EL “GUERNICA” DE PICASSO, UNA PINTURA DISCUTIDA EN SU GÉNESIS Y CONCEPTO

"Guernica", pintura de Pablo Picasso. Museo Reina Sofía.

• José María Juarranz, crítico de arte, ofrece su estudio al respecto y argumenta sobre fechas y declaraciones del pintor malagueño

        Julia Sáez-Angulo

9/4/26.- Madrid.- Ya sabemos que la táctica de los nacionalistas es la queja y la petición de algo más. Son insaciables como decía el filósofo Julián Marías, por lo que no cabe ni escucharlos. Ahora Bildu, a través del nazi y asesino de ETA (con numerosas muertes a sus espaldas), que preside el partido, reclama el cuadro de Picasso titulado “Guernica”, que se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía, por el simple hecho de que los nazis, sus parientes, bombardearan la localidad vizcaína de Guernica. 

    Aparte del oportuno principio en las Bellas Artes: “las grandes obras de arte no deben viajar”, por aquello de que “tres traslados equivalen a un incendio”, algo que a los matarifes de Bildu, les importa un bledo, su petición no se sostiene por ningún lado. Solo quieren sonoridad de protesta, lo suyo y si cae la guinda, mejor. Lo malo es que si este gobierno lo necesita, cederá, para esperar después la escena de Fuenteovejuna y que no vuelva. No son de fiar. Su petición es tan solo un chantaje.

    El asunto ha traído a colación en la opinión pública sobre la génesis y concepto del cuadro mismo del Guernica. En primer lugar, circula una tesis sobre que el cuadro representa la muerte del torero Ignacio Sánchez Mejías y que dice así

“EL VERDADERO MOTIVO DEL GUERNICA”

“EL GUERNICA es un cuadro que cambió su nombre por obra y gracia de un oportunista, político. El cuadro lo encargó el Gobierno Republicano en 1935, por el que pagó 150.000 ptas. de la época, y su nombre verdadero es "RECUERDO A MI AMIGO SÁNCHEZ MEJÍAS", el inolvidable torero que murió en agosto de 1934. 

    Cuando le hacen el encargo, se lo dedica a su gran amigo muerto; lo tenía finalizado en febrero de 1937, y cuando ocurre el bombardeo de GUERNICA, estaba ya colgado en el pabellón de España, en la Exposición Universal de París. El nombre "Guernica" se le ocurrió en junio de 1937 al delegado de Cultura de la Generalitat, por lo que su auténtico nombre (RECUERDO A MI AMIGO SÁNCHEZ MEJÍAS), se sustituyó por el nombre de "GUERNICA". 

    El Guernica no representa ningún bombardeo, sino la muerte de un torero, con el toro encampanado, los caballos espantados, las plañideras gesticulantes, la bombilla de la enfermería y el estoque partido en primer plano. 

    El torero, yace ROTO, con su espada ROTA, pues ha perdido, y el toro aparece con la espada clavada, con mirada mansa, que es como era "Granadino" (el toro que lo mató). 

    La simbología de la madre con el niño en brazos, llorando, es la de todas las madres al perder a su hijo, sin importar la edad de este (perder un hijo es antinatural, pues normalmente mueren primero los padres), por lo que muestra su gran angustia, así como todos los otros personajes, pues era un torero muy admirado. 

    HOMENAJE DE PICASSO A SU TORERO AMIGO fallecido el 13 de agosto de 1934 en Manzanares (Ciudad Real). 

    PD: . Al morir como consecuencia de una cornada, fue homenajeado por varios poetas de la Generación del 27, en particular por Federico García Lorca en su "Llanto por Ignacio Sánchez Mejías".

TESIS MÁS ACEPTADA SOBRE “LA FAMILIA DE PICASSO"

    José María Juarranz, miembro de la Asociación Madrileña de Críticos de Arte, yAMCA, y autor del libro "Guernica. La obra maestra desconocida" (2018), ha investigado sobre el asunto y dice lo siguiente:

    “Lo primero que tenemos que decir es que el proceso de elaboración del Guernica se conoce con precisión. Los primeros dibujos los realiza Picasso el 1 de mayo y los últimos son del 4 de junio que es el momento en el que entrega el cuadro. Por lo tanto, no lo tenía hecho como dicen ahí.” 

    “En segundo lugar, Picasso afirmó en lo que podría considerarse su testamento sobre el Guernica, que los dibujos y grabados que lo acompañan, 62 obras, no pueden separarse del cuadro principal. Lo que nos indica que, para entender el Guernica, hay que entenderlo en conjunto con esas 62 obras que le acompañan y la inmensa mayoría de ellos no tienen nada que ver con los toros. Y sí que todos están relacionados de una manera clara con su entorno, sobre todo sus mujeres”.

    “El cuadro es un cuadro simbólico. Los animales que aparecen son un toro, un caballo, un ave además de las diversas personas y la niña en brazos. Estos animales son un toro pero no significa un toro. El caballo es un caballo, pero no significa un caballo, al igual que el ave. Para entenderlo hay que acudir al resto de la obra de Picasso: el toro es el propio Picasso. El caballo es su mujer, Olga Koklova: Picasso dijo que a las mujeres que jugaron un papel importante en su vida (en los años veinte y treinta) los representaba como un caballo: hace referencia a la corrida de toros: cuando el toro clava el cuerno al caballo es como si el hombre penetra a la mujer en el acto sexual.

    El ave se refiere a Dora Maar. Hay varias obras en las que hace esta relación”.

    “Existen, evidentemente, otras muchas razones, pero, quizás, la más importante, son las frases de Picasso cuando tiene noventa años, recogidas por Roland Dumas: “Los niños, son muy importantes; los juicios y las exposiciones son muy importantes. Pero lo único que me importa es Guernica. El Guernica es mi vida”. Guernica c,est ma vie”.

    En otro momento dirá: “el Guernica es la historia más grande de mi vida”.

    “No hizo testamento excepto en lo relacionado con el Guernica. Le encargó a Roland Dumas que fuese su albacea respecto al cuadro: no debía venir a España mientras viviese Franco. Tenía que venir a España, al Museo del Prado. Porque sería el tercer gran cuadro de las familias de reyes de España: Felipe IV, Carlos IV y La familia de Picasso. Se autorretratan Velázquez, Goya y Picasso en el toro”.

    Concluisión: "Bajo mi punto de vista el Guernica es un cuadro autobiográfico que recoge momentos clave de su vida y su relación con sus mujeres y su hija".

    "No tiene absolutamente nada que ver con el bombardeo, ni por supuesto con Guernica, excepto el nombre que surgió, según mi tesis en torno al veinte de mayo ya iniciado el cuadro cuando van a verlo unos amigos, entre ellos Paul Eduard, Zervos y Juan Larrea. Según Larrea, fue uno de ellos quien gritó ¡Guernica! y Picasso lo aceptó.

