DAVID RODRÍGUEZ CABALLERO “ALCHEMY TIMES”:15 esculturas en la Galería Marlborough

David Rodríguez Caballero, escultor (Fotos Art Madrid)

L.M.A.

    4/8/21.- Madrid.- La galería Marlborough presentará la exposición individual de David Rodríguez Caballero “Alchemy Times” que se celebrará desde el próximo 9 de septiembre hasta el 16 de octubre. La muestra incluye 15 esculturas y 51 dibujos en total. Las esculturas de latón, aluminio, cobre y bronce son fiel reflejo del universo creativo de Rodríguez Caballero que lleva las formas hasta su máxima desnudez usando la reducción como estrategia de creación. Están presentes sus temas recurrentes: el pliegue, la máscara, el tótem y los juegos de luces y sombras, aunque en esta ocasión incorpora la pátina a las superficies. Otra de las novedades de su propuesta es un giro en los títulos de las esculturas. 

David Rodríguez Caballero siempre ha titulado sus obras con su fecha de finalización, en esta etapa ha decidido incorporar a la fecha un elemento descriptivo a modo de pista para el observador. La muestra se completa con 51 dibujos monócromos de pequeño formato, realizados con restos de vinilo rojo y negro y producidos durante el confinamiento en un ejercicio de libertad, sin intención de ser mostrados. En un momento dado el artista se dio cuenta de que estas piezas reflejaban muy bien el proceso de trabajo “sin pliegues” sobre el papel que actúa como espacio de composición. Los dibujos se muestran en un espacio diferenciado, de este modo la exposición en su conjunto plantea la confrontación de dos lenguajes muy diferentes, el papel de vinilo frente al metal y la inmediatez del dibujo frente a la planificación metodológica de lo escultórico. 

Los dibujos tienen además la vital misión de explicar los mecanismos internos de la composición, que explica el propio artista: “Los vinilos, en todos sus formatos, han supuesto la conexión con mi formación en la pintura; mantener presentes mis orígenes como pintor (una mirada retiniana), desarrollarlos y adaptarlos a mi carrera artística. Es como romper una pintura de forma simétrica y reconstruirla, trabajando cada una de las partes de forma independiente para volver a la imagen original con alteraciones”. 

La situación actual de pandemia obviamente ha influido en el proceso de creación de las obras. En opinión de David Rodríguez Caballero, aquel paréntesis “permitió de forma obligada” a los artistas frenar en seco su actividad sobreexcitada y poco saludable y tener la oportunidad de enfrentarse al silencio y a hacer sin pensar para ser visto. También el título de la exposición hace referencia en parte al momento actual, en palabras del propio artista: 

“Estamos en un momento de comienzo, de arranque de una nueva etapa global. Muchas cosas han sido destruidas y otras han dejado de servir. A eso hay que sumar el cambio sustancial de nuestras cabezas. Tenemos nuevas necesidades y debemos definir nuevos paradigmas y sistemas de vida que sean coherentes con las nuevas realidades del mundo. El término Alchemy plantea una combinación de disciplinas adscritas al intelecto, al alma y a la materia que conllevan como meta la transformación. Una especie de acto mágico muy paralelo al del arte y más concretamente al proceso del metal.” 

Entre sus exposiciones individuales más recientes cabe destacar: 

David Rodríguez Caballero: Alchemy in Motion, Marlborough Gallery, Nueva York (2019), El pliegue sobre el pliegue, Museo Esteban Vicente, Segovia (2018), Abstracciones poéticas / Poetic Abstractions, Galería Marlborough, Madrid. (2017), David Rodríguez Caballero. Danser La Sculpture. Espace Meyer Zafra, París, (2016), Vinyls, Marlborough Gallery, New York, (2016), Citadelle. Pabellón de Mixtos, Horno y Jardines, Ciudadela, Pamplona (2015) David Rodríguez Caballero. Vibraciones de la Materia. Galería Marlborough, Barcelona (2015), David Rodríguez Caballero: rough Time. Galería Aurora Vigil- Escalera, Gijón, Asturias (2015); David Rodríguez Caballero. 

