Fotos: Isabelle Hirschi
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lunes, 17 de agosto de 2026
CAPILLA DE PABLO PICASSO EN VALLAURIS. COSTA AZUL. FRANCIA. Fotos: Isabelle Hirschi
miércoles, 8 de abril de 2026
EL “GUERNICA” DE PICASSO, UNA PINTURA DISCUTIDA EN SU GÉNESIS Y CONCEPTO
• José María Juarranz, crítico de arte, ofrece su estudio al respecto y argumenta sobre fechas y declaraciones del pintor malagueño
Julia Sáez-Angulo
9/4/26.- Madrid.- Ya sabemos que la táctica de los nacionalistas es la queja y la petición de algo más. Son insaciables como decía el filósofo Julián Marías, por lo que no cabe ni escucharlos. Ahora Bildu, a través del nazi y asesino de ETA (con numerosas muertes a sus espaldas), que preside el partido, reclama el cuadro de Picasso titulado “Guernica”, que se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía, por el simple hecho de que los nazis, sus parientes, bombardearan la localidad vizcaína de Guernica.
Aparte del oportuno principio en las Bellas Artes: “las grandes obras de arte no deben viajar”, por aquello de que “tres traslados equivalen a un incendio”, algo que a los matarifes de Bildu, les importa un bledo, su petición no se sostiene por ningún lado. Solo quieren sonoridad de protesta, lo suyo y si cae la guinda, mejor. Lo malo es que si este gobierno lo necesita, cederá, para esperar después la escena de Fuenteovejuna y que no vuelva. No son de fiar. Su petición es tan solo un chantaje.
El asunto ha traído a colación en la opinión pública sobre la génesis y concepto del cuadro mismo del Guernica. En primer lugar, circula una tesis sobre que el cuadro representa la muerte del torero Ignacio Sánchez Mejías y que dice así
“EL VERDADERO MOTIVO DEL GUERNICA”
“EL GUERNICA es un cuadro que cambió su nombre por obra y gracia de un oportunista, político. El cuadro lo encargó el Gobierno Republicano en 1935, por el que pagó 150.000 ptas. de la época, y su nombre verdadero es "RECUERDO A MI AMIGO SÁNCHEZ MEJÍAS", el inolvidable torero que murió en agosto de 1934.
Cuando le hacen el encargo, se lo dedica a su gran amigo muerto; lo tenía finalizado en febrero de 1937, y cuando ocurre el bombardeo de GUERNICA, estaba ya colgado en el pabellón de España, en la Exposición Universal de París. El nombre "Guernica" se le ocurrió en junio de 1937 al delegado de Cultura de la Generalitat, por lo que su auténtico nombre (RECUERDO A MI AMIGO SÁNCHEZ MEJÍAS), se sustituyó por el nombre de "GUERNICA".
El Guernica no representa ningún bombardeo, sino la muerte de un torero, con el toro encampanado, los caballos espantados, las plañideras gesticulantes, la bombilla de la enfermería y el estoque partido en primer plano.
El torero, yace ROTO, con su espada ROTA, pues ha perdido, y el toro aparece con la espada clavada, con mirada mansa, que es como era "Granadino" (el toro que lo mató).
La simbología de la madre con el niño en brazos, llorando, es la de todas las madres al perder a su hijo, sin importar la edad de este (perder un hijo es antinatural, pues normalmente mueren primero los padres), por lo que muestra su gran angustia, así como todos los otros personajes, pues era un torero muy admirado.
HOMENAJE DE PICASSO A SU TORERO AMIGO fallecido el 13 de agosto de 1934 en Manzanares (Ciudad Real).
PD: . Al morir como consecuencia de una cornada, fue homenajeado por varios poetas de la Generación del 27, en particular por Federico García Lorca en su "Llanto por Ignacio Sánchez Mejías".
TESIS MÁS ACEPTADA SOBRE “LA FAMILIA DE PICASSO"
José María Juarranz, miembro de la Asociación Madrileña de Críticos de Arte, yAMCA, y autor del libro "Guernica. La obra maestra desconocida" (2018), ha investigado sobre el asunto y dice lo siguiente:
“Lo primero que tenemos que decir es que el proceso de elaboración del Guernica se conoce con precisión. Los primeros dibujos los realiza Picasso el 1 de mayo y los últimos son del 4 de junio que es el momento en el que entrega el cuadro. Por lo tanto, no lo tenía hecho como dicen ahí.”
“En segundo lugar, Picasso afirmó en lo que podría considerarse su testamento sobre el Guernica, que los dibujos y grabados que lo acompañan, 62 obras, no pueden separarse del cuadro principal. Lo que nos indica que, para entender el Guernica, hay que entenderlo en conjunto con esas 62 obras que le acompañan y la inmensa mayoría de ellos no tienen nada que ver con los toros. Y sí que todos están relacionados de una manera clara con su entorno, sobre todo sus mujeres”.
