Goya y Tàpies entre la nueva oferta expositiva de la Comunidad de Madrid

L.M.A.
La Comunidad de Madrid llevará una oferta de diez
exposiciones a 56 localidades madrileñas durante 2011, a través de su
Red Itiner, plataforma entre cuyos objetivos están la promoción de la
creación artística de la Región y la descentralización de la oferta cultural
para que llegue al máximo número de localidades.

La programación de la Red Itiner incorpora temas relativos a
conmemoraciones culturales, artes escénicas, arte contemporáneo,
música, literatura, historia, arte y patrimonio. Además, algunas de las
exposiciones van acompañadas de un taller en el que se proponen
actividades destinadas a profundizar en los temas tratados.

Las diez exposiciones que este año integran el programa de la Red
Itiner son: Los tres elementos. Una exposición para entender el hip hop;
Mujeres: tipos y estereotipos. Fotografías de José Ortiz Echagüe; Habitar.
12 casas, 12 historias; Antoni Tàpies. Obra Gráfica; Fotocam; Recortables:
sueños de papel; Las imágenes de las palabras; La huella del ojo;
Paisajes de Madrid. Fernando Manso; y Los desastres de la guerra de
Francisco de Goya.

El nuevo año de la Red Itiner comenzará el 19 de enero en Parla,
donde se exhibirá Habitar. 12 casas, 12 historias, una muestra que
presenta doce proyectos de viviendas construidas en el siglo XX
fundamentales para la evolución de la arquitectura universal. Esta
exposición viajará hasta San Sebastián de los Reyes el 10 de febrero;
Rivas el 4 de marzo; Torrejón de Ardoz el 28 de marzo; Arganda del Rey
el 19 de abril; Guadarrama el 13 de mayo; Mejorada del Campo el 6 de
junio; Navacerrada el 28 de junio; Aranjuez el 20 de julio; Villanueva de la
Cañada el 12 de septiembre; Rascafría el 4 de octubre; Las Rozas el 26
de octubre; y El Vellón el 18 de noviembre.

La exposición fotográfica sobre la cultura del Hip-Hop, Los tres
elementos, se mostrará del 21 de enero al 10 de febrero en Arganda, tras
lo cual llegará a Villanueva del Pardillo, el 14 de febrero; Valdemorillo el 26
de abril; Leganés el 18 de mayo; Torrelodones el 9 de junio; Cadalso de
los Vidrios el 29 de agosto; Móstoles el 20 de septiembre; Hoyo de
Manzanares el 13 de octubre; y Coslada el 28 de noviembre.

Por otro lado, a partir del 20 de enero, las imágenes del III Premio
de fotografía periodística Fotocam, que reflejan la realidad social, política y
cultural de la región a través del trabajo de los informadores gráficos que
trabajan en ella, podrán ser vistas en Guadarrama. El 18 de febrero
viajarán a Ajalvir; a Villanueva de la Cañada, el 14 marzo; a Villanueva del
Pardillo el 5 de abril; a Navalcarnero el 29 de abril; a San Martín de
Valdeiglesias el 23 de mayo; a Cadalso de los Vidrios el 14 de junio; a
Fuente del Saz el 8 de julio; a Colmenar Viejo el 28 de julio; a San Martín
de la Vega el 25 de agosto; a Arganda del Rey el 16 de septiembre; a
Torrelodones el 10 de octubre; y finalmente, a Villaviciosa de Odón el 24
de noviembre.

Estampas de Tàpies y de Goya

Paralelamente, 26 estampas originales de Antoni Tàpies podrán verse a
partir del 24 de enero, en Móstoles; el 15 de febrero en Alcobendas; el 9
de marzo en San Fernando de Henares; el 31 de marzo en Pinto; el 28 de
abril en Galapagar; el 20 de mayo en Pozuelo de Alarcón; el 13 de junio
en Alcalá de Henares; el 5 de julio en Colmenar Viejo; el 27 de julio en
Navacerrada; el 30 de agosto en Aranjuez; el 21 de septiembre en San
Sebastián de los Reyes; el 14 de octubre en Rivas Vaciamadrid; el 11 de
noviembre en Tres Cantos; y el 29 de noviembre en Las Rozas.