Recent Work en Marlborough Gallery, Nueva York (2014); Luz y geometría en el Centro del Carmen, Valencia (2013); Plier et Déplier en Marlborough Mónaco, Monte-Carlo (2013); David Rodríguez Caballero. Recent Work en Marlborough Chelsea, Nueva York (2012); David Rodríguez Caballero. Desarrollos: Ongoing pieces 2010-2012 en la Galería Marlborough, Madrid (2012); Los estados de la cruz: Luz y Geometría en el Claustro de la Catedral de Pamplona, Pamplona (2011); Glaciers/ Glaciares en el Museo Würth, La Rioja (2011) y Interpretaciones. Un diálogo con Jorge Oteiza en la Fundación Museo Jorge Oteiza, Alzuza, Navarra (2010). 

Ha sido galardonado entre otros con el Primer Premio Internacional de Grabado de Bodegas Dinastía Vivanco (La Rioja, 2008), Primer Premio de la IX Muestra Colección Unión Fenosa del Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa (A Coruña, 2006), Primer premio de Artes Plásticas del Gobierno de Valencia (Valencia, 2004), Primer Premio de Pintura de Volksbank Paderborn (Paderborn, 1996) y Primer Premio de Pintura Pamplona Jóvenes Artistas del Gobierno de Pamplona (Pamplona, 1995 ). 

Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas como: Biblioteca Nacional (Madrid), Museo Patio Herreriano (Valladolid), Fundación Coca-Cola (Madrid), Museo de la Cultura del Vino, Fundación Dinastía Vivanco (La Rioja), Museo Würth (La Rioja), Parlamento de Navarra (Pamplona), Ayuntamiento de Pamplona (Pamplona), Palacio de los Papas (Viterbo, Italia), Fundación Volksbank (Padeborn, Alemania) o ISE Cultural Foundation (Nueva York / Tokio). El pasado mes de agosto fue instalada en Cap Ferrat su obra Through Emptyness. 17.may

“Lumières”, primera exposición de Olivier Dassault en España

 Obra de Olivier Dassault

Del 14 de noviembre al 4 de enero

            Madrid, 11/11/19 .- Madrid .- La Galería Marlborough presenta la  primera exposición en España del trabajo fotográfico de Olivier Dassault, más conocido por su faceta de político y empresario, pertenece a una de las familias más importantes de Francia, al frente de Groupe Dassault, conocido sobre todo por su papel pionero en la aeronáutica, es el fabricante de los célebres aviones Falcon.

            La muestra Lumières que se celebrará en Marlborough desde este jueves 14 de noviembre al 4 de enero recoge parte del trabajo creativo que Dassault lleva 30 años realizando. Dassault trabaja instintivamente cuando mira a través de las lentes de su Minolta XD7, después improvisa y manipula meticulosamente los detalles de cada imagen usando superposiciones y varias exposiciones. Las obras resultantes transmiten una sensación de movimiento y tienen una cualidad casi de pintura abstracta. El espacio, el ritmo y el color se funden para llevar al máximo nuestra percepción de estas composiciones caleidoscópicas.

Charles Jaulerry expone en la Galería Marlborough de Madrid "Cortando Flores"

L.M.A.

La galería Marlborough se complace en presentar la exposición Cortando flores, del artista franco español Charles Jaulerry que se celebrará del 12 de enero al 11 de febrero. Charles Jaulerry (Bayonne, 1981), el artista más joven del catálogo de Marlborough, presenta en esta muestra una decena de collages sobre lienzo realizados con recortes de pintura, siguiendo una técnica absolutamente personal.

Su obra tiene una doble dimensión, tanto en su percepción por parte del espectador como en su proceso creativo. En la distancia, sus cuadros parecen mosaicos bidimensionales vibrantes de color, pero en la cercanía se aprecia que sus girasoles y pájaros están construídos superponiendo fragmentos recortados de lienzos pintados. Esto les da un carácter matérico, casi de bajorelieve. “Utilizo el material acumulado en mi taller durante años. Es un proceso de descanso del material y las ideas hasta encontrar la buena alquimia”.

Su camino va de la abstracción a la figuración. Primero pinta telas a brochazos, de manera expresionista, y después recorta esas obras para construir sus collages como si estuviera componiendo un puzzle de color del que no hay guías. Un rompecabezas que va evolucionando en la mente del artista. “El proceso que sigo es el de componer motivos figurativos con elementos abstractos. La composición es algo fundamental en mi obra, creo que esta fijación viene de mi bagaje en la ilustracion y el diseño gráfico”.