“El cuadro es un cuadro simbólico. Los animales que aparecen son un toro, un caballo, un ave además de las diversas personas y la niña en brazos. Estos animales son un toro pero no significa un toro. El caballo es un caballo, pero no significa un caballo, al igual que el ave. Para entenderlo hay que acudir al resto de la obra de Picasso: el toro es el propio Picasso. El caballo es su mujer, Olga Koklova: Picasso dijo que a las mujeres que jugaron un papel importante en su vida (en los años veinte y treinta) los representaba como un caballo: hace referencia a la corrida de toros: cuando el toro clava el cuerno al caballo es como si el hombre penetra a la mujer en el acto sexual.
El ave se refiere a Dora Maar. Hay varias obras en las que hace esta relación”.
“Existen, evidentemente, otras muchas razones, pero, quizás, la más importante, son las frases de Picasso cuando tiene noventa años, recogidas por Roland Dumas: “Los niños, son muy importantes; los juicios y las exposiciones son muy importantes. Pero lo único que me importa es Guernica. El Guernica es mi vida”. Guernica c,est ma vie”.
En otro momento dirá: “el Guernica es la historia más grande de mi vida”.
“No hizo testamento excepto en lo relacionado con el Guernica. Le encargó a Roland Dumas que fuese su albacea respecto al cuadro: no debía venir a España mientras viviese Franco. Tenía que venir a España, al Museo del Prado. Porque sería el tercer gran cuadro de las familias de reyes de España: Felipe IV, Carlos IV y La familia de Picasso. Se autorretratan Velázquez, Goya y Picasso en el toro”.
Concluisión: "Bajo mi punto de vista el Guernica es un cuadro autobiográfico que recoge momentos clave de su vida y su relación con sus mujeres y su hija".
"No tiene absolutamente nada que ver con el bombardeo, ni por supuesto con Guernica, excepto el nombre que surgió, según mi tesis en torno al veinte de mayo ya iniciado el cuadro cuando van a verlo unos amigos, entre ellos Paul Eduard, Zervos y Juan Larrea. Según Larrea, fue uno de ellos quien gritó ¡Guernica! y Picasso lo aceptó.
Más información
https://lamiradaactual.blogspot.com/2023/10/jose-maria-juarranz-el-guernica-la-obra.html
https://www.eldebate.com/cultura/20260409/verdadera-historia-bombardeo-guernica_404411.html
sábado, 6 de septiembre de 2025
Isabelle Hirschi, fotógrafa. Ojos apotropaicos, Beatos y ojos picassianos
Julia Sáez-Angulo
Fotos: Isabelle Hirschi
6/9/25 .- Madrid.- La fotógrafa francesa, que ha visitado de nuevo Madrid, ha mostrado sus fotos de Etiopía en el Torreón de Atocha. En sus fotos, la autora muestra los ojos, tipo apotropaico, de las imágenes de las iglesias etíopes, a la par que las miradas de los niños, jóvenes y personas del país africano, para ver su paralelismo. Esta misma similitud se puede ver en el estilo románico en general, en los Beatos -libros iluminados sobre el Apocalipsis en los monasterios medievales de España- y en los retratos y autorretratos de Pablo Picasso, que se inspiró, según apuntan numerosos historiadores en los citados Beatos. Hay una vieja creencia en que la mirada puede transmitir buenas o malas vibraciones.
En 2016, el Museo Picasso de Málaga mostró una exposición titulada: “Picasso. Juego de Ojos. Colección”, en la que mostraba los ojos pintados por el pintor malagueño en retratos, autorretratos y otras pinturas de personajes. Entre ellos, los ojos de sus musas: Fernande, Olga, Marie-Thérèse, Dora, Françoise, Jacqueline…El pintor aborda de la mirada en función de la visión subjetiva y artística. Los ojos apotropaicos han estado presentes, de una u otra manera, en numerosos movimientos artísticos. Según resumen de la IA, los ojos apotropaicos son representaciones de ojos, a menudo de estilo estilizado y azul, utilizadas como amuletos para alejar el mal, la envidia o los malos espíritus, es decir, para protegerse del "mal de ojo" o de influencias negativas. Estos símbolos se originaron en la antigua Grecia, apareciendo en vasijas del siglo VI a.C., y perduran en la actualidad como amuletos como el nazar (ojo turco) en culturas como la griega y la turca.
El término "apotropaico" proviene del griego apotrépein, que significa "alejar" o "apartar". Los ojos apotropaicos son símbolos mágicos cuya función principal es la de defensa. Se cree que, al mirar directamente al mal o al envidioso, desvían la energía negativa.