    Más información

https://lamiradaactual.blogspot.com/2023/10/jose-maria-juarranz-el-guernica-la-obra.html

https://www.eldebate.com/cultura/20260409/verdadera-historia-bombardeo-guernica_404411.html

https://www.eldebate.com/cultura/20260411/despues-guernica-aval-papa-relato-falsario-pnv-aun-permanece_405484.html

https://www.eldebate.com/opinion/20260410/esto-no-guernica_404980.html

https://www.abc.es/cultura/primer-hombre-salvo-guernica-picasso-20260416041940-nt.html

https://revistadehistoria.es/cuanto-costo-el-guernica/

“La Historia no se repite, pero rima ”Dumile Feni: Guernica Africano. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Edificio Sabatini, Planta 2

Del 25 de marzo al 22 de septiembre de 2026

 

Mayca NÖIS

24/03/2026.- Se presenta a los medios el comienzo de un nuevo programa de exposiciones, bajo el título “La historia no se repite, pero rima” con el que se propone establecer un dialogo entre “Guernica”(1937) de Pablo Picasso y otras obras de arte significativas que presenten cierto paralelismo en sus modos de representación o preocupaciones temáticas, pero procedentes de distintos contextos históricos y culturales. El título del ciclo deviene de una frase tradicionalmente atribuida al escritor Mark Twain, pero apócrifa, jamás escrita por el autor.

Esta primera muestra está comisariada por Tamar Garb, catedrática de Historia del Arte University College London, destacada especialista en cuestiones de género, identidad y representación en el arte moderno y contemporáneo, comisaria de exposiciones en instituciones como la Tate, The Walther Collection y el Victoria&Albert Museum, reconocida experta en fotografía sudafricana y arte contemporáneo africano y la  coordinación por Carolina Bustamante.

En la presentación introductoria la acompaña Manuel Segade ,director del Museo Reina Sofia. Ambos coinciden en los agradecimientos a todos los prestadores que han hecho posible la exhibición. En particular a la Universidad The Fort Hare-Sudafrica, por el préstamo del “Guernica africano” y la colaboración y apoyo del proyecto  del National Heritage and Cultural Studies Centre (NAHECS)-Sudáfrica.

La principal obra expositiva el “African Guernica” (Guernica africano)1967.Se había expuesto en numerosas ocasiones en Sudáfrica pero nunca había viajado al extranjero. Esta vez lo hace para entablar un diálogo con el Guernica, un tema que ha generado durante años una biografía considerable en la historia del arte sudafricana que apenas ha sido contemplado en la narrativa euro céntrica del arte. El Guernica pintado en 1037 en un alegato antibelicista se enfrenta, literalmente, a un dibujo sudafricano realizado treinta años después en el contexto del régimen racista del apàrtheid.

Es un dibujo monumental de casi tres metros cuadrados, ejecutado con carboncillo y lápiz sobre dos pliegos de papel de periódico iguales, pegados en disposición horizontal. Realizado entre 1966 y 1967. Fue mostrado por primera vez en la Gallery 101 de Johannesburgo en 1967, en uno de los pocos espacios de la ciudad sudafricana en la que podían exponer artistas negros. Por su escala y ambición, la obra supuso una trasgresión que desafió la expectativa, entonces generalizada, de que los artistas negros debían limitarse a producir artesanía o “arte nativo” destinado al mercado turístico.

No se sabe de dónde procede exactamente el título. El hecho cierto es que se expuso con esta denominación en Johannesburgo con el respaldo del artista y que la obra de Picasso había circulado por estudios y galerías de la ciudad sudafricana en la década de 1960 en postales, revistas y libros y era también conocida las circunstancias motivadas de la creación del cuadro. Tamar Garb comisaria apunta el planteamiento por el que el Guernica de Picasso ha introducido desde hace mucho tiempo la relación entre estética y política, entre arte y propaganda, instrumentalización de la imagen frente a la tiranía política o la opresión. Su propia historia como objeto convertido en arma disputado y polémico es bien conocido. Es probable que se haya prohibido, retirado, repatriado, apropiado y reproducido más que cualquier otra obra de arte europea.

 Junto a esta se pueden ver otras cinco obras de gran formato ejecutadas sobre papel con carboncillo,pencil, ink,procedentes de importantes instituciones sudafricanas como la Universidad de Fort Hare, la Fundacion Norval y el Wits Art Museum.

“Woman and boy”(Mujer y niño) , “The class room” (El aula 1965) muestra figuras inquietas que desafían la instrucción formal y la segregación educativa de la época; “Saying NO” (Decir que no-1967) ejemplifica su rechazo a las etiquetas del arte nativo o el arte de los “townships” buscando en su lugar una estética de compromiso ético y social; “Hector Pieterson”-1987en base a la icónica fotografía tomada de  el niño de 12 años Hector Pieterson al que la policía mató a tiros durante la revuelta de Soweto en 1976 por lo que utiliza una figura estilizada y toma al niño en un símbolo de la “conciencia universal” y la inocencia ante la violencia estatal.

 “You wouldn,t know God if he spat in your eye”(No conocerías a Díos ni,aunque te escupiera en un ojo” (1975) es un impresionante rollo de 53 metros de largo, realizado durante el exilio del artista en Londres en la década de 1970. Funcional como un diario visual que mezcla criaturas fantásticas y personajes dispuestos a modo de procesión secuencial .Probablemente esta obra no se concibió para ser mostrada al público. Incluye textos en los que en ocasiones se puede leer repeticiones de palabras y eslóganes políticos como “Exilio,Exilio”,frases enigmáticas como “la conciencia universal del niño”, o nombres propios como “Nina Simone” y “Stevie Wonder”.La obra es tanto un reflejo de su experiencia personal como la interpretación del mundo.

Todas estas obras se presentan en sala confrontación frente a frente y en estrecha proximidad con el Guernica de Pablo Picasso con lo que los visitantes pueden comparar tanto las sinergias formales, como la dislocación del espacio y el uso del blanco y negro, así como las diferencias políticas de cada contexto histórico.

Se muestran cuatro dibujos de Pablo Picasso preparatorios para el Guernica que el artista realizó en su estudio de Paris en mayo de 1937, son estudios de composición como bocetos para la realización del cuadro.

La relación entre la obra de Dumile y Picasso es muy discutida. No existe evidencia de una influencia directa. Pero la obra invoca a Picasso al entablar un dialogo con su lenguaje visual- mono cromatismo, distorsión, figuras fragmentadas.Para la comisaria Tamar Garb ambas piezas funcionan como “Totems anti totalitarios” que pese a sus diferencias cronológicas y contextos geopolíticos distintos comportan una sinergia política contra la tiranía                                         

Se hace introducción en la figura de Zwelidumile Geelboi Mgxaji Malaba Feni (Worcester-Sudáfrica 1942- Nueva York 1991) conocido artísticamente como Dumile Feni o Dumile, que es como firmaba. Uno de los artistas clave en la modernidad africana y un cronista visual de la opresión sistémica bajo el régimen del apartheid. Su obra se caracteriza por un dibujo de línea cruda y una profunda carga existencial, con grandes creaciones pictóricas de difícil clasificación que le valió el temprano reconocimiento como el “Goya de los townships”. Un artista autodidacta con un evidente talento para el dibujo desde la infancia que desarrolló sus habilidades en contacto con otros artistas en Johannesburgo con sus influencias desde El Bosco hasta Käthe Kolwitz y Pablo Picasso, de la poesía de Ingrid Jonker y Wally Sorote, de la música jazz de Gideon Nxumalo y John Coltrane, de quienes consciente o inconscientemente, se nutre su práctica artística. Comenzó a pintar murales con el escultor Ephraim Ngatane, y conocer otros artistas: los escultores Sydnet Kumlao, Ezrom Legae; el pintor Louis Maqhubela, los fotógrafos Peter Magubane y Ernest Cole; los músicos de jazz Hugh Masekela y Miriam Makeba Frecuentar la “Dorkay House” sede de la UniónArtistas Sudafricanos.

