fue el inicio de una carrera diplomática que acabó por convertirlo en embajador de su país en Madrid de 1842 a 1845.
Otras obras suyas de tema español escritas con anterioridad a los Cuentos… y menos conocidas por el público fueron Historia de la vida y los viajes de Cristobal Colón (1828) y Crónicas de la conquista de Granada (1829).
Llegó a ser un hispanista de alta calidad y posiblemente fue el primero de su país.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)