Mal de ojo: Es el amuleto por excelencia contra el "mal de ojo", una creencia extendida en muchas culturas que atribuye el daño o la enfermedad a la envidia que se transmite a través de la mirada.
En la Antigua Grecia, el nazar (un ojo estilizado de color azul y blanco) es un ejemplo clásico. Se pintaba en vasijas griegas del siglo VI a.C. para evitar que los espíritus malignos entraran en el cuerpo al beber el vino. En el Antiguo Egipto se asocia con el ojo de Horus, un dios del cielo y la guerra. En Turquía y Oriente Medio, el nazar es un amuleto muy común en la actualidad, también conocido como ojo turco o ojo griego. En la antigua Roma se utilizaban representaciones de Medusa, el Minotauro y la esvástica.
Además de los ojos, existen otros elementos que cumplen una función apotropaica: La herradura, la pata de conejo, la mano de Fátima (Hamsa) o el cornicello son ejemplos de amuletos. En la arquitectura se colocan gárgolas o estatuas de ángeles en iglesias y cementerios tienen una función protectora similar.
Autorretrato de Pablo Picasso (1896). Museo Picasso de Barcelona.
lunes, 18 de marzo de 2024
PABLO PICASSO: ESTRUCTURAS DE LA INVENCIÓN. LA UNIDAD DE UNA OBRA
El Museo Picasso Málaga presenta Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra, una nueva remodelación de la colección que muestra ciento cuarenta y una obras de Pablo Picasso (1881-1973), diez de las cuales es la primera vez que se exponen en nuestro país. Todas las obras expuestas pertenecieron a la colección privada de Pablo Picasso.
Las salas de la colección mostrarán durante tres años la unidad general de la obra de Picasso en lugar de dividir su arte en períodos o estilos concretos. Pinturas, esculturas, dibujos, cerámicas y obra gráfica revelan nuevas conexiones entre el trabajo de Picasso y desafiando las clasificaciones tradicionales.
La nueva disposición se ha realizado con la supervisión académica de Michael FitzGerald, Profesor de Historia del Arte de la Familia Kluger en el Trinity College de Hartford, Connecticut (EEUU), en colaboración con la Fundación Almine y Bernard-Ruiz-Picasso (FABA).
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Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra © Museo Picasso Málaga
19 marzo 2024 .- Málaga .- Primavera 2027 .-Durante los próximos tres años el Museo Picasso Málaga albergará en las salas de la colección la exposición Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra. Gracias a una estrecha colaboración entre el Museo y la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso (FABA), las obras expuestas en las galerías se renuevan para mostrar ciento cuarenta y cuatro obras que, en conjunto, desvelan la personalidad de Pablo Picasso (1881-1973) y su extraordinaria capacidad para crear las estructuras innovadoras que lo convirtieron en uno de los artistas más influyentes de los tiempos modernos.
El comisario de esta transformación, el Profesor de Historia del Arte de la Familia Kluger en el Trinity College de Hartford, Connecticut (EEUU), Michael FitzGerald, afirma que “la creatividad de Picasso surgió de dos inspiraciones aparentemente contrapuestas: innovación y retrospección” y también que “La interacción de estos dos conceptos define los caminos creativos que le permitieron integrar el cubismo, el clasicismo, el surrealismo y sus otras innovaciones en la unidad de trabajo de toda una vida”.
Basándose en estas percepciones, la exposición está concebida para involucrar al espectador en el proceso creativo del artista y estimular su imaginación, creando una nueva cartografía para comprender el trabajo de este gran maestro y creador. Intelectualmente, se rompe con las divisiones convencionales de la obra de Picasso -especialmente por periodos estilísticos y biográficos- para proponer la posibilidad de entender su carrera como un corpus artístico unificado. La mayoría de los estudios aborda los 80 años de trabajo de Picasso según categorías estilísticas, como la época azul y la época rosa; el cubismo, el clasicismo y el surrealismo, al punto de que su obra pareciera quedar reducida a fragmentos aislados que se acumulan unos sobre otros. Otro enfoque de análisis, toma la biografía del artista como punto de partida y las compartimentaciones se efectúan a partir de sus relaciones con las mujeres; nos encontramos entonces con los períodos Fernande Olivier, Olga Khokhlova, Marie-Thérèse Walter, Dora Maar, Françoise Gilot y Jacqueline Roque.
Estas divisiones ocultan la unidad de su trabajo, por lo que la selección y yuxtaposición de las obras que conforman Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra desafían esta segmentación reconectando las etapas de la carrera de Picasso. En una miscelánea de etapas y también de técnicas –pinturas, esculturas, cerámicas, dibujos y obra gráfica- las nuevas conexiones ilustran la manera en la que la asombrosa creatividad del artista permaneció arraigada tanto en sus creaciones anteriores como en sus últimas innovaciones. La nueva transformación del Museo Picasso Málaga revela al visitante la coherencia de la producción del artista, apartándose de las convencionales interpretaciones y presentando en cada sala de la colección obras procedentes de distintas décadas de su carrera. En pocas palabras, se busca ver a Picasso como una totalidad.
Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra © Museo Picasso MálagaUN PASEO POR EL PALACIO DE BUENAVISTA
Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra ofrece al espectador la posibilidad de percibir relaciones a lo largo de la carrera de Picasso al combinar obras de diferentes décadas en la misma sala, subrayando así la continuidad creativa del artista y los constantes intercambios entre sus diversos estilos y técnicas conforme a los acontecimientos de su vida. Estos saltos a lo largo y ancho de la obra de Picasso, producen nuevas conexiones entre obras que raramente se han comparado y demuestra que la asombrosa creatividad de Picasso permanecía arraigada a sus producciones anteriores. Para introducir a los visitantes en esta idea, ya la primera sala presenta un salto en la carrera del pintor desde finales de la década de 1890 hasta 1970.
Pese a la gran variedad del arte de Picasso, los temas de sus obras se ciñen, en gran medida, a las formas tradicionales del arte occidental: la figura humana, la naturaleza muerta y el paisaje. El minotauro, la corrida de toros, la familia, el erotismo… se presentan en el Museo Picasso Málaga en óleos, grabados, esculturas y cerámicas, en una amplia gama de estilos y a lo largo de toda una vida. Cada una de las galerías muestra cómo Picasso renovó el arte redefiniendo tradiciones e inventando nuevas formas de expresión artística.
Las obras del artista expuestas en “Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra” abarcan desde el año 1895 hasta el año 1972. Gran parte de lo expuesto forma parte de la nueva cesión temporal realizada recientemente por la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso (FABA), incluyendo tres óleos, una escultura, una cerámica, tres dibujos y dos cuadernos de dibujo que por primera vez se podrán contemplar en nuestro país. En este grupo de obras nunca antes expuestas en España, destacan los óleos Paul (hijo del artista) (1922) y Cabeza de mujer (1928), así como la escultura Mujer acodada (1933) y un Plat espagnol decorado con una cabeza de toro (1957). Así, Paul (hijo del artista) es un retrato que Picasso hizo de su primer hijo cuya representación en forma de boceto transmite tanto la informalidad de un niño atrapado en ese momento como la elegante belleza del resurgimiento de los estilos clásicos de Picasso. La pintura Cabeza de mujer nos enfrenta a los extremos de emoción y las oscuras profundidades de la psique que el surrealismo convirtió en el tema principal del arte e inspiró gran parte del arte de Picasso a finales de los años 1920 y 1930. Por su parte, Mujer acodada explora las posibilidades que ofrece el yeso como soporte; y en el Plat espagnol decorado con una cabeza de toro, los ojos, el hocico aplastado y la boca ancha evocan una vez más la combinación de ser humano y bestia del Minotauro, y tal vez incluso, al propio Picasso. El nuevo recorrido por el Palacio de Buena vista incluye también tres esculturas africanas que pertenecieron a la colección particular de Pablo Picasso.
Como novedad, se han ubicado en las salas de la colección cinco pequeñas Exposiciones foco, comisariadas por investigadores involucrados en el Programa de Investigación la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso (FABA), que presentan estudios en profundidad de cuestiones centrales para el desarrollo artístico de Picasso. Estos temas abarcan desde su relación con la escultura africana, que muestra obras africanas de la propia colección de Picasso, a cargo de Joshua I. Cohen; hasta sus pinturas sobre paneles de madera, comisariada por Meta Maria Valiusaityte; sus esculturas en yeso en la década de 1930, de Rocío Robles Tardío; su vida en París durante la Segunda Guerra Mundial, por Blair Hartzell; y el enorme mural que pintó en 1957-58 para la sede de la UNESCO en París, comisariada por Giovanni Casini.
Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra © Museo Picasso Málaga
PROGRAMA CULTURAL Y EDUCATIVO
Como es habitual, el Museo Picasso Málaga ofrecerá un continuado programa de actividades culturales en torno a esta exposición. Mañana martes 19 de marzo, el Auditorio Christine Ruiz-Picasso albergará una conferencia inaugural al cargo del comisario Michael FitzGerald. Licenciado por Universidad de Stanford y doctor y máster en Bellas Artes por la Universidad de Columbia, Nueva York, es professor de Historia del Arte en el Trinity College de Hartford, Connecticut, y director del programa de investigación sobre Pablo Picasso de la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA). Entre sus numerosas publicaciones figuran Making Modernism: Picasso and the Creation of a Market for Twentieth-Century Art (1995) y Picasso: The Artist’s Studio (2001). Ha comisariado las exposiciones Picasso and American Art (Whitney Museum of American Art, Nueva York, 2006), Post-Picasso: Reacciones Contemporáneas (Museu Picasso Barcelona, 2014) y Cara a cara: Picasso y los maestros antiguos (Museo de Bellas Artes, Sevilla, y Museo Picasso Málaga, 2021-2022). Participarán asimismo los cinco investigadores, responsables de las Exposiciones foco presentes en el nuevo recorrido de la pinacoteca.