Terminó firmando un contrato con la Galery 101 alcanzando un notable éxito en su práctica artística en Johannesburgo, sobre todo con el hito de su relevancia histórica con el African Guernica(1967),  su denuncia política con una estética expresionista de alcance universal. La práctica de la censura de su obra le llevó al exilio en 1968 primero en Londres y posteriormente a los Estados Unidos consolidándose como un referente de la resistencia cultural en el exterior. En 1991 se produce su fallecimiento repentino poco antes de su proyectado retorno tras la liberación de Nelson Mandela. Su legado es hoy objeto de una profunda revisión crítica para situar su obra en el centro de las narrativas del modernismo global.

La deuda de Picasso con el arte africano es ampliamente reconocida. Él consideraba que su abstracción formal era tanto posibilitadora como portadora de propiedades mágicas o espirituales. Dumile, paradójicamente, reconoce la deuda de Picasso con África al entablar un diálogo con su lenguaje e imaginería artística.

"JUAN USLÉ, ese barco en la montaña", gran antológica del artista que recorre cuatro décadas de su trabajo

* Se podrá visitar entre el 26 de noviembre de 2025 y el 20 de abril de 2026

Juan Uslé, Manthis, 1998-1999. Colección Museo Helga de Alvear, Cáceres. © Juan Uslé, VEGAP, Madrid, 2025

L.M.A.

        20.11.2025.- Madrid.- La muestra propone un recorrido circular en el que lo cronológico se entrelaza con las interrelaciones existentes entre las series o familias de obras y reúne casi un centenar de obras, piezas pictóricas y fotografías, de uno de nuestros artistas más reconocidos.

    El director del Museo, Manuel Segade, ha anunciado la donación, por parte del artista, de tres de las obras de esta exposición, que formarán parte de la Colección del Reina Sofía a partir de ahora. 

Maruja Mallo, Sorpresa del trigo, 1936

    Juan Uslé, Manthis, 1998-1999. Colección Museo Helga de Alvear, Cáceres. © Juan Uslé, VEGAP, Madrid, 2025

    El director del Museo Reina Sofía, Manuel Segade, ha presentado esta mañana la exposición Juan Uslé. Ese barco en la montaña, que muestra cuarenta años de trabajo de uno de nuestros artistas más destacados y de mayor proyección internacional, y se podrá ver desde el 26 de noviembre de 2025 hasta el 20 de abril de 2026 en la planta 1 del edificio Nouvel. En la presentación ha estado acompañado por el propio Juan Uslé y por el comisario de la muestra, Ángel Calvo Ulloa. 

    El director del Museo, Manuel Segade, ha anunciado la donación de tres obras que se encontraban en depósito en el Museo y que formarán parte de la Colección de manera permanente. Se trata de tres pequeñas pinturas que se expusieron en Documenta IX de 1992 y cuyos títulos son Guess-who, Pio-Peo y Engo-Engo 1992, que se pueden ver en la cuarta sala de la exposición. 

    Juan Uslé, por su parte, ha definido la exposición como “una travesía, un periplo, ya que el propio discurso físico de las salas nos recuerda a un óvalo, espiral o círculo, se puede leer de varios modos, se puede empezar y seguir empezando al revés, revisar o volver, o buscar el centro”. 

    En un esfuerzo por buscar a Juan Uslé desde otro lugar, ​​​​​​Segade propuso al artista trabajar con un comisario perteneciente a una generación anterior, Ángel Calvo Ulloa, quien ha explicado que “su propuesta buscaba no separar las pinturas por familias sino también por periodos, intentando hacer entender cómo de la última sala a la primera se genera una tensión casi eléctrica que las vincula”. 

    Juan Uslé. Ese barco en la montaña propone un recorrido circular por once salas donde lo cronológico y lo discursivo dialogan en una evolución marcada por la diversidad formal. El trabajo de este artista nacido en 1954 en Santander y que reside a caballo entre su Cantabria natal y Nueva York, se caracteriza por la exploración constante de la abstracción lírica, por una pintura que se convierte en ritmo, respiración y memoria, articulando un lenguaje visual profundamente íntimo que oscila entre lo gestual y lo geométrico. 

    El itinerario sugerido vincula la vida del artista con su obra, establece paralelismos entre períodos y familias, denominación que Uslé suele dar a las diferentes piezas de series que crea. Aparentemente distintas, presentan sin embargo una coherencia en el propósito con el que han sido realizadas, dando muestra de la versatilidad de este gran creador. 

    El punto de arranque de esta revisión de la obra de la artista realizada por el joven comisario Ángel Calvo Ulloa es un acontecimiento que marcó a Uslé en su infancia y que lo acompaña en los años siguientes, hasta comenzar a plasmarlo en las obras que realiza poco tiempo antes de trasladarse a Nueva York en 1987: el hundimiento en un punto cercano a su vivienda del buque Elorrio, en el año 1960. A partir de ahí, se inicia un recorrido que plasma la manera en que Uslé crea, descubre, evoluciona y vuelve a visitar territorios e ideas a lo largo de su extensa carrera. 

Entre lo vivido y lo soñado

    Desde las obras inspiradas en su tránsito atlántico hasta Soñé que revelabas, serie que ha marcado el estilo de Juan Uslé en los últimos treinta años, se podrán ver representadas las familias Celibataires, Rizomas, Nemasté, Manthis o The Last Dreams of Captain Nemo. 

    En total, casi un centenar de sus creaciones, pertenecientes a colecciones públicas y privadas, así como al fondo conservado por Juan Uslé y Victoria Civera, que sitúan al visitante en un territorio que se mueve entre la consciencia plena y lo onírico. Junto con las piezas pictóricas, se podrá ver también parte de la producción fotográfica de Uslé, que consolida como voz propia en la década de los noventa y que se convierte en esta ocasión en el medio principal de la instalación Línea Dolca propuesta en las salas 9 y 10. 

    Esta es la segunda muestra que el Museo Reina Sofía dedica a Juan Uslé. La primera tuvo lugar en 2003 en el Palacio de Velázquez, con el título Open Rooms. Veinte años después, se propone una nueva mirada hacia la obra de un pintor contemporáneo clave, Premio Nacional de las Artes Plásticas en 2002. 

    Charla inaugural

    El martes 25 de noviembre, a las 19h, en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía, autor y comisario mantendrán una conversación abierta al público en la que hablarán sobre la obra del pintor, su proceso de creación y el contexto en el que este tiene lugar. 

    Por otro lado, el Museo ha editado un catálogo que incluye textos de Ángel Calvo Ulloa, Érik Bullot, Andrea Soto Calderón y una conversación mantenida entre Juan Uslé y Kevin Power de forma intermitente entre los años 2000 y 2003.

    "Exposición Organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia"

Presentación Nueva Temporada 2025-2026 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

 

Mayca NÖIS

    17/09/2025.- Como es habitual en estas fechas,  desde su llegada al Centro, el director Manuel Segade convoca rueda de prensa con coloquio a su, en esta ocasión, muy extensa programación de eventos . Teniendo en cuenta que prácticamente la totalidad del programa pertenece ya a su labor personal puesto que ha tenido que realizar, hasta el momento, programaciones de la dirección anterior.

