Manuel Oyonarte, la pintura como manera de vivir y de vivirse

Manolo Oyonarte




Julia Sáez-Angulo

         El pintor Manuel Oyonarte (Madrid, 1957) es uno de los artistas contemporáneos con una trayectoria más sólida. Su obra contiene una particular repesentación del ser humano, una visión filosófica sobre el hombre y su relación con el espacio. Su cromatismo de una paleta matizada es de gran interés visual, así como sus composiciones que llevan a una fragmentación del cuadro. La obra de este artista está en diversas colecciones españolas y foráneas, sobre todo en Francia y Alemania. Oyonarte es también grabador de imágenes en sintonía con su pintura.

-¿Qué es la pintura para usted?
-Es algo más que un trabajo, tiene mucho más que ver con una forma de vivir y de vivirse a uno mismo.

-¿En qué campo está investigando actualmente?
-Tras las relaciones entre el espacio y el tiempo con los distintos personajes de mi iconografía, ahora me dejo llevar más. Estoy intentando recuperar algunos elementos interesantes que se han quedado en mi camino de investigación, y sobre todo ser lo más libre posible.

-¿Cómo resuelve la tensión abstracción/figuración?
-En mi caso, como le pasaba al maestro Picasso, sin oler el abstracto en sí mismo. Aunque a nivel de valores plásticos toda pintura es abstracta, yo necesito la presencia de elementos figurativos que me dan un sentido referencial, que me resulta importante en mi comunicación conmigo mismo y con el espectados.

-¿Cómo resuelve la aplicación del color? ¿De manera racional o intuitiva?
-Para mí el color es uno de los elementos más intuitivos que tiene la plástica.

pintura de M. Oyonarte


-¿Cuándo elige el paisaje en vez de la figura humana?
-Hace ya muchos años que en mis cuadros no existe el paisaje sino como un elemento más, como un personaje más del espacio.

Simposios, experiencias impagables

-¿En qué medida le influye la Arquitectura que usted estudió en la Universidad?
-La formación de arquitecto es muy completa y me ha ayudado en múltiples sentidos, aunque, a veces, tengo que luchar con la tendencia hacia la racionalización inherente a esa actividad.

-¿Cómo fue la experiencia en sus últimas participaciones internacionales: Francia, Brasil...?
-Los simposios de arte son experiencias impagables por la cantidad de sensaciones e informaciones que se intercambian entre artistas seleccionados de distintos países.

-¿Cómo enfoca el mundo del coleccionismo? ¿Cómo son sus coleccionistas?
-Mis coleccionistas actuales son “coleccionistas artistas”, en quienes se mueven los mismos mecanismos internos al observar mis obras, que a mí se me mueven al realizarlas.

-¿Cuáles son los maestros clásicos y contemporáneos más admirados?
-Velazquez, Goya, El Greco, Rembrandt, Caravaggio, Picasso, Bacon, Barjola, Fraile, Hockney……

-Barjola, de la Cámara, Fraile y Orallo son artistas que podrían considerarse dentro de su órbita o familia. ¿Cómo los definiría?
-Son artistas, sobre todo los dos primeros, de investigación y de compromiso con sus esencias creativas; pienso que son de los pocos que se han encontrado mas claramente consigo mismo, además grandes luchadores...

-¿Nunca le ha tentado la escultura?
-Es un proyecto que siempre tengo presente, pero que aparco hasta desarrollarme suficientemente como artista en el medio expresivo que me resulta más sencillo: la pintura. Creo que ya estoy cerca de tocar la escultura.

-¿Qué Museo de Arte Contemporáneo le ha interesado más y por qué?
-Me impresionan más las obras que los museos, “Las señoritas de Avignon” del MoMA, el “Guernica” del Museo Reina Sofía. A un museo le pido que sea un contenedor limpio que no distraiga la visión del arte. Hay otro tipo de museos que son obras de arte en sí mismas, como el Rietveld de Ámsterdam o los Gugemheims de Nueva York o Bilbao, respecto a las programaciones, eso ya es otra cosa...