El jardín del museo alberga la instalación participativa “Cubismo Lab” que sirve de introducción a los visitantes a la comprensión de este estilo mediante unas plataformas en las que, a modo de lienzos cubistas, se les invita a interactuar con diversos objetos. Asimismo, están ya en marcha conferencias, actividades culturales, visitas y talleres para centros educativos y para asociaciones de Málaga y Andalucía, propuestas de sábados en familia y nuevos talleres de adultos en torno al grabado y la cerámica.
CRONOLOGÍA Y PUBLICACIÓN
En el mes de junio, el museo presentará un detallado panel cronológico que mostrará a los visitantes la relación de la vida de Picasso con su arte y con los acontecimientos contemporáneos. Este gran panel, que se instalará en el patio cubierto, estará dividido en diez capítulos que recorrerán toda la vida del artista. Cada capítulo incluirá episodios biográficos, fotografías documentales y reproducciones de obras de Picasso para conectar al espectador con el arte expuesto en las salas.
Finalmente, para el mes de octubre está prevista la presentación del catálogo Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra. Una publicación que incluirá contribuciones de numerosos especialistas en más de quinientas páginas profusamente ilustradas con las obras en exposición y fotografías de las salas. Contará con una edición en español y otra en inglés, trasladando al papel la estructura concebida para esta exposición y mostrando el concepto de unidad en la obra de Picasso.
martes, 24 de octubre de 2023
JOSÉ MARÍA JUARRANZ: “El Guernica la obra maestra desconocida”, conferencia organizada por la Asociación Madrileña de Críticos de Arte
J.M. Juarranz y Esther Plaza
L.M.A.
Fotos: Peter Wall y Begoña Izquierdo
24/10/23 .- Madrid .- El profesor y crítico de arte José María Juarranz de la Fuente ha pronunciado una conferencia bajo el título de “El Guernica la obra maestra desconocida” (título de un libro del autor que parafrasea a la novela de Balzac “La obra maestra desconocida”), conferencia organizada por la Asociación Madrileña de Críticos de Arte, AMCA, dentro del centenario de Pablo Picasso (1981-1973).
El libro y la conferencia responden una investigación en la que sostiene que el famoso cuadro de Picasso nada tiene que ver con el bombardeo de la ciudad vasca, sino con la propia vida del pintor malagueño, a juzgar por la utilización del toro y el caballo como símbolos sucesivos del hombre y la mujer, concretamente de Picasso y su esposa Olga. El título de "Guernica", lo propuso el poeta Paul Eluard o Juan Larrea, que habían escrito sobre el bombardeo de Guernica. Picasso simplemente aceptó, ante el el encargo del cuadro por la II República. "El Guernica es la historia más grande de mi vida", dijo Picasso, y Juarranz lo asume de modo literal en el pintor.
"El Guernica es un cuadro que no se explica por sí solo, hay que acudir a los bocetos y proscriptos del cuadros y la escultura de la Dama oferente que lo acompañan.
Tras más de dieciocho años de investigación, el libro "El Guernica, la obra maestra desconocida" recoge las imágenes y testimonios que demuestran que la ideología y los planteamientos preconcebidos han primado siempre sobre la interpretación de esta obra.
José María Juarranz de la Fuente (Fuentemolinos, Burgos,1949) catedrático de geografía e historia, es licenciado en Filosofía y Letras por la Universidad Complutense de Madrid y fue becario del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.
Entre sus publicaciones destacan La Revolución de 1848, Las transformaciones científicas, técnicas y económicas 1850-1914 y Geografía Industrial, todas ellas en la editorial Akal. Ha publicado también diversos artículos sobre la obra picassiana: Nueva visión de Sueño y Mentira de Franco, Picasso: la mujer torero y Picasso: el minotauro ciego. En todos ellos ha aportado nuevas interpretaciones que culminan en Guernica, la obra maestra desconocida.
José María Juarranz de la fuente, es catedrático de Geografía e Historia, licenciado en Filosofía y Letras por la Universidad Complutense de Madrid y en su día fue becario del Consejo Superior de Investigaciones Científicas. Ha ejercido su profesión en la enseñanza recorriendo diversos institutos de bachillerato por toda España.