    El nuevo programa ofrece una presentación de colecciones más contemporáneas en febrero, apertura de programas públicos, y nuevas líneas de investigación y estudios.

    En la enorme diversidad de las prácticas artísticas modernas y contemporáneas se continúa explorando la clave en importancia de las mujeres. Como primera  atestiguación se comienza con una artista fundamental del 27 Maruja Mallo y la recuperación de una de las más importantes artistas textiles del siglo XX Aurelia Muñoz. Además la intervención de la peruana Andrea Canepa en la lona que cubre el Palacio de Cristal del Retiro.

    Programa de exposiciones de octubre 25 a octubre 26: Maruja Mallo.Máscara y compás; Juan Uslé.Ese barco en la montaña; Oliver Laxe, bailad como si nadie os viera; Andrea Canepa (Palacio de Cristal); Alberto Greco,viva el arte vivo; Aurelia Muñoz, entes; Feliz González-Torres.Sweet revenge.

    Febrero del 26 será el mes de la presentación de las colecciones en un relato nuevo de los últimos 50 años contados desde España, a través de la obra de más de doscientos artistas. Con especial hincapié en una nueva forma de acogida y comodidad para los públicos del museo

    En marzo se dará el arranque en un ciclo singular que continuará en los próximos años: “La Historia no se repite, pero rima” en que se pondrán obras fundamentales de otras geografías y cronologías en diálogo con el Guernica. Para lo que el programa se dará comienzo con una obra realizada en los años 60 como una denuncia del apartheid en Sudáfrica: el “African Guernica” del artista clave de la modernidad africana Dumile Feni.

    Los programas públicos van a mostrar líneas inéditas que se abren a nuevas disciplinas en la programación del Reina como son: la música contemporánea, el cómic, ciclos de encuentros con agentes de diferentes museos que actualizarán el debate sobre el presente y el futuro de las instituciones del arte contemporáneo internacional.

    Tan extensa producción requiere nuevas direcciones de estudios y comunicación. En la dirección de estudios junto al proyecto del Instituto Cáder de Arte Contemporáneo se suma el Laboratorio de Institucionalidad Compartida. Continuidad de los programas de máster, becas y cátedras con los que se amplían los horizontes académicos y de investigación del Museo.

    El cine del Museo, en la nueva sala, estará dotado con nuevos medios y programación de experimentación en torno al cine de exposición y los programas de investigación y debate sobre las prácticas de creación audiovisual.

Con la nueva web del Museo se culmina el proceso comenzado para adaptar los medios digitales del Centro a las demandas de los usuarios no solo como herramienta de difusión sino como plataforma productora de contenidos y archivo de actividad.

El Reina está inmerso en la trasformación de la arquitectura de sus edificios. Se continuarán las obras de las fachadas de las sedes Sabatini y Nouvel, y los  trabajos en el Palacio de Cristal. El Palacio de Velázquez en El Retiro abrirá con un nuevo programa expositivo en la primavera del 26.

Una efeméride importante.  El 26 de mayo del 2026 se cumplen 40 años de la inauguración, en el Edificio Sabatini,  el Centro de Arte Reina Sofía.

Asistir a las programaciones, eventos y novedades será lo que el público y la cultura de nuestra gran capital requiere.

El Museo Reina Sofia se cubre con obras emblemáticas de su colección durante la restauración de sus fachadas

Museo Reina Sofía

Mayca NÖIS

16/06/2025.-  Al igual que sucede con el gran friso en las obras de la Casa de Cristal del Parque del Retiro, el Reina Sofia se cubre con obras emblemáticas de su colección durante la restauración de sus fachadas.

El proyecto incluye mostrar en sus fachadas obras de maruja Mallo, Ángeles Santos, Elena Asins y Juan Gris mientras duran las obras de restauración en la sede central del Museo.

Obras en restauración  de las fachadas de los edificios Sabatini y Nouvel  pertenecientes a su sede central con un gran presupuesto que cuenta con la financiación de Fondos Europeos a través del Plan de Recuperación, Trasformación y Resiliencia (PRTR).Se ha realizado mediante el encargo a la Sociedad Mercantil Estatal de Gestión Inmobiliaria de Patrimonio –M.P.S.A- (SEGIPSA) por parte del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia.

Como objetivo de modernizar el sector turístico español desde una perspectiva integral. Enmarcado dentro de la financiación de proyectos sostenibles de mantenimiento y rehabilitación del patrimonio histórico con uso turístico. Se efectúa en alineación en la mejora del estado de conservación de las fachadas exteriores e interiores del edificio de Sabatini y de la adecuación de la terraza situada en la tercera planta. También se procederá  a la renovación de la pintura exterior de la estructura metálica de la ampliación del Nouvel. Para su realización se emplearán materiales sostenibles que contribuyan a la conservación y eficiencia medioambiental del conjunto.

En la primera fase se ha instalado un andamiaje en la fachada del edificio Sabatini con grandes lonas impresas. Intervención y desarrollo del proyecto “El Museo sale a la calle”  en colaboración con El Corte Inglés.

Desde la plaza Juan Goytisolo, se puede contemplar – en gran formato- tres piezas icónicas: “La Verbena” de Maruja Mallo, “La Tertulia” de Ángeles Santos y “Estructuras ópticas” de Elena Asins. Tres grandes artistas mujeres.

En la fachada que da la Ronda de Atocha será presidida por el “Retrato de Madame Josette Gris” de Juan Gris.

Marisa González. Un modo de hacer generativo, el reconocimiento a una artista adelantada a su tiempo

