Exposición: "Alekséi von Jawlensky- El paisaje del rostro" y Tomoko Yoneda"
Sala Recoletos de la Fundación Mapfre
Paseo de Recoletos, 23 - Madrid
Del 9 de febrero al 9 de mayo de 2021
Maica NÖIS
12/02/2021.- La recientemente inaugurada doble exposición de Pintura y Fotografía de la Fundación se exhiben en la primera planta el pintor Jawlensky, comisariada por Itzhak Goldberg especialista conocedor del artista. Y en la planta de entrada y el basement la fotógrafa Tomoko Yoneda, comisariada por Paul Wombell.
JAWLENSKY ve posibilitada su exhibición a la coordinación de la Fundación MAPFRE, el Musée Cantini y La Piscine, Musée d´Art et d´Industrie André Diligent, junto a numerosas instituciones y colecciones particulares con sus generosos préstamos. Una mención destacada al Alexej von Jawlensky-Archiv S.A, Muralto, con aportación de documentación y la colaboración de Angelica Jawlensky Bianconi y de Irene Soldini. La actual exposición tiene un recorrido que se inicia hoy en Madrid y pasará por el Musée Cantini de Marsella y en La Piscine-Musée d´Art et d´Industrie André Diligent con la intencionalidad de dar a conocer su obra a un público lo más amplio posible.
Constituye en la actualidad la consideración de su aportación al arte moderno con el "expresionismo" en el que fue figura singular y destacada con gran reconocimiento en Estados Unidos, Alemania y Suiza mientras que en España no tiene suficiente conocimiento. La singular exposición que hoy contemplamos aunque muy amplia no es una retrospectiva al uso. Permite, partiendo de su etapa en Munich, contemplar su original aportación entre el fovismo- se sabe de sus contactos y diálogos con Matisse- en el que se apoya en su temática de colores y el expresionismo con esos rostros y cabezas con estilización de facciones en esquematización extrema que sigue una evolución de un proceso que la exposición desarrolla a través de las: Cabezas místicas o cabezas de santos, los rostros del Salvador, las Cabezas Abstractas y las Meditaciones. Sus "rostros" suprimen los rasgos de individualización con un proceso de geometrización al máximo. Utilizando una paleta de colores intensos, generalmente primarios que subrayan intensamente el cuadro con gran autonomía de pinceladas con sus manchas de colores. "En mis telas usaba mucho el rojo, el azul, el naranja, el amarillo de cadmio, el verde de óxido de cromo. Subrayo con fuerza el contorno de las formas con azul de Prusia que confiere una extraordinaria potencia, como si emanasen de mi jubilo interior"
Esos rostros que tienen una "religión de la cara" ya que el artista establece un vínculo entre la cara y lo sagrado en su superposición de un óvalo y una cruz de una forma casi abstracta. Parece ser que su ascendencia de infancia de nacimiento en Rusia y la práctica de la religión con sus imágenes de iconos envuelven su vida pictórica que trasladó a sus lienzos. Por lo que los términos de abstracción, cara e icono tiene una relación muy estrecha con su pintura. Al explorar y experimentar el pasado artístico le permite reformular su presente "Sentía la necesidad de encontrar una forma para la cara, porque había entendido que la gran pintura solo era posible teniendo un sentimiento religioso, y eso sólo podía plasmarlo en la cara humana" Así lo escribe el pintor en una declaración en 1938 tres años antes de su muerte. "Pinté rostros durante años. Me encerraba en mi estudio y pintaba. La naturaleza ya no me era necesaria como referencia y sólo tenía que profundizar en mí mismo, rezar y preparar mi alma para un estado de conciencia religiosa"
Las caras de Jawlensky han quedado como un fenómeno único en el arte contemporáneo en la singularidad de sus cuadros. Sus caras reconcilian dos sistemas pictóricos diferentes abstracción y figuración. En el "Jawlensky: Heads, Faces, Meditations" de Clemens Weiler se explica "Dígale a todo el mundo que no es una cara, es algo que se cierra por abajo, se abre por arriba y se junta por el medio". Y en coincidencia con la reflexión teológica de la representación de Dios y su aumento de espiritualidad dice "En mis últimas obras he eliminado la magia de los colores para poder representar la profundidad espiritual de una manera más inmediata". Sin embargo en puridad sus cuadros no son religiosos y llevables a un altar y ser objeto de culto ya que son la expresión de su religiosidad personal, libre e íntima en los que el hombre religioso no eclipsa al artista.