Entre sus publicaciones destacan: “Las Revoluciones de 1848”, “Las Transformaciones científicas, técnicas y económicas, 1850-1914”, y “Geografía industrial”, todas en la editorial Akal. Ha publicado también diversos artículos sobre la obra picassiana: “Nueva visión de Sueño y Mentira de Franco”, “Picasso: la mujer torero” y “Picasso: el minotauro ciego”. En todos ellos ha aportado nuevas interpretaciones sobre la obra de Picasso que culminan en “Guernica: La Obra Maestra Desconocida”, futo de 14 años de investigación.
En palabras de Vicente Verdú, “Catorce años de investigación y estas casi trescientas páginas son testimonio del serio empeño que ha puesto el profesor José María Juarranz en mostrar que el Guernica de Picasso no es una metáfora del bombardeo nazi de aquella ciudad vasca, sino una compilación de elementos que a través de un lenguaje relativamente cifrado, simbolizan pormenores de su biografía”.
J.M. Juarranz y Esther Plaza
martes, 3 de octubre de 2023
"PICASSO, lo sagrado y lo profano", en el Museo Thyssen BIrnemisza
PICASSO, LO SAGRADO Y LO PROFANO
Del 4 de octubre de 2023 al 14 de enero de 2024
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
L.M.A.
Fotos: Peter Wall
03.10.2023,. Madrid.- El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza cierra sus proyectos vinculados a la Celebración Picasso 1973/2023 con Picasso, lo sagrado y lo profano, una exposición comisariada por Paloma Alarcó que se presenta en las salas 53 a 55 de la planta primera del museo. El discurso de la muestra propone estudiar la audacia y originalidad con la que el artista se acercó tanto al mundo clásico como a los temas de la tradición judeocristiana, desvelando su capacidad de integrar elementos y problemas del arte anterior y de reflexionar sobre la esencia última de la pintura. Picasso conjugó en su obra lo divino y lo humano en su sentido más amplio y profundo, e intuyó que, desde el principio de los tiempos, las expresiones artísticas habían adoptado una dimensión sagrada. Cuando mira al arte del pasado nos desvela nuevos modos de interpretar la historia y, con su clarividencia, nos sigue dando claves fundamentales al incierto mundo contemporáneo.
La exposición reúne un total de 38 obras, 22 de ellas de Picasso. A las ocho que pertenecen a las colecciones Thyssen se suman varios préstamos del Musée national Picasso-Paris y de otros coleccionistas e instituciones, así como pinturas de El Greco, Rubens, Zurbarán, Van der Hamen, Delacroix, una escultura de Pedro de Mena y algunos grabados de Goya. A través de tres décadas de su producción y alrededor de tres tramas temáticas, se establece un diálogo que pone de manifiesto la singularidad y las paradojas del arte de Picasso, su personal reinterpretación de los temas y géneros de la tradición artística española y europea y el modo en que los mitos y ritos tanto paganos como cristianos se fusionan en muchas de sus creaciones, sobre todo a la hora de tratar los asuntos más universales de la vida, la muerte, el sexo, la violencia y el dolor.
lunes, 12 de junio de 2023
Influencia del Greco en la obra de Picasso. Reflexiones en el Museo del Prado
Organizado con el apoyo de la Comisión Nacional para la Conmemoración del 50 Aniversario de la muerte de Pablo Picasso
L.M.A.
12.06.2023.- Madrid.- Hasta el 17 de septiembre, la sala 9B del edificio Villanueva alberga la exposición “Picasso, el Greco y el cubismo analítico”, una muestra que, patrocinada por la Fundación Amigos del Museo del Prado y con colaboración de la Comunidad de Madrid, se centra en la obra cubista de Picasso y la obra tardía del Greco.
Aunque casi todos los autores coinciden en limitar la influencia del Greco casi en exclusiva a la juventud de Picasso, esta exposición plantea que fue mucho más profunda y duradera, ya que fue especialmente crucial para el desarrollo del cubismo y, en particular, para la fase del cubismo analítico, en obras como El aficionado o Acordeonista.
En esta sala se encuentran también los documentos testimoniales que resaltan el particular vínculo vital y artístico de Picasso con el Museo del Prado, una relación que comenzó en sus años como copista y finalizó con su nombramiento como director.
Con la apertura de esta muestra se elevan a seis las exposiciones temporales que se pueden visitar en el Museo del Prado, una cifra nunca alcanzada hasta la fecha: “Guido Reni”, “Herrera ‘el Mozo’ y el Barroco total” y “Emilio Sánchez Perrier (1855-1907). Dibujos” en el edificio Jerónimos, y “Retratos de Sorolla” y “Obras maestras españolas de la Frick Collection” junto al itinerario “Calderón y la pintura” en el edificio Villanueva.
domingo, 16 de abril de 2023
"PICASSO EN EL METAVERSO", exposición de Pedro Sandoval en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid
Titulo: serie utopía ( Jakeline a cuatro manos con violín ); Tecnica: óleo/papel, Medidas: 100X100 cm, Año: 2023
L.M.A.