La exposición antológica de Marisa González, Un modo de hacer generativo, repasa la trayectoria de esta artista nacida en Bilbao en 1943, considerada una de las pioneras en España en combinar la creación artística y las tecnologías de comunicación y reproducción de imágenes. Esta muestra es, según el director del Museo Reina Sofía, Manuel Segade, “una deuda contraída y un reconocimiento a la trayectoria y al universo estético de esta artista, Premio Velázquez, que sigue en plena potencia intelectual y que destaca además por su contribución al feminismo o la ecología”. Vista de sala de la exposición Marisa González. Un modo de hacer generativo. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Mayo 2025 Archivo fotográfico del Museo Reina Sofía.         L.M.A.         19.05.2025.- Madrid .- El director del Museo Reina Sofía, Manuel Segade, y la artista, Marisa González, han presentado hoy la exposición Un modo de hacer generativo, la gran antológica de la artista bilbaína, pionera en combinar la creación artística y las tecnologías de comunicación y reproducción de imágenes. En la rueda de prensa también han participado la comisaria de la muestra, Violeta Janeiro Alfageme, el subdirector general de Artes Visuales y Creación Contemporánea del Ministerio de Cultura, Jesús Carrillo, la delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, Marta María Rivera de la Cruz, organismo colaborador, y el concejal de Cultura y Gobernanza del Ayuntamiento de Bilbao, Gonzalo Olabarria, representante del Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao, a donde itinerará la exposición tras su paso por Madrid. Esta exposición, ha dicho Manuel Segade en la presentación, “es una deuda contraída y un reconocimiento a la trayectoria y al universo estético de esta artista, Premio Velázquez, que sigue en plena potencia intelectual y de la que ha destacado su contribución al feminismo o la ecología además del uso de las herramientas tecnológicos al servicio de la creación artística. El subdirector general de Artes Visuales y Creación Contemporánea, Jesús Carrillo, ha agradecido "este reconocimiento tardío, ya que las instituciones no han cuidado como deberían una figura como Marisa González, Premio Velázquez de las Artes, otorgado por el Ministerio de Cultura en 2023". La delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, Marta María Rivera de la Cruz, se ha mostrado satisfecha de la colaboración de la institución municipal con el Museo Reina Sofía, además de “por el gran talento de la artista, porque ha demostrado que el arte es una potente herramienta de transformación”. El concejal de Cultura y Gobernanza del Ayuntamiento de Bilbao, Gonzalo Olabarria, representante del Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao, a donde itinerará la exposición tras su paso por Madrid ( 29 de octubre), ha puesto en valor “el arte valiente, que agita conciencias, el arte intemporal de Marisa González, que en esta exposición refleja el desmantelamiento de dos símbolos del País Vasco, la Central Nuclear de Lemóniz y la Panificadora”. La comisaria Violeta Janeiro Alfageme, ha calificado a Marisa González como una “adelantada a su tiempo, que ha roto cánones, que militó en la lucha antifranquista, en el asociacionismo y se sumó al feminismo, y de la que era muy necesario sacar a la luz su legado, que es como un agujero negro, por lo inabarcable, y por desgracia acumulado la mayoría en su estudio”. La artista, Marisa González, que ha acudido a la rueda de prensa con el mismo vestido que llevaba en la inauguración del Museo Reina Sofía, en 1986, cuando co-comisarió una de las exposiciones inagurales, ha reconocido que trabaja durante años en cada proyecto y lo guarda todo, “cada obra dura años, en esta exposición hay una pequeña representación de mi trabajo. Y si de algo me ha servido usar los medios tecnológicos desde tan temprano, ha dicho con humor,  es que, a pesar de tener un nombre tan común, lo tengo para mí en la Wikipedia y en mi página web”. La exposición antológica de Marisa González, Un modo de hacer generativo, repasa la trayectoria de esta artista nacida en Bilbao en 1943, considerada una de las pioneras en España en combinar la creación artística y las tecnologías de comunicación y reproducción de imágenes. Siempre dentro de las artes visuales, trabaja con las fotocopiadoras, la fotografía, el vídeo y el ordenador. Premio Velázquez de las Artes de 2023, a sus 81 años continúa desarrollando su minucioso trabajo en Madrid. Esta gran antológica, comisariada por la historiadora del arte e investigadora, Violeta Janeiro Alfageme, recoge cinco décadas de producción de la artista y muestra cerca de una veintena de sus grandes series y proyectos. Su trabajo, que se desmarca de los medios artísticos convencionales, utiliza las máquinas —fotocopiadoras a color, termofaxes, y otras herramientas que en su momento han sido tecnología punta— para idear un arte que no es copiativo o replicativo sino generativo. Marisa González ha creado un método propio, un lenguaje, en el que toman protagonismo la inmediatez, el azar, la prueba y el error.

"NESTOR reencontrado". La gran antológica que recupera la figura del artista canario Néstor Martín-Fernández de la Torre

La muestra se podrá ver entre el 14 de mayo y el 8 de septiembre de 2025

La muestra recoge cerca de 200 obras de este polifacético artista canario que se movió entre el modernismo, el decadentismo y el simbolismo, y cuya obra mostró una profunda fascinación por los cuerpos andróginos, con una sensualidad y homoerotismo que desafió los estándares morales de su tiempo.                  

NÉSTOR MARTÍN-FERNÁNDEZ DE LA TORRE Poema del Atlántico:La Tarde, 1917-18. Óleo sobre lienzo. Museo Néstor, Las Palmas de Gran Canaria.

​​    13.05.2025.- Madrid.- La exposición "Nestor reencontraso" ocupa en total 10 salas que muestran las diferentes facetas que cultivó el artista: pinturas de estilos diversos, murales, arquitectura y escenografías teatrales de autores tan destacados como Manuel de Falla o la Argentina. 

    El director del Museo Reina Sofía, Manuel Segade, el consejero de Cultura del Cabildo de Tenerife y presidente del TEA Tenerife Espacio de las Artes, José Carlos Acha , junto al director del Museo Néstor de las Palmas de Gran Canaria, Daniel Montesdeoca, y el comisario  de la exposición, Juan Vicente Aliaga, han presentado hoy la exposición Néstor reencontrado, la gran antológica que recupera la figura del artista canario Néstor Martín-Fernández de la Torre (Las Palmas de Gran Canaria, 1887-1938).

    Según el director del Museo Reina Sofía, Manuel Segade, “esta exposición nos permite rescatar una figura central de la pintura de fin de siglo y hablar de una época que habitualmente permanece abandonada”. El comisario de la muestra, Juan Vicente Aliaga, ha resaltado “la capacidad de Néstor de separarse de la ortodoxia y cultivar algo inusual en la época, la indefinición de sus figuras que van más allá de los dos sexos o los dos géneros”. El presidente del TEA, José Carlos Acha, ha destacado “la figura inmensa y polifacética de Néstor que ha marcado un hito en Canarias”. Por su parte, el director del Museo Néstor de las Palmas de Gran Canaria, Daniel Montesdeoca, ha subrayado “la gran aportación de este artista culto y polifacético, que además de pintor fue uno de los más grandes figurinistas y escenógrafos de la época y que llegó a la epidermis del pueblo canario”. 

    En la muestra se exponen casi 200 obras en las que Néstor fue plasmando su arte en diferentes disciplinas: pinturas de estilos diversos, murales, arquitectura y escenografías teatrales de autores tan destacados como Manuel de Falla o la Argentina. Entre el modernismo, el decadentismo y el simbolismo, su obra muestra una profunda fascinación por los cuerpos andróginos, con una sensualidad y homoerotismo que desafió los estándares morales de su tiempo. 

    Organizada en estrecha colaboración con el TEA Tenerife Espacio de las Artes y Museo Néstor de las Palmas de Gran Canaria, que ha aportado la mayor parte de las obras, la exposición permanecerá abierta al público desde el 14 de mayo hasta el 8 de septiembre de 2025.

    Con motivo de esta exposición tendrá lugar un encuentro, organizado por el departamento de Programas Públicos, entre Juan Vicente Aliaga, comisario de la muestra, y Manuel Segade, director del Museo, para profundizar en la obra de este importante artista canario. Será hoy martes, 13 de mayo, en el Cine del Museo, en el Edificio Sabatini, a las 19:00 horas.

Presentación del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC) en el Museo Reina Sofía

Mayca NÖIS

        28/02/2025.- Madrid.- Se presenta a los medios la creación de un nuevo instituto dedicado a la investigación y difusión del arte centroamericano, creado en colaboración con la Fundación Museo Reina Sofía.

    Presentan el acto: el salvadoreño Mario Cáder-Frech, filántropo, gestor cultural, coleccionista de arte, patrono de la Fundación Museo Reina Sofía a través de la cual ha donado más de cincuenta obras al Museo, muchas de las cuales están expuestas en las salas de la colección. Creador del Instituto Cáder de Arte Centroamericano junto a otras iniciativas entre las que destaca la creación junto con el empresario y coleccionista Robert S.Wennett de   “The Robert S.Wennett and Mario Cader-Frech Foundation” que promueve el programa Y.ES Contemporary en apoyo y desarrollo de los artistas plásticos de El Salvador.

