lunes, 11 de julio de 2022

La exposición temporal ‘Sorolla en negro’ desvela la paleta más oscura del pintor de la luz en el Museo Sorolla


• Una cuidada selección de 62 obras componen la muestra, entre las que destacan obras de colección particular inéditas

• La exposición podrá visitarse en Madrid desde el 12 de julio al 27 de noviembre de 2022

 

Joaquín Sorolla y su esposa Clotilde



L.M.A.

11-julio-2022.- El Museo Sorolla, museo estatal dependiente del Ministerio de Cultura y Deporte, organiza, junto a la Fundación Museo Sorolla, la exposición temporal ‘Sorolla en negro’, que cuenta con el patrocinio de Fundación Iberdrola y Fundación Mutua Madrileña. Estará abierta al público en la casa-museo madrileña del 12 de julio al 27 de noviembre de 2022.

La muestra está comisariada por Carlos Reyero Hermosilla, catedrático de Historia del Arte y exdirector del Museo de Bellas Artes de Valencia. Su propuesta curatorial niega una gran parte de la tradición crítica en torno a Sorolla, poniendo así en entredicho el tópico del pintor de la luz y del color.

‘Sorolla en negro’ también ahonda en la valoración estética y cultural de los negros y los grises en la pintura de ‘entre siglos’. Pero, ante todo, invita al público a reflexionar con el fin de poder concebir la obra del pintor valenciano en toda su complejidad al enfrentar el negro, sus significados, valores o sugerencias anímicas vinculadas, con la poética del artista.

La exposición pone de manifiesto que el negro, la antítesis del color, estuvo presente de forma notoria en la paleta de Sorolla durante toda su carrera. El uso del negro en su obra arranca de la tradición pictórica española para convertirse en un elemento de expresividad que reinterpreta como un color que traduce la modernidad de su tiempo y su sobria elegancia. Esta idea vertebradora del relato de la muestra se estructura a través de cuatro secciones temáticas: ‘Armonías en negro y gris’, ‘Negro simbólico’, ‘Superficies negras y oscuras’ y, por último, ‘Monocromías’.

Obras inéditas

La exposición se compone de una cuidada selección de 62 obras, de las cuales la mayor parte, en concreto 42, proceden de las colecciones del Museo Sorolla y la Fundación Museo Sorolla. De colecciones particulares proceden 13 obras, algunas de ellas inéditas; y otras 7 son de instituciones como el Museo Nacional del Prado, el Banco de España o el Museo de Málaga.

Del cómputo total de obras, 41 son pinturas, entre las que destacan el ‘Retrato de Manuel Bartolomé Cossío’ (1908), que se expone por primera vez en España desde hace décadas; o ‘Retrato de Juan Antonio García del Castillo’ (1887), reciente adquisición del Ministerio de Cultura y Deporte para el Museo Sorolla. También sobresale la obra ‘S.M. La Reina María Cristina. Estudio para La Regencia’ (1903-1905), recientemente restaurada para la exposición. Completan el discurso un dibujo, un gouache, 17 fotografías, un álbum y un libro, que contextualizan las ideas a transmitir.

El catálogo de la exposición, publicado por Palacios y Museos y la Fundación Museo Sorolla, cuenta con la colaboración de prestigiosos académicos y un estudio pormenorizado de las obras a través de fichas catalográficas.

El Museo Nacional del Prado propone descubrir los “Reflejos del cosmos” en sus obras

Una nueva lectura de la colección permanente a través de un itinerario

El tercer día de la Creación (exterior del Tríptico del jardín de las delicias. El Bosco. h. 1490-1500. Museo Nacional del Prado


L. M. A.

        11.07.2022.- Madrid.- Con el apoyo de American Friends of the Prado Museum. Gracias a la generosidad de The Arthur and Holly Magill Foundation, el Museo Nacional del Prado propone, desde hoy y hasta el próximo 16 de octubre, un nuevo acercamiento a su colección permanente a través de un itinerario expositivo, creado por Montserrat Villar, doctora en Astrofísica en el CSIC, en el que se muestra cómo la percepción y el conocimiento del cosmos han variado a la par que avanzaba la ciencia y cómo esos avances encontraron plasmación visual en el arte del pasado.

La diversidad y riqueza de las colecciones del Prado hacen posible esta nueva aproximación que, amparada en la astrofísica, permite que nuestra mirada se fije en temas y asuntos que normalmente pasan inadvertidos en una selección de 20 obras de autores tan significativos como Patinir, Rubens, Murillo, Zurbarán o Tiepolo. Este itinerario se complementa con una publicación y el sistema de audioguías en castellano y en inglés.