Lo mismo le sucede con el paisaje por el que transita entre lo figurativo y lo abstracto ya que la representación de la naturaleza permite al pintor una experimentación hacia la no figuración y sus códigos tradicionales. Como en: Primavera húmeda, Crepúsculo, Nocturno. y sus ramos de flores a los que dota de un tratamiento gestual alejándolos de la figuración al uso. El propio pintor define su objetivo "Más que formas nuevas, lo que busco es profundizar en mí. No quiero extenderme en superficie, sino avanzar en profundidad" . Sin embargo estos temas junto con sus naturalezas muertas no han alcanzado la fundamental jerarquía de obras como han sido los rostros. Aunque se ha de subrayar que también en estos géneros ha plasmado su personalidad propia y es Clemens Weiler quien de nuevo nos indica la importancia en la obra del artista "en las naturalezas muertas trató incansablemente de desarrollar su parte más íntima, la confrontación de forma y color", como se pueden ver en : La Naturaleza muerta con libro y jarra, la naturaleza muerta con jarrón negro, Mesa Negra con plato, naturaleza muerta con fuente y manzanas, naturaleza muerta con imagen de santo, jarrón azul con figuritas Biedermeier. Todas estas naturalezas muertas corresponden a una etapa de su creación
La música y la musicalidad tuvieron un lugar prominente en su obra, junto con las tres vivencias de su infancia: la figura femenina de la madre de Dios, la atmósfera religiosa y la música. Lo que contribuyó a su extremada sensibilidad emocional. Participada en su amistad con Kandinsky en Munich entre 1897-1898 que duró toda la vida y fundaron en 1909 la Asociación de Artistas de la que surgiría el grupo "El jinete Azul" y la sinergia entre pintura, música y danza con el compositor Thomas von Hartmann. Su obra: Acorde amarillo, evidencia la singladura entre pintura y música en el que un color puede tener su acorde correspondiente. Y otras: Acorde otoñal, Obertura, Himno, Acorde brillante, Scherzo. Mantuvo gran amistad con Paul Klee que además de pintor era un gran intérprete de violín .
Alekséi von Jawlensky nace en Torzhok (Rusia) el 13 de marzo de 1864y fallece en Wiesbaden (Alemania) el 15 de marzo de 1941.Su origen en el seno de una familia aristocrática. En 1889 ingresa en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo. En 1896 se instala en Múnich e ingresa en la Academia de Pintura de Anton Azbe. En 1902 comienza a experimentar su uso con los colores puros en sus bodegones y naturalezas muertas "Entendí cómo plasmar la naturaleza a través del color en sintonía con el fuego que arde en mi alma". En 1914, durante tres años, debido a la Primera Guerra Mundial tiene que establecer un nuevo domicilio en Suiza a orillas del lago Leman. Vuelve a Múnich en 1917 y empiezan sus graves problemas económicos debidos a la gran crisis de 1922 con dificultad de venta de sus obras. En 1925 expone junto a Andréi, su único hijo, también pintor. En 1928 ya se manifiestan los problemas de su enfermedad de artritis reumatoide deformante por la que debido a sus tratamientos e ingresos hospitalarios se resiente la economía familiar unido a la casi imposibilidad de pintar por parálisis de sus manos. Realiza en este periodo su serie "Meditaciones" y "Cabezas geométricas" casi todas en pequeño formato "Sentí que ya no podía pintar mucho más tiempo y me puse a trabajar como loco". Con el régimen nazi setenta y dos de sus obras son incautadas de los museos en 1937. Fallece totalmente paralizado y en plenas facultades mentales y se encuentra enterrado en el cementerio ortodoxo ruso de Wiesbaden.
TOMOKO YONEDA. Es la primera exposición en Europa con un completo recorrido por su trabajo desde sus inicios a la actualidad. Su obra ha sido objeto de muestras monográficas en Japón y Corea del Sur. Su obra transita por lugares históricos, políticos y marcados por la catástrofe en las viejas heridas del siglo XX. Sabe conjugar esos lugares con la huella artística que la tragedia deja marcada a su paso.