Otro tipo de estampas, las 80 de la serie de Los Desastres de la
guerra de Francisco de Goya, se mostrarán desde el 16 de febrero en
Villaviciosa de Odón; el 10 de marzo en Pozuelo de Alarcón; el 4 de abril
en Collado Villalba; el 3 de mayo en Valdemoro; el 25 de mayo en Getafe;
el 16 de junio en San Lorenzo de El Escorial; el 8 de julio en Alcalá de
Henares; el 17 de agosto en Colmenar de Oreja; el 8 de septiembre en
Leganés; el 30 de septiembre en Galapagar; el 24 de octubre en Buitrago
de Lozoya; y el 16 de noviembre en Humanes de Madrid.

Además, una exposición sobre la historia del arte a través de sus
secretos, La huella del ojo, recalará en Ciempozuelos a partir del 7 de
febrero. Posteriormente visitará Moralzarzal el 1 de marzo; Leganés el 23
de marzo; San Fernando de Henares el 14 de abril; Fresnedillas de la
Oliva el 9 de mayo; Horcajuelo el 31 de mayo, Getafe el 22 de junio; Parla
el 14 de julio; Buitrago de Lozoya el 22 de agosto; San Martín de la Vega
el 13 de septiembre; Navalafuente el 5 de octubre; El Álamo el 27 de
octubre; y finalmente San Lorenzo de El Escorial el 21 de noviembre.

Recortables, facsímiles y fotografías

Otra muestra reflejará la historia del juguete recortable fabricado en
España entre 1880 y 1960 en Navalcarnero a partir del 1 de febrero;
Coslada el 23 de febrero; El Álamo el 17 de marzo; El Vellón el 8 de abril;
la Hiruela el 4 de mayo; Torrejón de Ardoz el 26 de mayo; Fuente el Saz el
17 de junio; Villanueva del Pardillo el 11 de julio; Collado Mediano el 10 de
agosto; Fresnedillas el 1 de septiembre; Cadalso de los Vidrios el 23 de
septiembre; Ajalvir el 17 de octubre; El Escorial el 8 de noviembre; y
Alpedrete el 30 de noviembre.

Las fotografías de la primera mitad del siglo XX de José Ortiz (1886
-1980) sobre la cultura tradicional española a través de la mujer, serán
expuestas en la muestra Mujeres: tipos y estereotipos, desde el 8 de
febrero, en Mejorada del Campo; el 2 de marzo en Soto del Real; el 24 de
marzo en Valdemorillo; el 15 de abril en Colmenar de Oreja; el 10 de mayo
en San Sebastián de los Reyes; el 23 de junio en San Fernando de
Henares; el 15 de julio en Collado Mediano; el 7 de septiembre en Parla; el
29 de septiembre en Collado Villalba; el 21 de octubre en Villanueva de la
Cañada; y el 15 de noviembre en Valdemoro.

Otra serie de fotografías más actuales, las de Fernando Manso
retratando rincones de nuestra región llegará a Guadarrama el 11 de
febrero y, a partir del 25 de marzo, a Humanes de Madrid; el 18 de abril a
Fuente el Saz; el 12 de mayo a Chinchón; el 3 de junio a Soto del Real; el
27 de junio a Moralzarzal; el 23 de agosto a Móstoles; el 14 de septiembre
a Patones; el 6 de octubre a Alcorcón; el 28 de octubre a Tres Cantos; y el
14 de noviembre a Torrelodones.

Por último, Las imágenes de las palabras. Manuscritos iluminados
de los siglos X a XVI mostrará 18 facsímiles de la Edad Media y principios
de la Edad Moderna. Será desde el 3 de febrero en Pinto; el 25 del mismo
mes en Getafe; el 21 de marzo en San Martín de la Vega; el 12 de abril en
Coslada; el 6 de mayo en Collado Villalba; el 30 de mayo en Fresnedillas
de la Oliva; el 21 de junio en Buitrago de Lozoya; el 13 de julio en La
Hiruela; el 11 de agosto en Soto del Real; el 5 de septiembre en
Alcobendas; el 26 de septiembre en Alpedrete; el 18 de octubre en
Moralzarzal; el 10 de noviembre en Valdemorillo; y el 2 de diciembre en
Hoyo de Manzanares.