Un viaje a través de los siglos para descubrir cómo el arte y la ciencia se entrelazan para enriquecerse con un intercambio de miradas profundo y maravilloso.

JUANA MARÍA HERCE "peregrina" a Haworth, localidad y museo de las Hermanas Brontë

 


L.M.A.

        11/7/22.- Haworth.- “Peregrinar” a los lugares de memoria de otros escritores es una afición y deseo de otros muchos, que quiere conocer las huellas que dejaron los maestros de la escritura. Ha sido el caso de la escritora Juana María Herce, frecuente viajera a las islas británicas, que ha visitado recientemente el Museo de las tres Hermanas Brontë en Haworth y recorrido la campiña del condado. 
    Un homenaje de reconocimiento a las tres narradoras Brontë, que ella ha disfrutado, leyendo todos sus libros antes de este viaje: “Haworth es un precioso pueblo donde habita el espíritu de las Bronte. Todo gira en torno a ellas algo así como una ola de nostalgia”, explica al tiempo que recuerda el trenecillo de vapor y la música con que reciben en algunas paradas de estaciones ferroviarias del lugar.
    No es fácil que coincidan tres geniosde las letras inglesas del XIX en una misma familia: Charlotte (1816-1816), Emily (1818-1848) y Anne (1820-1849  ). Y que hayan dado obras maestras como “Jane Eyre”, de Charlotte; “Cumbres borrascosas” de “Emily” o “La inquilina de Wildfell Hall” de Anne.
    La cultura crea economía. Los lugares de memoria que dejan los escritores, pintores o músicos son hoy fuente de visitas, homenajes, turismo y encuentros artísticos. Un turismo de élite y calidad más allá de la playa o la montaña, que vale la pena ejercitar

Libros de las Brontë a la venta




Juana María Herce en el tren





 


Más información



DIEZ LECCIONES VITALES DE CHESTERTON HTTPS: WWW.YOUTUBE.COM/WATCH?V=0568KKEIMGS

DIEZ LECCIONES VITALES DE CHESTERTON


Enrique García Máiquez repasa 10 enseñanzas que se desprenden de la vida y obra de Chesterton

Enrique García Máiquez, escritor (Foto Wikipedia)
 G. K. Chesterton, escritor británico
 


L.M.A.

        11.07.2022.- Madrid.- El 16 de junio, el Club Chesterton de la Universidad CEU San Pablo y la Fundación Cultural Ángel Herrera Oria invitó al profesor, columnista y poeta Enrique García Máiquez a ofrecer unas reflexiones en torno al escritor inglés que se tradujeron en diez consejos extraídos de su vida y obra que pueden ayudarnos a navegar por la compleja e inquietante realidad actual

En estos tiempos de virulencia ideológica, corremos el peligro de pensar que basta con defender nuestras ideas, y que no hace falta hacerlo bellamente», advertía el poeta, escritor y columnista Enrique García Máiquez. 

Acto seguido señalaba como un maestro a G. K. Chesterton, precisamente por decir las cosas y decirlas con gracia. García Máiquez hilaba estas reflexiones durante la jornada de actualización chestertoniana organizada por el Club Chesterton de la Universidad CEU San Pablo y la Fundación Cultural Ángel Herrera Oria. 

Con motivo del 86º aniversario de la muerte del autor de, entre otras obras, El hombre que fue jueves o La esfera y la cruz, el club invitó al poeta gaditano a hablar sobre el legado de Chesterton. 

Recogió el guante en forma de decálogo, planteando diez lecciones vitales, filosóficas y teológicas que se desprenden de la vida y obra del escritor. ¿La primera? Su matrimonio con Frances Blogg, «un amor conyugal que superó pruebas enormes». 

Presentado por el editor de CEU Ediciones, Pablo Velasco –convenientemente sentado en un chester–, García Máiquez celebró también la alegría y el humor del genio británico. «Es difícil transmitir la buena noticia del Evangelio si uno está triste; desde fuera piensan `¡pues tan buena no será!´», añadió el poeta, que recientemente ha publicado sus obras completas –Verbigracia, editado por Comares– y el poemario La inclinación de mi estrella (Los Papeles del Sitio). 

La tercera lección es que Chesterton tenía clara la raíz profunda de su cosmovisión, y desde ella lo juzgaba todo. 

