DIRECTORES DE LOS MUSEOS DEL PRADO Y REINA SOFÍA DIALOGAN EL DÍA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS

Julia Sáez-Angulo

Fotos: Adriana Zapisek

.- 

18/5/26.- Madrid.- Miguel Falomir y Manuel Segade, directores de los Museos del Prado y Reina Sofía han dialogado el Día internacional de los Museos en el auditorio del Museo Reina Sofía de Arte Contemporáneo. Es la primera vez que hacen, en esta fecha, y después de ciertas diferencias sostenidas en el pasado entre ambas instituciones, con otros directores al frente. El periodista Antonio Lucas moderó el encuentro con sucesivas preguntas.

“Museos uniendo un mundo dividido” ha sido el lema del ICOM, organismo internacional de los museos.

En tiempos convulsos y de enfrentamientos hay que recordar que todos los países tienen algo en común: los museos", recordó Falomir.

 Segade y Falomir hablaron de las pasadas separaciones, más bien debidas a una cuestión de los caracteres y temperamentos de los responsables; del cuadro “Guernica” de Picasso, que ha estado en ambos museos; de la escasez de financiación de los museos citados; de las presiones de los políticos en la actividad museística (caso del PNV pidiendo el “Guernica”). El Guggernhein lo pidio en su día presentando un proyecto adecuado y se le respondió con un "Informe  completo a disposición de todos, donde se pone de manifiesto la fragilidad del cuadro, visto con pixeles.

    También hablaron del posible exceso de visitantes en los museos que perjudica la visita adecuada y las largas colas en ciertos museos o salas (“No convence limitar el número a treinta mil, como hace el Museo del Louvre”, dijo Falomir, que en entrevista pasada, había declarado que “en el Prado no cabe un visitante más). Todavía no ha nacido la museofobia como sí lo ha hecho la turistifobia; de las salas acumulativas y llenas de visitantes ante Las meninas o el Guernica y de las vacías; de las relaciones internacionales con otros museos; de la interrelación del arte contemporáneo con el anterior en el tiempo y viceversa; de Goya como artista que pudiera estar con autoridad propia en ambos museos; de la convención de la fecha de delimitación entre las colecciones de ambos: en la fecha de nacimiento de Picasso en 1871; de la música en los museos (“El Barroco fue el periodo de interrelación de las artes por excelencia”, recordó Falomir); de las 400 obras aproximadamente que el Museo Reina Sofía adquiere cada año; de la falta de mujeres sistemática en la cúpula del Museo del Prado… 

    Hubo cordialidad entre ambos intervinientes y amenidad en sus informaciones y comentarios. Apenas diferencias.

Curiosamente no se habló de los proyectos de investigación en marcha, que es uno de los fines clave de los museos, según el ICOM.

En suma, cabe recordar aquello de que el arte en occidente es un cordón umbilical sin cortar, desde las cuevas de Altamira y Lascaux, por lo que no cabe corte radical en el tiempo, sino establecer convenciones perfectamente invadidas por proyectos coherentes.         “Los fusilamientos del 2 de mayo” de Goya estuvo expuesto con acierto en el Museo Reina Sofía y el Museo del Prado ha realizado recientemente una exitosa exposición del escultor Juan Muñoz. "Es importante subrayar el interés o presencia de un artista en el Museo", señaló Falomir. Relacionar el arte contemporáneo con el pasado, sus raíces, es bueno y conveniente. Y viceversa.

Ambos museos, Prado y Reina Sofía, dependen del Ministerio de Cultura, por lo que solo cabe cooperación y colaboración. Lo contrario sería negativo y un sinsentido. La visión conjunta de directores en el Día internacional de los Museos de 2026 ha sido oportuna.

MANUEL SEGADE EXPLICA LA NUEVA PRESENTACIÓN DE LAS COLECCIONES, EN EL MUSEO REINA SOFÍA DE ARTE CONTEMPORÁNEO

• Controvertida exposición de la primera instalación que abarca 1975 – 2026, en la planta cuarta. La próxima será en otoño.

• 40 aniversario de la institución en el edificio Sabatini 

Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Julia Sáez-Angulo

Fotos: Adriana Zapisek

        13/5/26.- Madrid.- Cuando en 1986 se abrieron las puertas del edificio Sabatini para exposiciones temporales, mientras llegaban las colecciones procedentes del antiguo Museo Español de Arte Contemporáneo, MEAC, sito en la Ciudad Universitaria y  fundado en 1968, asistí a la rueda de prensa, como periodista del Gabinete de Prensa del Ministerio de Cultura, responsable del área de Bellas Artes. De esto han pasado 40 años, por lo que el museo está de aniversario redondo.

    Javier Solana, entonces ministro de Cultura inicio el acto, muy fino él, dando las gracias a la ministra de Cultura anterior, Soledad Becerril, iniciadora y artífice de aquel futuro traslado al nuevo edificio. Después de su intervención, el ministro pasó la palabra al arquitecto Antonio Fernández Alba, restaurador del edificio Sabatini para adecuar sus complicadas salas de hospital del XVIII, a un museo de arte contemporáneo, después de varios años abandonado. 