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Julia Sáez-Angulo: "Nacimiento, muerte y resurrección de la Pintura"

DOLORES GALLARDO LÓPEZ

Hace unos días en la Tertulia Ilustrada, que una vez al mes tiene lugar en Madrid, nuestra querida amiga Julia Sáez Angulo ofreció una hermosa charla sobre el tema que encabeza estas líneas, cuyo resumen abordamos a continuación:

1. NACIMIENTO
Según anécdota narrada por el escritor latino Plinio el Viejo (muerto el año 79 de nuestra era en la famosa erupción del Vesubio, que destruyó las ciudades de Pompeya, Estabies y Herculano) la pintura nació de modo accidental en la antigua Grecia, en la ciudad de Corinto:
Una muchacha, hija del alfarero Butades de Sición, sirviéndose de una vela dibujó en la pared el contorno de su amado. El tema ha sido muy representado en el Arte de épocas posteriores con los dos enamorados o incluyendo también al padre de la joven).
Una segunda referencia sobre el nacimiento de la pintura la tenemos en el famoso mito de la caverna del filósofo Platón: hombres, encadenados allí desde niños, de la realidad sólo alcanzaban a ver las sombras proyectadas en el muro.
De la pintura griega sólo nos ha quedado lo conservado en la cerámica, nada por supuesto, dado lo perecedero del material, de las magníficas pinturas al fresco que hubo. Sin embargo nos han llegado nombres de importantísimos pintores: Zeuxis, Parrasio y Apeles.
De Zeuxis se decía que en fresco pintó unas uvas con tal verismo que los gorriones se acercaban con intención de picotearlas. Con esta anécdota queda claro que la ilusión de veracidad que ofrece la pintura (trampantojo) viene de antiguo.
De Praxiteles y su relación con la bella Friné, su modelo y amante, han quedado hermosas anécdotas como la que relata el juicio de impiedad que hubo de sufrir Friné por mostrar abiertamente su esplendorosa belleza. Juicio del que, por cierto, salió absuelta dado su defensor hizo que se desnudara en el propia tribunal y, hecho esto, convenció a los jueces que no debía privarse a la humanidad de una belleza como aquella, reflejo viviente de la propia diosa Afrodita. El tema del desnudo de Friné en el tribunal ha sido tema de diversas obras pictóricas, especialmente en el siglo XIX.

Nacimiento de la perspectiva. Como ha quedado dicho, nada se ha conservado de los frescos griegos, pero numerosos restos de frescos pompeyanos, algunos casi completos, han sido sacados a la luz por las excavaciones realizadas en la hermosa ciudad napolitana de Pompeya. Su buen estado de conservación es debido al hecho de que los cascotes y la lava volcánica que desprendió el Vesubio en el año 79, que acabaron con todo rastro de vida, sirvieron de protección a los restos de la ciudad sepultada. En ellos se pueden observar las primeras nociones de perspectiva de las que tenemos noticia. Tiempo después el Renacimiento italiano llevaría a cabo la gran revolución de la pintura con el aporte rotundo y pleno de la perspectiva.

2. AUGE

Desde el Renacimiento hasta no hace mucho la Pintura ha sido la Prima Donna de las Bellas Artes. Ha ocupado los mejores lugares de palacios, museos y colecciones. Hasta tal punto fue así que en pleno siglo XIX, en pleno auge de los salones de concursos parisinos, Baudelaire llegó a decir que la Escultura era aquello que estorbaba para ver la Pintura.
En las vanguardias históricas que se desarrollaron durante los años 20/30 del pasado siglo la Pintura fue el marco de las grandes revoluciones plásticas: cubismo, simbolismo, dadaismo, abstracción, expresionismo, constructivismo…
M. Duchamp y algunos otros arrojaron las primeras semillas que acabarían por socavar el puesto relevante que hasta entonces la Pintura había gozado.


3. MUERTE

La semilla arrojada por M. Duchamp y otros fue recogida por las vanguardias radicales de los años 60: pop art, land art, body art y arte conceptual. Todo ello causó una gravísima herida a la Pintura.
Se la consideró un arte del pasado, una ya tradición obsoleta.
Llego a resultar patética a los nuevos creadores, a algunos críticos y a determinados galeristas.
“La pintura ha muerto” se repetía hasta la saciedad en algunos círculos y cenáculos artísticos en los años 70.
Desde Malewich a Siqueiros se daba por muerta a la pintura de caballete (el cuadro, para entendernos).
Arthur D. Danto decía que el Arte Moderno acababa con el expresionismo abstracto –la última de las vanguardias- y que en los años 60 comenzaba el Arte Contemporáneo con el arte pop.
En1981 Douglas Crimp, otro teórico, anunció la muerte de la Pintura al hablar sobre las “pinturas negras” del alemán A. Reindhard: “Las últimas pinturas que alguien pueda hacer” dijo textualmente. Ciertamente no eran sólo blancas y negras puesto que llevaban algunos toques de color.
En realidad lo que había sucedido era que la Pintura había sobrepasado el marco que le era propio y se había expandido a otros campos: Escultura, Arquitectura, Fotografia e incluso los primeros videos.