Esta idea matriz –cuarta lección– era un optimismo de mínimos. «Lo que dice Chesterton es que existir ya es en sí una maravilla, aunque nos pasen cosas malas, porque podríamos no existir», apuntaba García Máiquez. 

La quinta lección, ya apuntada, es la de decir las cosas con gracia. Defender el pasto y el `fair play´ 

También celebró el poeta la defensa de la realidad, de lo obvio –trajo a colación la cita de Chesterton según la cual será necesario «desenvainar la espada para defender que el pasto es verde»–, y el ardor guerrero de su escritura. 

«Hoy Chesterton estaría con los de la guerra cultural, haciendo una auténtica carga de caballería», ironizó García Máiquez, aunque destacó como octava lección la «simpatía apostólica» del inglés. «Partía del fair play en el debate intelectual, que significa que cuando alguien dice la verdad, se le reconoce, sea quien sea», apuntaba. 

El columnista señaló como novena lección el regreso a la tierra –una filosofía plasmada en el ideal distributista– y concluyó celebrando un «cierto conservadurismo de Chesterton», por hacer la pregunta clave cuando le hablan de progreso –¿hacia dónde?– y por «convertir el orden y la ortodoxia en una aventura». «Chesterton –cerraba García Máiquez– es un gran defensor del hombre corriente».

¿Por qué Chesterton tardó tanto en convertirse al catolicismo? Varias hipótesis para un misterio.

Más información

MERCEDES BALLESTEROS: Reflexión sobre mi pintura realista


Mercedes Ballesteros, artista visual

Figura humana de Mercedes Ballesteros


L.M.A.

    11.07.2022.- Madrid.- Siempre me ha interesado la Naturaleza, la figura humana o el objeto como modelos de la pintura. Son como una tensión y un reto para plasmar la realidad que uno tiene delante de los ojos y mostrar la capacidad, la maestría de hacerlo. La pintura realista es una constante en la Historia del Arte, que nunca se irá. Pintar un modelo exterior es la capacidad de abstraer líneas, formas, proporciones, composición, luces, sombras, cromatismo en suma, en la bidimensionalidad del papel, el lienzo o la tabla. Todo un proceso mental que requiere atención, habilidad y sentido artístico. 

Recuerdo que, en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, donde adquirí formación y destreza para el arte, se elogiaba mi capacidad de plasmar la tercera dimensión en el arte, bien fuera en la escultura o en la pintura. Recibí elogios y buenas calificaciones por ello. Esto, lejos de envanecerme, servía de estímulo a la capacidad de superación que tiene que tener todo artista visual que se precie de serlo. En arte, la cima es siempre infinita y desbordante. Llegar es una lucha. Desde aquellos días, mi consagración al arte es de total entrega. Pese a los diferentes avatares personales o familiares, he tenido la disciplina de pintar, prácticamente todos los días.

El estudio/taller cerca de casa, pero alejado de ella al mismo tiempo, me ha ayudado a cobrar un sentido profesional, como de “ir al trabajo”, donde tengo mi mundo de caballetes, herramientas, pinceles, paletas y pigmentos, donde yo me aíslo, me concentro y trato de sacar lo mejor de mí misma para el Arte, como camino inagotable de nuevos hallazgos.

En la figura humana, me ha gustado trabajar con modelo y he contado con jóvenes precisas y preciosas, que se transmutaban en personajes, musas o ninfas, con todo su simbolismo o capacidad de sugerencia en el cuadro. Pintar tiene la magia de transformar lo visto en lo soñado, lo que se ha pensado antes de pasarlo al cuadro y lo que uno se encuentra por motivos del azar, a veces caprichoso, cuando ese azar la encuentra a una trabajando.

El retrato ha sido un capítulo importante en mi arte y he recibido numerosos encargos al respecto. Me ha dado muchas satisfacciones. Desde niños a personas mayores han posado en mi estudio, algunos han viajado de fuera de Madrid, para legar a mi taller y ponerse delante de mi caballete. He disfrutado mucho con el retrato, desde que concebía el ángulo de la pose, hasta los últimos toques que determinaban la mirada y la expresión del modelo. “Género nutricio”, le llamaban en el pasado, porque ayudaba a comer a los artistas.