17.04.2023.- Madrid.- El Real Conservatorio Superior de Música de Madrid prepara la gran exposición "Picasso en el Metaverso" del artista internacional Pedro Sandoval, realizada en homenaje al “Estuche para dos Violines” de Pablo Picasso, en conmemoración de los 50 años de la muerte del gran artista malagueño.
Serán nueve obras de gran formato, en conmemoración de los cincuenta años del fallecimiento del gran maestro malagueño y creador del cubismo a principios del siglo 20. Se destaca que Sandoval creó una obra cubista específica, entre las nueve, en homenaje a la inédita pieza realizada por Picasso en Ceret, Francia en 1914.
La obra “Estuche para dos Violines” de Pablo Picasso ha sido contemplada, admirada y puesta en escena en las ciudades de Madrid, Toledo y Cuenca. La exposición celebra en esta ocasión una exposición homenaje al maestro y al “Estuche para dos Violines” (2014).
Esta exposición de Pedro Sandoval es de relevancia artística y cultural por el aval de ser reconocido como uno de los artistas más importantes de las artes plásticas y del Metaverso en la actualidad. En ese sentido, Sandoval ya se ha adelantado, creando dentro de su serie afamada de NFT´s, la del estuche de nombre "El Violín", contando audiovisualmente el origen de la obra desde su interpretación. También se pueden encontrar, entre otras, extraordinarios NFT, inspiraciones desde Van Gogh, da Vinci, El Greco, Magritte entre otros.
Para destacar en esta nota, los alumnos del Real Conservatorio de Música de Madrid, Grupo de Música Contemporánea, interpretarán la primera Suite "Picasso en el Metaverso" compuesta por el artista Pedro Sandoval y su equipo formado por Luis Miguel Martínez y Salvador Dávila. Se trata de una composición musical inédita donde el violín será el eje principal, siendo la primera vez a nivel mundial que se compone una sinfonía sobre el gran artista malagueño. Esto probablemente marcará pauta dentro de la academia musical en el futuro.
En octubre, Pedro Sandoval expondrá sus obras, las cuales fueron preparadas meticulosamente después de crear más de 30 bocetos. Una de estas obras es el "Estuche para dos Violines", que se sumará al homenaje mundial a un artista que estableció nuevas pautas en el arte del siglo XX. El estuche ha sido testigo de sus amores, vicisitudes, dos guerras mundiales, años en el Nuevo Mundo, pestes, expolios y juergas junto a su grupo de geniales artistas que marcaron una época en el siglo XX.
Además, Pedro Sandoval anunciará en fecha posterior la donación de una obra tallada en madera en alegoría del magno evento.
El Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, conocido como El Prado de la Música, acompañará a más de 47 afamadas instituciones en el homenaje mundial a Pablo Picasso.
Exposición "Picasso en el Metaverso"
Octubre 2023
Real Conservatorio de Música de Madrid
Titulo: serie utopía ( self Portrait I )Tecnica: óleo lino ; Medidas: 180X180 cm, Año: 2021;2023
Titulo: serie utopía ( self portrait II ) Tecnica: óleo/lino, Medidas: 180X180X5 cm, Año: 2022/2023
Titulo: serie utopía ( autorretrato III ); Técnica: óleo/lino, Medidas: 160X160 cm,; Año: 2022/2023, Colección particular Madrid
Titulo: serie utopía ( self Portrait multiverse ); tecnica: óleo/lino, Medidas: 160X160X5 cm , Año: 2022/2023
domingo, 26 de marzo de 2023
FERNANDO CASTRO FLÓREZ: “Picasso, modelo del deseo. El voyeurismo desvelado”. Conferencia en el Ateneo
Fernando Castro Flórez, profesor de Filosofía y Teoría de las Artes
Julia Sáez-Angulo
Fotos: A.Zapisek y M. Saslovsky
26/3/23.- Madrid.- La Sección de Ciencias Históricas del Ateneo de Madrid organizó la conferencia “Cincuenta aniversario. Pablo Picasso: modelos del deseo”, impartida por Fernando Castro, profesor de Filosofía y Teoría de las Artes de la Universidad Autónoma de Madrid. Introdujo el acto Oscar Mariné, presidente de la Sección de Artes Plásticas del Ateneo y presentó José Rayos, Secretario de la Sección de Ciencias Históricas
Entre el 16 de marzo y el 5 de octubre, Pablo Picasso (1881-1973) realizó (asistido por el estampador Piero Crommelynck) 347 grabados, en los que encontramos desde escenas circenses a imágenes de intenso tono erótico. La Suite 347 se presentó en 1968 en la galería parisina de Louise Leiris, para viajar posteriormente al Art Institute de Chicago. Picasso realizó los grabados de la Suite 156 entre enero de 1970 y marzo de 1972 (si bien retomó dos obras anteriores de 1968 y 1969) y también fueron expuestas en la misma galería cuando todavía el artista estaba vivo en 1973. Cinco años después, al presentarse esas piezas, en la Kunsthaus de Zurich, se reconoció que eran obras fundamentales que tenían algo de testamentario. 50 años después de la muerte de Picasso podemos revisar sus “modelos del deseo” a partir de esas impresionantes series de grabados realizados en sus últimos años de vida, cuando parecía sublimar la impotencia; aunque el artista era ya un anciano no dejaba de re-imaginar obsesivamente el encuentro erótico, consciente de que el arte puede ser una promesa de felicidad o, por lo menos, un instante para recordar el placer.