    Le acompañan el director del Museo Reina Sofía Manuel Segade, la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza; la directora de estudios Julia Morandeira y la directora de la fundación Museo Reina Sofía Carolina González.

    El instituto con el objetivo de promover investigación y difusión del arte centroamericano se aloja en la Dirección de Estudios del Museo e impulsado en colaboración con la Fundación Museo Reina Sofía y su homónima estadounidense  aprovechando en el exterior los recursos institucionales del museo teniendo en cuenta conectarlo en redes y con alianzas internacionales.

    Cuenta con un programa de trabajo: en lo que se considera uno de los más importantes la invitación a un investigador-a de origen centroamericano seleccionado por el Museo Reina Sofía y Mario Cáder-Frech para una anualidad en estancia residencial contando con el seguimiento y acompañamiento en su investigación poniendo a su disposición diferentes herramientas. En el año 2025 el investigador residente del ICAC es el comisario, artista y profesor salvadoreño Patricio Majano.

    A través de una beca de estudios el ICAC apoya la formación para estudiantes de origen centroamericano con el objeto de cursar el máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual impartido por la Universidad Complutense  y la Universidad Autónoma de Madrid en colaboración con el Museo Reina Sofía. Beca que cubre: matricula del máster, bolsa de viaje y manutención.

    Dentro del programa de cooperación;  el intercambio activo con los equipos de las colecciones del Museo y el trabajo activo con los equipos de la Biblioteca del Museo con la intención de incrementar los fondos bibliográficos y de documentación sobre el arte de Centroamérica

    El sistema organizativo para desarrollar estas actividades del instituto Cáder de Arte Centroamericano cuenta con un Comité Asesor compuesto por profesionales que trabajan desde y por la región. El grupo compositivo comparte ideas, recursos y proyectos estratégicos con la finalidad de promover la colaboración entre profesionales e instituciones de todo el mundo y de Centroamérica.

    Al Comité Asesor se le une el Consejo ICAC formado por mecenas internacionales que se han comprometido con la misión del ICAC con lo que se garantiza la sostenibilidad y viabilidad del programa en el tiempo.

    El año 2025 cuenta con un presupuesto estimado en 88.000 euros que incluyen las becas de investigación y estudio, las actividades relacionadas, la adquisición de obras y los fondos bibliográficos para las colecciones del Museo y la Biblioteca.

    El Museo Reina Sofía en su esfuerzo por ofrecer a los distintos públicos una dimensión internacional en la escena artística contemporánea mantiene su apuesta por el arte latinoamericano en la línea de adquisición para las colecciones. Labor posibilitada con la creación en 2012 de la Fundación Museo Reina Sofía y de su homóloga  estadounidense.

    Cuenta en los últimos años, en su mayoría, con donaciones de miembros de la Fundación como Cáder-Frech lo que ha dado lugar a una Colección de Arte Contemporáneo con 2.628 obras en la actualidad. Supone un 9,13% del total de fondos de las colecciones del Museo. El porcentaje de 5,48% son obras de artistas centroamericanos en un total de 144 que corresponden: Guatemala (64) El Salvador (47), Panamá (20 todas de Julio Augusto Zachrisson), Costa Rica (8), Nicaragua (4) y Honduras (1).

    El ICAC en sus objetivos: generar investigaciones en torno a las obras y artistas centroamericanos o de su diáspora incluidos en las Colecciones del Museo Reina Sofía; proponer la adquisición de obras de artistas de la región con la ayuda de la Fundación Museo Reina Sofía; activar la colección de arte de la región con programas públicos y seminarios de trabajo interno; promover la escritura crítica, historiográfica y ensayista sobre los artistas centroamericanos en la colección y sobre la región y adquirir recursos bibliográficos y hemerográficos especializados en la región que estarán a disposición como recursos bibliotecarios del Museo Reina Sofía.

    La muestra del artista guatemalteco Naufus Ramirez-Figueroa coincide con la iniciación del Instituto y se abrirá al público del 28 de mayo al 20 de octubre de 2025 correspondiendo con el programa expositivo del Museo. Una exposición que mostrará la complejidad y riqueza narrativa del artista en su excepcional conjunto de obra de sus piezas seleccionadas de los dos últimos años de  sus trabajos en su continua investigación sobre el pueblo Ch´olti.

    Se realizarán proyectos integrales dirigidos a la comunidad centroamericana residente en España con visitas guiadas y actividades guidas de encuentro y divulgación.

    Todas las intervenciones por los integrantes,  presentes en la convocatoria, se han dirigido a  comunicar la amplitud de un proyecto ilusionante que cubre un sector expositivo específico.

El Museo Reina Sofía presentará en 2025 nueve exposiciones, cinco de ellas de mujeres artistas

Más de la mitad de los artistas son españoles

Museo Reina Sofía

L. M. A.

        06.01.2025 .- El Museo Reina Sofía presentará en 2025 nueve exposiciones, cinco de ellas de mujeres artistas

Las exposiciones de Huguette Caland, Laia Estruch, Marisa González, Maruja Mallo, Marta Minujín, Néstor Fernández de la Torre, Naufus Ramírez Figueroa, Oliver Laxe y Juan Uslé se podrán ver en el Reina Sofía en 2025. 

HUGUETTE CALAND, Visages, 1979. The Museum of Modern Art, New York. Gift of Sandra and Tony Tamer, Anonymous, Xin Zhang, Lonti Ebers, and The Modern Women’s Fund, 2021. © Courtesy of Huguette Caland Estate. Photo: © 2024 Digital image, The Museum of Modern Art, New York/Scala, Florence

El Museo Reina Sofía inaugurará en 2025 nueve exposiciones, cinco de ellas de mujeres artistas: Huguette Caland, Laia Estruch, Marisa González, Maruja Mallo y Marta Minujín. Los artistas Néstor Fernández de la Torre, Naufus Ramírez Figueroa, Oliver Laxe y Juan Uslé completan este programa expositivo. Las nuevas exposiciones se unen a las cuatro inauguradas en el último cuatrimestre de 2024 que se podrán seguir viendo hasta el mes de marzo de 2025: Soledad Sevilla, Esperpento, En el aire conmovido y Grada Kilomba.

A partir del 19 de febrero, se podrá ver Huguette Caland. Una vida en pocas líneas, la primera gran retrospectiva en Europa de la artista libanesa Huguette Caland (Beirut, 1931-2019), cuya vida y obra supuso un constante desafío a las convenciones estéticas, sociales y sexuales de su tiempo. La exposición instalativa Hello Everyone, con todos los proyectos que la artista Laia Estruch (Barcelona, 1981) ha producido desde el 2011 hasta la fecha,  se podrá visitar a partir del 26 de febrero. La tercera exposición, Néstor Reencontrado, a partir del 14 de mayo, abordará la figura olvidada de Néstor Martín-Fernández de la Torre (Las Palmas de Gran Canaria, 1887-1938). La retrospectiva de Marisa González (Bilbao, 1943) que repasará la trayectoria de esta artista Premio Velázquez en 2023, se abrirá al público el 21 de mayo. A partir del 28 de mayo, se podrá ver la muestra de Naufus Ramírez-Figueroa (Ciudad de Guatemala, Guatemala, 1978), donde se entrelazan los objetos escultóricos, la performance y las grabaciones fílmicas y de sonido. 