Los textiles son otro capítulo que me ha interesado notablemente para mi pintura y han sido motivo de éxito en mis cuadros, a juzgar por los que me han adquirido, que es el mejor elogio para un artista. He plasmado manteles, con su elegante caída de telas, con sus visiones singulares de bordados, punto Richelieu, filtiré, punto de cruz… Un realismo que sorprende e interroga hasta el trampantojo, sin querer caer nunca en el hiperrealismo.

Toledo, mi provincia natal me dedicó una amplia exposición retrospectiva  de 30 años en el espléndido Centro Cultural de San Clemente (1982-2012). El pasado año la tuve en el Ateneo de Madrid (2000-2018). Estas muestras han sido el mejor lugar de reflexión, al ver toda mi obra reunida con sus diferentes series de figura humana, textiles, bodegones, paisajes, flores, floreros… Allí comprendí que mi trayectoria artística había sido coherente con el realismo, con la pintura realista que era mi opción, mi gusto, mi entusiasmo. Medirse con la realidad de lo que uno ve, es motivo de orgullo en el arte.

No hay que olvidar que el Museo del Prado, es la gran catedral del realismo. La Escuela Española ha dado grandes ejemplos de bello realismo, en obras maestras que van de Las Meninas de Velázquez, a los bodegones de Zurbarán o Sánchez Cotán. No hay que olvidar que todo puede ser motivo, pretexto y elección del artista para pintar. 

Cuando se tiene vocación para el arte, no cabe otra cosa que entregarse a él, porque es como un amante exigente. Necesita atención cada día y yo le consagro el tiempo que me requiere y necesita. He llegado a pensar que ser artista visual es una predilección del destino y yo me he sometido a él con gusto. En tiempos buenos o en difíciles. La pintura realista ha sido mi opción, porque me llamaba desde muy lejos, desde lo más profundo e íntimo de mi ser.

Mercedes Ballesteros Rodríguez 

(Artista visual realista)

Más información

https://lamiradaactual.blogspot.com/2018/04/mercedes-ballesteros-inaugura-su.html

Mercedes Ballesteros, retratista

Pintura de Mercedes Ballesteros



Ha fallecido José Guirao, quien fuera director del Museo Reina Sofía

 La Fundación Montemadrid lamenta profundamente la pérdida de José Guirao

·       El exministro llevaba más de 20 años vinculado a la entidad madrileña a la que se incorporó en 2001 para dirigir La Casa Encendida, el centro que convirtió en referente de la cultura contemporánea.

·       El gestor cultural almeriense ha fallecido esta madrugada en Madrid debido a una enfermedad que le fue diagnosticada en marzo de 2021.

·       En abril abandonó la dirección general de la fundación por motivos personales y fue sustituido por Amaya de Miguel. Desde entonces ocupaba el puesto de asesor para proyectos especiales de Fundación Montemadrid.

·       El cuerpo será velado a partir de las 16 h en el tanatorio San Isidro donde el martes a las 12 de la mañana se oficiará un responso para familiares y amigos, tras el que será incinerado.

José Guirao, ex director del Museo Reina Sofía


L.M.A.

        Madrid, 11 de julio de 2022. José Guirao Cabrera (Pulpí, Almería 1959-Madrid 2022) ha fallecido esta madrugada en su domicilio de Madrid tras haber padecido una enfermedad los últimos 16 meses. El gestor cultural, ministro de Cultura y Deporte (2018 – 2020) y director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (1994-2000), entre otros cargos, se había incorporado a la entidad madrileña en 2001 para trabajar en la apertura de un nuevo centro sociocultural, La Casa Encendida, que se inauguró a finales de 2002. Tras convertir el centro ubicado en Lavapiés en referente de la contemporaneidad en nuestro país, en 2013 fue nombrado director general de Fundación Montemadrid, cargo que ocupó hasta que en junio de 2018 fue nombrado ministro de Cultura y Deporte. En 2020, tras su paso por el ministerio, se reincorporó a la dirección general de la Fundación. A finales de 2021 comunicó al patronato su decisión de dejar la dirección de la Fundación, puesto que fue ocupado en abril de este año por Amaya de Miguel. Desde su puesto de asesor para proyectos especiales, en los últimos meses había dedicado gran parte de su tiempo al proyecto de recuperación del Palacio de la Música en la Gran Vía madrileña.


El cuerpo será velado a partir de las 16 h en el tanatorio San Isidro donde el martes a las 12 de la mañana se oficiará un responso para familiares y amigos, tras el que será incinerado.