La idea de la muerte de la Pintura iba acompañada por la de la muerte de los Museos tradicionales, denostados por artistas que anhelaban espacios diferentes para exponer sus obras.

4. RESURRECCIÓN

Afortunadamente la Pintura no había muerto, ni los Museos tampoco.
Así lo puso de manifiesto en Cataluña los años 70 -los mismos en los que algunos decían que había muerto- un célebre ensayo de Tápies. En ese ensayo, en el que exponía la situación del arte actual, Tápies decía que la Pintura no había muerto pero estaba necesitada de una profunda renovación.
Con Tápies y sus seguidores se afirmó en buena parte la vigencia de la Pintura y la reflexión sobre la materia. La reflexión de que la realidad está compuesta por una parte visible y otra invisible y que la Pintura ha se saber atrapar a ambas. El lenguaje pictórico debe convocar la presencia de esa realidad sin necesidad de ser mimético.
Con su autoridad Tápies rechazaba las afirmaciones sobre la muerte de la Pintura considerándolas más una moda que un dogma y siguió defendiendo la pintura de pigmento sobre tela o tabla como un lenguaje todavía válido y con un amplio futuro por explorar.
Apoyándose en estas afirmaciones algunos artistas – Rafols Casamada, Hernández Pijoan, o Amat- hicieron una nueva pintura de un hermoso minimalismo.
La influencia de Tápies y Joan Miró se hizo notar en gran parte de los artistas.

En cuanto a lo que sucedía en Madrid hay que recordar que en torno a los años 70 surgió la llamada “Nueva figuración madrileña” que -frente al debate figuración/abstracción- apostó por una pintura desacomplejada, en cierta medida mordad, y, alejándose de la gravedad y el oscurantismo del informalismo anterior, practicó un provocador uso del color. Frente al compromiso político y social de la generación anterior se interesaron por incluir en su obra elementos iconográficos autobiográficos ajenos a la realidad social del cambio político. En definitiva, dejando de lado tendencias que entonces triunfaban en Europa -como la transvanguardia italiana o el neofauvismo francés- eran partidarios del Arte que bebía en la tradición española.
Entre los representantes de la “Nueva figuración madrileña” están Luis Gordillo, Manolo Quejio, Alfonso Albacete, Carlos Alcolea, Carlos Franco, Guillermo Pérez Villalta, Chema Cobo y Rafael Pérez Mínguez.

El acoso a la Pintura comenzó a remitir, comenzaba no estar mal vista en foros y cenáculos del circuito artístico la llamada “pintura retiniana”, es decir la pintura de dibujo y color grata a la retina del espectador. El legado anti-retiniano de M. Duchamps remitía, entre otras cosas porque su propio creador no llevó su teoría a las máximas consecuencias.
Sin embargo aún se seguía afirmando que la Pintura era la expresión de un trasnochado sentimiento de la realidad visible, sometida. Por tanto, a la experiencia insuficiente y falsa de los sentidos.
En definitiva: lo que estaba planteado era la batalla de los tradicionales géneros Pintura y Escultura (en ésta también se exigía la sustitución de la estatua por el objeto escultórico, como pedía Duchamps) y el lenguaje de otros nuevos géneros que empujaban: la fotografía, el video y la instalación.
Pero felizmente, con el paso del tiempo, ningún lenguaje desapareció y ningún lenguaje quedó al margen. Se hicieron fronterizos y con frecuencia los límites entre ellos se relajaron o se rompieron. Pintar dejó de estar mal visto, pero los pintores se plantearon un nuevo discurso.
El ámbito de la Pintura ya no era tanto la representación del mundo como el discurso interior del artista que reflexiona sobre el acto de pintar. Es decir la Pintura, más allá de la representación del mundo, comienza a hacerse protagonista de sí misma. Gana territorio y libertad y no sólo por parte del creador, sino del espectador a la hora de interpretarla.
La multiplicidad de la visión se presenta en los cuadros de cada artista. Su percepción del mundo aparece en la elección del tema, en la forma, en la interpretación que hace del color.
A este respecto interesante resulta recordar las palabras del arquitecto A. Sartoris: en el Arte no hay simple progreso –como en la ciencia y especialmente en la técnica- sino METAMORFOSIS. El color y las forma, ya lo hemos visto en esta charla, vienen de lejos pero, como hemos visto también, se renuevan

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