Y es que Jaulerry se formó como diseñador gráfico e ilustrador en París y Nueva York, dos mundos aparentemente alejados de la pintura pero que le han proporcionado una perspectiva fresca y contemporánea sobre su trabajo. Comenzó a pintar durante una estancia en Estados Unidos, pero en un momento dado decidió regresar a Europa  para instalarse en el suroeste de Francia, en Arcangues, donde sigue residiendo hasta hoy. “La naturaleza y el campo son motivos y fuentes de inspiración que ya estimularon la imaginación de muchos artistas a lo largo de la Historia del Arte’’.

Sus influencias van desde los impresionistas hasta el pop art. Trabaja en serie, repitiendo motivos como con los girasoles o los pájaros pero variando composiciones, colores y tamaños. ‘“Estas variaciones implican resolver nuevos problemas que impriman diferentes ritmos y colores a cada pintura’’. Su gama de colores vibrantes, el uso del esmalte y el goteo de color son sus señas de identidad. Cada elemento se construye independientemente del lienzo antes de ser incorporado a la composición. “Las flores y en concreto los girasoles, tienen una larga historia como motivos. Ademas de los mitos y símbolos que los rodean, resulta evocadora su presencia en verano que me recuerda a la figura humana”.

Entre sus exposiciones individuales destacan Histoire Sans Fin en la Crypte Sainte-Eugénie de Biarritz (2015) o Mirrors en la Feast Projects Gallery de Hong Kong (2013).

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Rafael Cidoncha expone en la Galería Marlborough de Madrid

L.M.A.

"El bañista" de Rafael Cidoncha


L.M.A.

La galería Marlborough se complace en presentar la exposición Contra viento y marea del artista Rafael Cidoncha, que se celebrará desde el 12 de enero hasta el 11 de febrero.  La muestra se compone de alrededor de una veintena de obras entre las que, además de pinturas, hay cinco dibujos y ocho esculturas. El de la escultura es un camino que Cidoncha lleva años explorando pero que en esta ocasión expone por primera vez.

En la obra reunida en esta muestra, la perspectiva del artista es la de un observador oculto que toma una instantánea, la de un flâneur espontáneo que congela un instante percibido y percibir, como dice el propio artista “es más que ver, igual que escuchar es más que oír. El resultado de lo que se percibe trata de comunicar algo que va más allá de las apariencias”. Cidoncha trabaja sobre la emoción y la honestidad, restándole importancia al análisis teórico. “La obra existe en el ojo de cada espectador y teorizar es levantar barreras entre la pieza y la lectura que le pueda dar quien la ve”.

Cidoncha, que vive a caballo entre Madrid y su estudio en París, se define como un pintor reflexivo, casi un monje, y apunta que, con la madurez, le ha llegado una consciencia mucho más intensa de todo lo que le rodea.  “El creador funciona con un ojo educado y entrenado en años de observación, y es la emoción la que pone en marcha los mecanismos de creación. En este caso, con este conjunto de obras todas de nueva creación, he tratado de captar la fragilidad del instante”.

Aunque Rafael Cidoncha es un pintor conocido por sus retratos de personajes de la cultura o la política, desde Vargas Llosa hasta André Leon Talley pasando por Lee Radziwill, para él, el retrato no es un fin en sí mismo, sino una consecuencia de su interés por lo humano. “Igual que en la música, la voz es el instrumento  que más me transmite, en la pintura el retrato me apasiona en la medida en que es la expresión el alma y la psicología, en su capacidad de estar más allá de la técnica”. En esta exposición ha explorado otros caminos.

En palabras del poeta Carlos Alcorta: “La mirada de Cidoncha parece estar fuera del tiempo, se adentra en los espacios intocados de una naturaleza recién creada en el lienzo con la intención de esclarecer los secretos mecanismos que llevan a relacionar simbólicamente determinados objetos representados con la imagen mental que los provoca. El espectador, testigo privilegiado, puede participar en el descubrimiento, porque su percepción, contaminada por un pasado en el que el arte se consideraba un misterio, una revelación, le mostrará improvisados vínculos con su propia vida y memorizará la plenitud de una belleza que en sí misma se justifica”.