Jesús Núñez, presidente del Patronato de la Fundación Montemadrid y de la Universidad Alfonso X el Sabio, ha destacado “la dimensión de la figura de José Guirao en el ámbito de la cultura, en la que ha desempeñado los cargos de máxima responsabilidad” y ha recordado que “José Guirao forma parte de la historia de la Fundación Montemadrid, a la que supo guiar y situar entre las instituciones más relevantes de este país en ámbitos como la acción social, la educación o la cultura. Todos los que formamos parte de esta fundación lamentamos profundamente su pérdida”.


Amaya de Miguel, directora general de la Fundación Montemadrid, ha expresado su tristeza por la pérdida de José Guirao, al que le unía una relación no sólo profesional sino de amistad, y ha querido destacar que “Pepe Guirao ha sido un referente en la gestión cultural en este país, que ayudó a renovar y encaminar hacia la vanguardia. Tuve la suerte de compartir con él parte de esa andadura y de comprobar su talla humana e intelectual. Me quedo con ese recuerdo”.


Fundación Montemadrid es una entidad privada sin ánimo de lucro dedicada a impulsar y promover la Acción Social, la Educación, la Cultura y la protección del Medioambiente a través de centros de educación inclusivos, convocatorias de ONG, becas de Formación Profesional o proyectos de conservación del Patrimonio. La Casa Encendida, centro sociocultural de referencia y vanguardia, y el Palacio de la Música, cuyas obras de rehabilitación comenzarán próximamente con el objetivo de recuperarlo y devolverle su uso como espacio escénico en la Gran Vía madrileña, son dos de sus proyectos más destacados en el ámbito cultural. Además la Fundación Montemadrid está comprometida con la inclusión financiera a través de su entidad elMONTE Créditos x Joyas, que en diciembre cumple 320 años.

sábado, 9 de julio de 2022

KAULAK: fotógrafo, pintor, escritor" Biblioteca Nacional, Sala Hipólito

Exposición: KAULAK: fotógrafo, pintor, escritor"

Biblioteca Nacional, Sala Hipólito

Paseo del Prado-Madrid

Del 11 de marzo al 28 de agosto de 2022


Foto Kaulak



Maica NÖIS

        09/07/2022.- Antonio Cánovas del Castillo Vallejo (1862-1933). Fue un artista con una profunda preparación y formación. Licenciatura de Derecho por la Universidad Central. Funcionario del Estado por oposición . Ejerció en diversos  cargos políticos. El asesinato de su tío el político Antonio Cánovas del Castillo en el balneario de Santa Agueda (1897-Mondragón) le hacen desvincularse de la política.

Desde entonces se dedida en plenitud a algunos de los distintos trabajos que ya efectuaba desde 1884 en publicaciones literarias, piezas musicales, la pintura en la que se forma con el paisajista Carlos de Haes y sobre todo en dinamizar la cultura de la imagen  en la fotografia,en esta materia estuvo muy influenciado por la afición de su tío abuelo Serafín Estébanez Calderón.

El 1 de octubre de 1904 en el numero 4 de la calle Alcalá se abre un nuevo estudio fotográfico con la denominación "Dalton Kaulak" (posteriormente sólo Kaulak). Decorado en sus salones muy acorde con el gusto de la época, bastante recargado, con añadidos de oleos y esculturas de afamados artistas.

Son tres décadas de auge  con su lema "choose a photographer as you choose a friend". Muy en concordancia con su elitismo y al mismo tiempo con la intención de acercarlo al pueblo como atractivo de llamamiento en la toma de imágenes sobre todo en retratos. Las vitrinas sobre la vía pública eran un escaparate social que se imponía por arte. Sus retratos inundaban las viviendas particulares sobre muebles o paredes de los salones.

Desde artistas, toreros, escritores, políticos, nobles incluida la familia real, forman el gran compendio de rostros y figuras insignes retratadas bajo un eslogan "un primor de ejecución y de arte, y la perfección en el parecido". Acudir al estudio era una fiesta.

Todo conforma su extraordinaria producción con un excepcional archivo iconográfico con más de mil placas impresionadas y veinte mil personajes retratados con su gran equipo de profesionales.

La Biblioteca Nacional de España conserva originales hasta  1933 muerte de Kaulak y los del periodo de Juan María Ardizone Cánovas del Castillo hasta 1996. En el comienzo de la Guerra Civil el estudio estuvo gestionado por el alemán Enrique Dücher e incautado por la Unión General de Trabajadores hasta que al final de la contienda lo rescató su nieto y continuó la actividad.