A partir del 1 de octubre, el Museo Reina Sofía presentará HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, una proyecto de Oliver Laxe (París, 1982), uno de los cineastas contemporáneos con mayor proyección internacional. La exposición de Maruja Mallo (Vivero 1902 – Madrid 1995), una de las principales figuras de la Generación del 27, se podrá ver a partir del 8 de octubre. La muestra incluye unas 80 pinturas, dibujos, escritos, y documentos y vídeos que recogen su vida e ideas.

A partir del 22 de octubre se podrá ver en el Reina Sofía una gran muestra antológica de Juan Uslé (Santander, 1954), uno de los artistas españoles más destacados a nivel internacional de las últimas décadas. Y, por último, a partir del 5 de noviembre, se podrá visitar La Menesunda según Marta Minujín, una experiencia radicalmente inmersiva y participativa que girará alrededor de la emblemática instalación creada originalmente por Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) y Rubén Santantonín en 1965.

El Museo Reina Sofía incorpora a sus Colecciones, en 2024, 470 obras de 227 artistas por valor de casi 8 millones de euros

Ángeles Santos : La Marquesa de Alquibla, 1928. Óleo sobre lienzo 130 x 97 cm

Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía

• De las obras que ha adquirido el Museo un 50% son de artistas mujeres. Y de las que ha adquirido el Ministerio adscritas al Museo, son de mujeres artistas un 72%
• La cantidad aportada por el Museo ha sido 1.326.327,5 euros y la del Ministerio ha sido 1.137.798,45 euros.

L.M.A.          Foto: Julia Sáez-Angulo             17.12.2024.- Madrid .- En el año 2024, el Museo Reina Sofía ha reforzado sus Colecciones con un total de 470 obras de artistas como los españoles Ángeles Santos, José Pérez Ocaña, Colita, Pilar Albarracín, Ana Laura Aláez, Carles Congost, Joan Morey o Cristina Lucas, o artistas extranjeros como André Masson, Alice Rahon, Allan McCollum, Regina José Galindo, Miguel Ángel Rojas o Yasumasa Morimura, entre otros. Tanto en las adquisiciones del Museo como en las del Ministerio ha primado la incorporación de mujeres artistas, especialmente del panorama nacional, aunque no exclusivamente. De esta forma, excluyendo las obras adquiridas por subasta cuyo único criterio es el de la oportunidad de la salida al mercado y la urgencia de su incorporación a los fondos públicos, las artistas mujeres suponen el 56% de las adquisiciones del Ministerio y el Museo. Las Colecciones del Museo Reina Sofía crecen fundamentalmente por tres vías: las adquisiciones con recursos económicos del propio museo y la donación de obras a la institución; las adquisiciones con recursos económicos del Ministerio de Cultura, que incluye tanto las compras en la feria ARCO como las subastas aprobadas por la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico; y los depósitos de obras de la Fundación Museo Reina Sofía, tanto adquisiciones como donaciones. Cualquier incorporación a los fondos nacionales atraviesa primero los filtros de los técnicos conservadores del Departamento de Colecciones y luego la aprobación de la Comisión permanente del Real Patronato del Museo Reina Sofía, además de cumplir con los procesos administrativos que determina la administración pública.     Nota Bene .- No hay obras adquiridas en dación, porque el Ministerio de Hacienda de España hace años que no admite. Al parecer, solo quiere liquidez. El País Vasco sí acepta sin embargo esta fórmula jurídica de la dación para su territorio, a través de sus Diputaciones.     Las adquisiciones para el Museo Reina Sofía se hacen a partir de los años 60 del siglo XIX, aproximadamente, que es cuando comienza la modernidad y las vanguardias, según declaró el director de la institución.     El Comité de Selección del Museo estudia cada caso de depósito de obras, donaciones de coleccionistas y adquisición de obra en subastas, donde, en algunos casos se producen especulaciones con nombres de artistas. El Museo trata de desprenderse de comodatos o legados no fundamentales, que no añada valor especial a las colecciones y causen problemas en el siempre escaso espacio de almacenaje     Al arte primitivo de algunas etnias, respecto al arte académico, ya no se denomina "arte naif", por considrarlo inferior sino "arte indígena", del que se están adquiriendo obras de diversas comunidades, sobre todo de Brasil.     La Colección del Museo Reina Sofía trata de cuidar especialmente la adquisición de obras relevantes de artistas actuales españoles e iberoamericanos, a ser posible en el presente, aún a riesgo de futura valoraci´çon o apreciación, para evitar la máxima cotización que los haga inalcanzables en un futuro.     El número de obras adquiridas cada año por el Reina Sofía vienen a ser unas 300.

Exposición:” EVA LOOTZ. Hacer como quien dice ¿Y esto qué es?”

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Edificio Sabatini 1ª planta

Del 12 de junio al 02 de septiembre de 2024

 

Mayca NÖIS

11/06/2024.- Se presenta a los medios por el Museo en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid la exposición de la artista plástica austriaca, nacionalizada  y residente en España desde 1967, EVA LOOTZ (Viena 1940).

Concurrente en el tiempo con la actual en la Sala Alcalá 31, del 8 de mayo al 21 de julio otra exposición “Si aún quieres ver algo” en su línea sobre las resonancias, la luz y los límites de la percepción.

Hace introducción de la artista el actual director del Museo, Manuel Segade,”Me hace muy feliz presentar este proyecto. Heredo una programación que va a durar hasta el año 26 y este es el primer hueco en el que insertamos algo nuestro.. Se ha hecho muy rápidamente pero merecía la pena ya que Eva es una de las pioneras en lo que entendemos como el Arte contemporáneo en España. El año pasado, justo un mes después de mi llegada al Museo, se formalizó la donación de 36 piezas y una promesa de legado de más trabajo. Todo es parte de lo que se va a poder disfrutar en esta exposición. Su trabajo es relevante en las formas, en la materia, temas con la psicología del lenguaje. Digamos tiene una producción hipercompleja  siendo una artista capaz de trasmitir la experiencia sensorial. Se le agradece su trabajo y donación que se puede apreciar atravesando las salas con un ritmo que a veces no es habitual. El merito se debe al trabajo trasversal del comisariado y equipo. Tener en cuenta la colaboración por primera vez del Ayuntamiento de Madrid que se espera sea una relación que se prologue en el tiempo”

Eva Lootz se expresa ”Mi agradecimiento al Museo y a su director por la oportunidad de mostrarme en estas salas que creo son las más hermosas del Museo para ver la gran cantidad de obra que nunca se habían visionado en Madrid.  A Fernando López que ha hecho de comisario con su labor en una de las sensibilidades más equilibradas que conozco. Para hacerlo ha tenido una paciencia infinita para reunirlas desde el desorden, añadiendo su buen trato íntimo e imaginativo que me ayuda a pensar. Gracias también al equipo que me ha acompañado en esta aventura que es una alegría para mí y los diferentes departamentos del Museo sin ellos la exposición no hubiera llegado a buen fin.”