Por su parte el filósofo Bernard-Henri Lévy, uno de sus retratados más célebres escribió sobre el artista: “Sus lienzos hablan. Sí, puede sorprender, pero realmente creo que hablan. Aguzad el oído, veréis. O más bien escucharéis. Hay pintores que deslumbran, Cidoncha más bien nos aturde”.

La obra de Rafael Cidoncha está presente en numerosas colecciones internacionales públicas y privadas, entre las que destacan: las de la familia Abelló y Alicia Koplowitz, The Museum of Fine Arts de Boston MA, el Ministerio de Educación Cultura y Deportes, la Biblioteca Nacional (Madrid), College de France (París), Colección Duques de Alba (Madrid), Colección Forbes (EEUU), Fundación Pedro Barrié de La Maza (A Coruña), Colección Ministerio de la Presidencia (Madrid), Colección Ministerio de Medio Ambiente (Madrid), Museo de Baltimore (EEUU), MNCARS (Madrid), Palacio de la Zarzuela (Madrid) Colección Príncipe Loewenstein (Inglaterra), Colección Yves Saint Laurent (París).

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Alberto Corazón, artista del verano en la galería Marlboroug de Madrid

ALBERTO CORAZÓN EL GRAFITO AMA EL PAPEL

DIBUJOS Y PINTURAS 2016 23 DE JUNIO –

10 DE SEPTIEMBRE DE 2016

L.M.A.

Madrid, 06/07/16 .- La Galería Marlborough presenta durante lo meses de verano en Madrid una exposición de obra reciente del artista y diseñador gráfico Alberto Corazón, “El grafito ama el papel. Dibujos y pinturas 2016”. La exposición plantea un recorrido, a través de una quincena de dibujos y pinturas, sus últimas creaciones. Grafito, carboncillo y acrílico sobre papel es la técnica predominante en los temas seleccionados.

            La mesa del artista, la botánica y los bodegones son los temas que conducen al visitante a una inmersión en sus últimas creaciones. Con su característica y ficticia pintura espontánea, las líneas y las pinceladas sueltas, impregnadas de un color apasionado, Alberto Corazón logra unas obras de gran contundencia en contrapunto a una sutil y poética naturaleza de matices.

            En palabras de Alberto Corazón “Hacer visible lo que no vemos, reclamaba Paul Klee para la creación plástica. Una propuesta que en mí se da con más intensidad cuando dibujo. El dibujo remite a lo esencial, grafito y papel, mineral y vegetal. El grafito se extrae de las rocas y el papel no es sino pulpa vegetal, mejor cuanto más natural es su producción. Pulpa sobre un cedazo que se deja secar al sol. La incomparable sensualidad del surco negro, oleaginoso, sobre la superficie suave de las apelmazadas fibras del algodón o el lino”.

            “Nunca dibujo lo que me rodea, sino lo que no veo. El dibujo dispara la conexión neuronal de la memoria y de la mano. Basta con un leve gesto. La pintura necesita que el brazo actúe como la extensión natural del cuerpo. Pero en el dibujo es sólo la mano, dedos y muñeca. La diferencia es levedad e inmediatez. No son posibles los “arrepentimientos”, las correcciones, las dudas. El trazo del grafito, en mi caso enérgico, con minas densas y oleaginosas, deja sobre el papel una huella imborrable. Muchas de mis pinturas están sedimentadas sobre otras pinturas”.

“Un cuadro fallido puede tener siempre un “aprovechamiento”, partir de nuevo de un fragmento o en el caso más extremo, unos suaves brochazos de blanco con lo que el lienzo vuelve a estar disponible con una vibración irreconocible de fondo. Comienzo de nuevo otra pintura pero a partir de una leve memoria, un rumor casi inaudible. Por el contrario, en el dibujo fallido no hay otra opción que romper el papel, trocearlo con las manos para evitar la tentación, siempre acechante, de otra utilidad. En el gesto de romper el papel encuentro la rabia de la pérdida y la alegría de comenzar de nuevo.”