Castro Flórez dijo que volvía al Ateneo de Madrid después de su conferencia a los 18 años, cuando él era antipicassiano furibundo, porque estaba más bien adscrito a las nuevas vanguardias conceptuales. El estudio, investigación posterior, le hizo reconocer a Picasso como cabeza de las vanguardias históricas de los años 20, más que de las radicales, a partir de los 50-60, de las que esa cabeza estaría en Marcel Duchamp. Nombres como Paul Klee, Mondrian o Malevich, también serían claves en el arte del siglo XX. Castro Flórez es autor del libro “Picasso, rey de los burdeles” (2008).
Señaló que la fuente del antipicasianismo estaría en el libro de su ex pareja Françoise Gilot “Vida con Picasso” sobre sobrevivir a artista malagueño.
Para el conferenciante, Picasso es un grabador de primer orden, que echó un buen pulso a Goya Y Rembradt , y en el dibujo lo hizo a Rafael y a Ingres. Ciertamente superó a su padre, profesor de Dibujo en Bellas Artes. Castro Flórez habló del interesante “estilo tardío” de Picasso y otros artistas, donde dan el do de pecho o canto del cisne en su obra. En los dibujos, grabados y pinturas de su última etapa, Picasso fecha las obras, como si fueran páginas de un diario. Los grabados son una biografía. Su vida sepultada en la pintura. Como la obsesión del protagonista de la obra de Balzac, “La obra maestra desconocida”.
En la conferencia se habló de la obsesión de Picasso con Matisse, por la elasticidad de sus ritmos y sobre todo por el color. La angustia de las influencias. Picasso buscó la luz del Mediterráneo como Matisse, pero no la encontró, sí encontró la sombra. “El arte es un proceso de espiar el sueño del otro mientras duerme”, recordó y así se manifiesta en algunos grabados de Picasso, donde la obsesión del pintor por la modelo, es una manera de referenciar su impotencia frente a la juventud. La relación de Apolo y Dionisos, Acteón y Diana, el Minotauro, previo al “Guernica”... Picasso pinta el paso del tiempo, dinámica de la metapintura... La mitología fue importante para Picasso, “artista de finales del XIX”, al decir del conferenciante en cuanto a temas. Conoce bien las “Metamorfosis” de Ovidio. Picasso, como maestro de la vanguardia, fue siempre figurativo, narrativo obsesionado por la figura y la vida.
Para el artista “el arte es un completo inacabamiento. Hay muchas piezas inacabadas en su obra”.
Picasso era un maníaco-depresivo, que practicaba el dicho de Plinio: “Nulla dies sine línea”, si un solo día sin pintar o dibujar. Le atraía el rostro y, sobre todo, la mirada; le atraían los ojos, lo mágico… de ahí su preferencia por las máscaras africanas, oceánicas y el arte íbero, así como las imágenes, retratos de los sarcófagos de El Fayum… Ahí está su relación de autorretratos con miradas poderosas, el cuadro sobre la Celestina…Picasso creía en las presencias y fantasmas, como le sucedió en su estudio de la calle parisina des Grands Augustins...
En su serie “Las Meninas”, Picasso engrandece la figura de Velázquez, del pintor y la pintura, la obsesión de Picasso. Eros y Thánatos en su obra. El rostro y su descomposición en el siglo XX. “El rostro humano se propone como lugar electivo de todas las perturbaciones. En el espejo aparece la fealdad invertida”.
“Entre el elogio y el vituperio hay un paso”, concluyó Castro Flórez. En el cincuentenario de la muerte de Picasso es tiempo para estudiar, investigar y criticar, que no es descalificar.
No olvidemos que el Museo del Prado y el Museo Reina Sofía, se diferencian por una fecha clave: la del nacimiento de Picasso, 1881. Algo ciertamente singular.
Ante el cuadro de Picasso "La sombra"
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