“A continuación haré personalmente un recorrido por las salas y su hilo conductor y sus corrientes que atraviesan todo el trabajo en el que estos 50 años que han ido en paralelo con un nuevo concepto de la materia porque hoy por materia ya no entendemos ese ente pasivo opuesto a la mente que se tenía aún en los años setenta. Mi punto de partida a la hora de realizar el trabajo plástico fue no hacer valoraciones subjetivas por lo que me encaminé a centrarme en los materiales. Pronto abandoné los bastidores y empecé a utilizar líquidos aglutinantes como la parafina, el lacre y el alquil. Así empezaron las piezas en tres dimensiones. Después fundir metales,aquellos naturalmente maleables, como el plomo y el estaño para pasar al mercurio y de ahí a la minería con toda la extracción de minerales y sus repercusiones en la historia que me resultaba más fascinante que las utilizadas en la escultura tradicional. En la exposición de 1985 utilicé 1.500 kg. de mercurio”

“Otro momento sobre todo en la omnipresencia de las pantallas de televisión con las que nuestra visualidad sufría un cambio radical ya no existían las distancias entre los cuerpos y podíamos ver primeros planos con todo detalle. Había empezado esa sobresaturación del ciudadano con datos sensoriales que desemboca en cierta ceguera en la que tal cantidad de datos es imposible de procesar. Este recorrido va haciendo reflexión.”

“Hay un cambio de paradigma que ya en 2024 es un hecho gracias a los grandes físicos, matemáticos, la mibrobiologia en principios del siglo XX que abrió la puerta no solo a la posibilidad de manipular los materiales sino vislumbrar un nuevo concepto de inteligencia y materia. La nueva ciencia de los materiales ha contribuido a no ser una realidad preexistente a priori sino que es un encuentro que permite construir nuevas relaciones en consonancia con otras epistologias. Solo me queda desearles que disfruten de la exposición”

Finaliza las presentaciones el comisario Fernando López (coordinador de Exposiciones Temporales del Museo Reina Sofia) “Como comisario, en una manera de hablar, porque la forma que las exposiciones toman es siempre el resultado conjunto de muchos. Con la elaboración de un buen proyecto se me adjudica este trabajo que agradezco por haber podido realizarlo tan compartido con alguien a quien admiro tanto como Eva y el gran y comprometido equipo de realización. Mi trabajo con Eva procede de una larga trayectoria en el tiempo de su trabajo tan variado y creativo. Siempre con su viveza y curiosidad por todo y su arrojo de dejarse llevar con todas sus consecuencias con lo que el título de la muestra pretende evocar.” …”La verdadera misión de los que hacemos exposiciones no consiste tanto en crear un público para el arte sino permitir vivir una vida con el arte”..”La exposición de Eva no pretende hacer una historia del arte, en su lugar lo que intenta más bien es prestar atención a unas formas de hacer concretas y a la vida de una obra en activo. De ahí que la exposición no lleva una cronología lineal por eso las piezas de los 70 lucen tan jóvenes como las del presente. Todas las declaraciones que se unen a las obras son de quien las siente, las piensa y las hace. No es lo mismo escuchar sobre las instalaciones de un artista a escuchar al propio artista en la exposición en la que se refleja en un viaje sensorial por los distintos estados y vidas de la materia. Para finalizar una pregunta que Eva hace en uno de los escritos ¿Hacia dónde va el viaje?”

A lo largo de 13 salas son más de cien obras en un recorrido panorámico diverso y multimedia con atención especial a los dibujos que funcionan como investigación y diario.

 Se fragmenta en títulos expositivos:

“Las papillas elementales”: Se aleja del lenguaje y busca reflejar la literalidad de los materiales y que ellos mismos se expresen (Lana,fieltro,mercuerio,parafina,cobre) “Supongo que lo que quería por aquél entonces era derretir el mundo y a la vez cocinarlo de nuevo. De hecho no tardé mucho en derretir el plomo y en ocuparme del mercurio. Eso me llevó a su vez a interesarme por la arqueo metalurgia y la minería, por ese peculiar teatro que la extracción de minerales y piedras despliega en el paisaje”

“La nueva ceguera de la visualidad contemporánea” (Un adiós a Isaac Newton 1994-2016) en una blanco total la sala con el suelo cubierto de mármol atravesado por una pasarela que invita a un viaje en solitario “Es un escenario sin actores, un paisaje desplegado en el interior de una sala. Un lugar para un paseo solitario. Un apunte para una meteorología de lo blanco, que envuelve al espectador por todas partes, a punto de producirle la ceguera que produce la nieve”. De aquí se pasa a un espacio con una sola imagen a modo de ojo “Angulo ciego” (2005).”No es más que un pequeño agujero en mi pecho” (2004) y se pregunta “¿dónde comienzan, dónde acaban los ángulos ciegos de la visión?”

“Aguas, ríos, minería de datos y esculturas digitales” contiene medio centenar de dibujos de la serie “Ríos 2” (2006-7)  “Hidrografias”2005 nunca exhibidos “Todo lo relacionado con el agua se caracteriza siempre con un altísimo grado de ambigüedad. Tal vez por eso también las mujeres tenemos que ver con el agua”. Con ayuda de su archivo en 3D y las máquinas de control numérico plasma sus esculturas de mármol de Macael que versan sobre el bajo Guadalquivir.

“La prótesis o el error como método” Una serie de fotografías “Pequeño teatro de derivas”(1994-1998) 24 fotografías en blanco y negro presentadas por primera vez en su totalidad. Escenas teatrales o líricas que reivindican una prótesis en la creación de un cuerpo nuevo que completa el cuerpo anterior.

“Entre manos, nudos y lenguas” entre manos 2011 estudia el juego de los cordeles que conjuga cuerpo,memoria y lenguaje. Los nudos constante en la investigación matematica,filosófica y psicológica en la ciencia El lenguaje y las lenguas en su elemento constante que plasma de muy diversas maneras como en “La lengua de los pájaros” en pieza sonora que reproduce ornitofonias en Valsain (2001)

“La agonía de las lenguas” (2020) tiene que ver con las lenguas que se están perdiendo. En América latina están en peligro de extinción 773 “Los monumentos negativos y la devaluación de la materia” se interesa por la extracción de los minerales y materias primas en los 80 (pozos, canteras, minas) verdaderos monumentos negativos de la revolución industrial. En sala la larga lengua negra de betún hace conexión con otras en bronce, plomo, estaño, fieltro, lacre, parafina o lana.

“El fondo indiferenciado de la consciencias”(20l8-19) “Camisa de invierno”(1993) “Tarea Infinita”(1990) su preocupación por la historia y el papel de las mujeres. 10 manos de bronce sujetan un embudo de metal por el que cae cisco de carbón que le surgen de su interrogación en torno a las mujeres, la subjetividad o la femineidad.

“Doce meses” los doce meses del año 2015 que contienen 14 carpetas de dibujos en papel milimetrado en un mural, no expuesto hasta ahora, y que cierra la exposición “Los dibujos son más bien un campo de exploración independiente, el reflejo más directo de lo que pasa por mi mente y a menudo, sin proponérmelo, funcionan también como diario”.

Lootz comenzó su labor expositiva a partir de 1973 con un largo recorrido internacional, Premio Nacional de las Artes Plásticas 1994.Premio Francisco Prieto de la Fundación Real Casa de la Moneda de Madrid 2009. Premio MAV de las Mujeres en las Artes Visuales y Premio Arte y Mecenazgo 2013

Esta exposición, que puede considerarse ya una retrospectiva, se presenta en un momento temporal en el que la creatividad de la artista está aún en continuo proceso de trabajo como ha quedado bien reflejado en todo el recorrido explicativo que la artista ha brindado a los presentes en la inauguración.