 Una de las cuales consistió en retratar a la familia real en un reportaje en Estoril en 1947. Se creó en 1971 el premio de fotografía "Kaulak" por el Ayutamiento de Madrid. Se fue manifestando su decadencia hasta cerrar sus puertas el 31 de mayo de 1981 como la última galería modernista de la capital.

 Las publicaciones "La trasformación de la fotografía"-1906 toma referencia de cómo realizar escenificaciones y poses, siempre en estudio previo. En concordancia y correspondencia con la creación de la Sociedad Fotográfica de Madrid en 1889 fundada junto a su hermano Máximo Cánovas. Se acompañan de premios nacionales e internacionales en certámenes de prestigio.

Así se exponen en diversos comentarios que se recogen en la exposición:

 "Por el agujerito del obturador, como el ojo de un iris de gato, del gran maquinón de Kaulak, treinta años de Madrid nos miran... Desde el paraíso de los fotógrafos, con su sonrisa cortesana, Kaulak nos mira a través de una nube: -¡Quietecito, un momento!... Gracias"(Victor de la Serna- La Libertad, 17 de septiembre de 1933)

 "Los fotógrafos retratistas, los artistas verdaderos, deben preocuparse antes que del foco y otras menudencias de segundo orden, de la expresión de los que retratan.... Si el soneto es lo más supremo y arduo en la poesía, puede derivarse que el soneto de la fotografía es el retrato" (Kaulak, La fotografía Moderna -1912)

 "Kaulak es un fotógrafo. Es el Gainsboroug, el Lawrence del objetivo, dicen por ahí en los diarios. Todo el mundo elegante busca ser expuesto en sus escaparates" (Ruben Dario, La Nación, Buenos Aires 1909)

  "Sin género de duda, Cánovas es el principio de donde arranca la revolución que ha variado de rumbos, ha elevado y extendido los límites de la afición en España. Hasta sus mayores adversarios reconocen que es el primero en nuestra patria que hizo arte con la fotografía.... Fue el primero que la arrancó de los moldes menguados que la ahogaban para convertirla en arte" (Antonio García Escobar. Daltón Kaulak, Graphos Ilustrado, abril 1906).

“  Antonio Cánovas, fotógrafo estudioso y de gran inteligencia, pone empeño en buscar todas las innovaciones, que domina apenas comienza sus experimentos. Sus obras lo demuestran, revelando al más culto de nuestros fotógrafos, al que sostiene en primera línea la bandera del progreso ortográfico.... Su competencia en la crítica  de artes, su gusto depurado y exquisito y su temperamento artístico le dan condiciones excepcionales. Compone los grupos con la mayor gracia y originalidad, como un pintor consumado" (Tulio "Crónica de Arte" La Época, 5 de junio de 1901)

 "De no haber muerto el tío (Antonio Cánovas del Castillo), el sobrino hubiese vuelto a ser Gobernador de Málaga o de cualquier otro Gobierno y acaso hubiese llegado a ministro. Pero "el todo Madrid" no hubiese tenido quien le retratase. Kaulak es, según él mismo, confiesa, hombre de suerte. ¿Se la daría al sacarle de pila don Serafín Estébanez de Calderón, o se la deberá al casi capicúa del seudónimo? ¿Quien sabe? Ello es que Kaulak lo ha intentado todo, y todo con fortuna. Ha sido como hemos insinuado, gobernador de Málaga, fue también diputado por sí mismo, es decir por Cánovas; pinta, toca el piano, escribe .... Y  sobre todo esto es un caballero de excelente pasta. Pasta que, como puede verse, sirve para encuadernar un diccionario enciclopédico" ("El todo Madrid, Antonio Cánovas, Kaulak" Heraldo de Madrid 14 de junio de 1924)

Innumerables reconocimientos sobre la total adscripción y dedicación a todas las actividades en que se implicó en su fecunda vida. La Galería Kaulak no sólo fue un caleidoscopio social sino que además era un lugar de encuentros donde ampliar las relaciones personales en agradable estancia para ser "retratado" con técnica e implicación artística. 

 Que esta exposición pueda ser contemplada cuando se está desarrollando la celebración anual de PhotoEspaña es un acierto reivindicativo de cómo la fotografía ha adquirido, a través del tiempo, el lugar adecuado de consideración en el arte. Buena información constatar  el trabajo profesional tan bien desarrollado por la Galería Kaulak.