Datos biográficos

            Nacido en Madrid en 1942, Alberto Corazón estudió Sociología y Económicas. Cuando completó sus estudios universitarios, que combinó con el estudio del dibujo y la pintura, fundó junto a un grupo de amigos la editorial Ciencia Nueva y lanzó su carrera profesional como diseñador gráfico. Al mismo tiempo, celebró su primera exposición individual en Turín y Milán. Como diseñador comenzó a destacar en la escena española del diseño gráfico y fue galardonado con el Premio Nacional de Diseño y otros premios significantes en Europa y Estados Unidos. Es, además, Miembro de la Real Academia de las Artes de San Fernando. A principios de los setenta, su obra fue la primera en mostrar la influencia del arte Conceptual en España, celebró frecuentes exposiciones en Italia y Alemania.

Creó Alberto Corazón Editor, que publicó por primera vez en España textos de la vanguardia histórica y las corrientes estructuralistas de teoría y crítica de arte. En 1976, Corazón fue invitado a participar en la Bienal de Venecia junto a Antoni Tápies y Equipo Crónica y en 1978, el comité de la Bienal de París le invitó para exhibir su trabajo en el Petit Palais junto al de Antonio Saura. Un año después, la obra de Corazón se mostró en Alexander Iollas Gallery en Nueva York y concluyó su periodo conceptual. Corazón ha expuesto regularmente en galerías de Madrid y Barcelona, formando parte de la Galería Marlborough desde el año 2001. En el 2002, una retrospectiva itinerante de sus pinturas y esculturas fue vista a lo largo de España. Formó parte del proyecto Arte Español para el Exterior, y su obra fue expuesta en museos de Siria, Jordania e Irán. Tras múltiples exposiciones nacionales e internacionales, su última exposición “Alberto Corazón. Diseño: La energía del pensamiento gráfico. 1965-2015”, en la Fundación Telefónica de Madrid, ha permitido poder contemplar su dilatada, fructífera y reconocida trayectoria dentro del panorama nacional.

Paula Rego y su exposición “El primo Basilio y otras historias”

L.M.A.

La Galería Marlborough muestra la exposición de Paula Rego El primo Basilio y otras historias que tendrá lugar desde el 20 de Octubre al 21 de Noviembre de 2015.

Será la primera exposición en Madrid desde la Serie del Aborto que se mostró en 1999. Su ultima gran exposición sobre su trabajo en Madrid fue una retrospectiva en el Museo Nacional de Arte Reina Sofia en el año 2007 que posteriormente viajó a Washington.

En esta nueva serie de siete pasteles, técnica que Paula ha estado explorando durante los últimos 20 años, la artista hace referencia  a la novela “ El primo Basilio “, de uno de sus novelistas favoritos Eça de Queiros, uno de los autores portugueses más reconocidos del s. XIX. Esta novela fue publicada en 1878 con gran acogida y escándalo debido a su franca descripción del sexo y del deseo sexual, y por el agudo retrato de las restricciones impuestas tanto a hombres como a mujeres en ese periodo, pero especialmente a las mujeres.

El primo Basilio cuenta la historia de Luisa y de Jorge-su, de alguna manera, claustrofóbico pero, aun así, amoroso, matrimonio sin hijos; el extenso viaje de negocios de Jorge al Alentejo; su romance con el primo Basilio mientras él está fuera; su chantaje por Juliana, la criada; el descubrimiento de Jorge de la traición, y la caída y muerte de Luisa. El tiempo trascurre lentamente en la novela, y aunque el final es obvio desde la primera página (“¡Oh!” dice Luisa, de repente, mirando fijamente algo en el periódico y sonriendo, “Primo Basilio está viniendo a Lisboa “), el preciso retrato de personajes y el lujoso detalle del argumento lo hacen un autétntico disfrute de lectura, tanto en las páginas de la novela como en las pinturas de Paula Rego.

El mundo de la novela está ricamente poblado y lleno de placeres cada vez que Eça nos presenta un nuevo personaje o describe una habitación o un objeto; esto nos remite al entusiasmo con el cual Rego tambien se vuelca en un nuevo modelo u objeto traido al studio, para ser incorporado en el cuadro con un acertado-si bien siempre de soslayo-efecto simbólico.

Se completa la exposición con obra gráfica de la artista. Piezas que parten de fábulas populares portuguesas y de la conocida fábula “Stone Soup” realizadas en el 2015 y que por primera vez se contemplan en España; se complementa finalmente la exposición con algunos grabados y aguatintas de las conocidas series  “Female Mutation” de Paula Rego, donde  la gran dureza de las imágenes hacen eco del sufrimiento femenino.