Lo muestra en series con gran profusión y multiplicidad. Utilizando cámaras diversas y revelados diferentes desde el color al blanco y negro:
- "Cristales" (Crystals) tomadas en blanco y negro en Finlandia con su cámara de campo Ebony 4x5 de fabricación japonesa en la que se muestran los cristales de hielo que se forman a baja temperatura. Las imágenes conjugan:la modernidad europea, la individualidad estadounidense y la espiritualidad japonesa.
- "Más allá de la memoria y la Incertidumbre" (Beyond Memory and Uncertainty) tomadas en la Base Aérea de la RAF (Fairford Royal Air Force) en las colinas de Costwold en Gloucestershire de donde despegaban sus bombarderos. Recuerda los ataques aéreos durante la guerra.
- "ZDC (DMZ)"la zona desmilitarizada de Corea en su franja de 4 km que divide la península coreana en su zona neutral intercoreana que fue establecida por el Armisticio en 1953.- "GIMUSA" (Kimusa) nombre abreviado para definir a los servicios secretos de la Agencia Central de Inteligencia de Corea que interpretaban "los delitos de opinión" y muy rigurosa en interrogatorios y torturas.- "Fragmentos de lo inimaginable" (Fragments of the Inimaginable) los restos y vestigios rescatados de lo que quedó de Adolf Hitler y están guardados en una caja .- de cartón en los Archivos Centrales de Moscú.- "La isla de Sajalin" (The Island of Sakhalin) una colonia penitenciaria en tiempos de la Rusia Imperial unida en invierno a la Rusia continental por el Estrecho de Tartaria.
- "Las vidas paralelas de los otros". Para rememorar las redes de espionaje. Encounter with Sorge Spy, en recuerdo de este espía soviético conocido con el nombre clave de "Ramsy"en cuya tumba se lee "Aquí yace un héroe que sacrificó su vida luchando contra la guerra y por la paz mundial"
-"Entre lo visible y lo invisible" (Between Visible and Invisible). Imaginario de diferentes autores que miran a través de sus gafas los documentos en figuras influyentes del siglo XX- - "Correspondencia. Cartas a un amigo" (Correspondence. Letters to a friend) para las que usó la cámara que perteneció a su padre la Olimpus-pen de medio formato -fabricada en Japón en 1959 con un objetivo excelente ya que éste es el alma de una cámara.
-"Diálogos con Albert Camus" Viaje por los lugares y la historia en los que el autor respiró en su amada Argelia y Francia
-"Cúmulos" (Cumulus) recorrido por la devastación del gran terremoto del este del Japón en 2011 que demuestra lo minúsculo de nuestra existencia ante los acontecimientos de catástrofes impredecibles.
- "El sueño de las manzanas" (The sleep of apples) refleja el avatar descriptivo en imágenes recuerdo de los lugares de la Guerra Civil española en la década de 1930 en la época que el fascismo acorrala a Europa y arrastra una oleada de violencia. Son obras fechadas en 2020 con títulos como: "El barranco de San Juan-Sierra Güejar" "Cuernos" en memoria de Federico García Lorca en el "Amor de don Perliplin con Belisa en su jardín", "El maletín" y "el mono de Lorca en La Barraca" "El cerro de Mosquito en la Batalla de Brunete"
YONEDA nace en 1965 en Akashi (prefectura de Hyögo) en Japón, ciudad conocida por su castillo construido por el samurái Ogasawa Tadazane. Viajó a Estados Unidos para estudiar periodismo. Establece su entrada en la fotografía en la University of Illinois en Chicago donde se gradúa en su técnica en 1989 en ese tiempo estuvo en contracto con la Escuela de Fotografía New Bauhaus. Realiza un máster de fotografía en l991 en el Royal College of Art en Londres. ciudad en la que reside.Es constante su preocupación por los edificios abandonados consecuencias de catástrofes. La caída del Muro de Berlín, la disolución de la Unión Soviética, el final de la Guerra Fría y cualquier otra circunstancia incide en su personal memoria histórica pero no como simple documentalista sino aportando un relato con atmósfera en su propia creación del mundo en la imagen que percibe.
Es incuestionable que ambas exposiciones en el mismo edificio "obligan" a transitar entre dos artistas inmensos en técnicas y percepciones que conducen a la reflexión de que el arte es imperecedero en cualquier época y circunstancia.
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