    Llegó el turno de los periodistas y se le dio el micro a un varón, que se apresuró a preguntar:

    ¿Qué se ha hecho con los numerosos gatos que había en los patios de este edificio, a los que alimentábamos algunas personas del barrio?

    Nos quedamos desconcertados. Se nos había colado un defensor de los animales y el ministro miró al arquitecto, quien aclaró que se había llamado a la Sociedad Protectora de Animales para que se ocupara de ellos y así se hizo.

Salimos airosos.Una anécdota para no olvidar.

    Conferencia de Manuel Segade,                 Director del Museo 

    Ahora, a los 40 años de aquella apertura, se han vuelto a reorganizar las colecciones del Museo Reina Sofía. No olvidemos que los fondos de la institución cuentan con veinticinco mil piezas. La inauguración oficial del Museo tuvo lugar en 1990.

    Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, vestido con sus habituales zaragüelles, ha impartido una conferencia de hora y media, sobre la nueva presentación de las colecciones de arte contemporáneo: de 1975 al presente. La explicación viene después de cierta polémica y contestación a la instalación y montaje.

Un total de 403 obras expuestas de 224 artistas son los datos numéricos, junto a los tres itinerarios temáticos repartidos en 21 capítulos, con un fuerte enfoque en la paridad de género (un 35% de representación femenina) y una perspectiva afectiva del arte contemporáneo. Más de 3.000 metros cuadrados muestran una relectura del arte contemporáneo con el 64% de piezas inéditas en la colección permanente (258 no se habían exhibido nunca). De las 403 obras, 70 corresponden a adquisiciones de los últimos dos años y más de la mitad, 36 son mujeres artistas. El 77% de los artistas expuestos son españoles, al contrario de lo que sucedía que con la dirección anterior. Casi un Whitney Museum de Arte Español, algo más necesitado de contexto internacional.

La exposición verbal de Segade ha sido más humilde que la manifestada en la presentación de la rueda de prensa. Ha reconocido que la articulación del recorrido es una más, entre las muchas que se puedan hacer y así es. Recuerdo que María Corral comenzó la colección con el siglo 1901, año primero del siglo y fecha de la obra del Museo, “La mujer en azul” de Picasso, artista clave del siglo XX. Con nueva directora, Carmen Alborch, le siguió otra reinstalación que rebajó el punto de partida a 1898, porque se estimó que ahí estaban las raíces del arte contemporáneo. Pues muy bien ambas. A partir de ahí, el acierto está en el discurso elegido, las obras seleccionadas y el montaje de las mismas. Todas tuvieron su pros y contras, a gusto de los espectadores y coleccionistas.

Recientemente un artista de primera fila contó que un director de museo visitó su estudio y al final le dijo: “Me gusta tu obra, pero nuestra búsqueda ahora está en los conceptos de cambio climático, mujer, feminismo, minorías, gay, LGTB…, arte político social, en definitiva” No sé si fue cierto o excusa de dicho director para no adquirir obra del artista, pero la intervención de Segade me ha recordado aquella conversación.

El director del Reina Sofía se ha demorado en más de 40 minutos y de modo quizás excesivamente dramático para el Museo, en explicar el arte incendiado por los Guerrilleros de Cristo Rey, el arte emergente de las minorías de la sociedad, con todas las variantes de LGTB, queer, sida, feminismo, negros… 

    La escultura está bien tratada en la nueva instalación, aunque enfatizada en la escultura vasca. También, el video o la fotografía. 

La pintura, que en los museos ha sido siempre la prima donna, (recordemos como Baudelaire definió “la escultura como aquello que estorba para ver la pintura”), parece ahora castigada a una sala larga y estrecha, con cuadros suspendidos en el aire, algo que produce cierto desasosiego. Parece responder al aserto aquel de hace unas décadas en que se insistía: ¡la pintura ha muerto! (a Dios también se le dio por difunto). España es país de pintores y la pintura no morirá, porque es una actividad  antropológica, pero de momento no goza de buena salud en Museo Nacional Reina Sofía Centro de Arte Contemporáneo.

Las cartelas explicativas individuales parecen algo recargadas de información. Quizás fuera mejor una explicación genérica de panel en pared y dejar después libre al espectador para contemplar la obra con cartelas de simple ficha técnica.

En suma, una nueva instalación, concebida en equipo (700 personas en total trabajan en el Museo) y al gusto de su director que, lógicamente rubrica, como hicieron los anteriores directores del Reina Sofía, a los que también aplaudimos y criticamos elecciones, descartes y decisiones. Elegir es renunciar. Debatir apasiona, dialogar es la clave.

Se echan de menos ciertos nombres de artistas; no siempre se cuenta con las mejores obras o las más representativas de aquellos. Hoy, ahora y antes. Y sin olvidar que el “Guernica” de Picasso es la verdadera cabeza de tiro del Museo Reina Sofía. 

    Para la planta tercera, los años 50-70, Segade avanzó que habrá una sala de arte iberoamericano (latinoamericano, dijo él).

Y para terminar, recordar la afirmación irónica de Francisco Umbral: “Toda crítica es subjetivamente injusta”. La dirección, la curaduría o la crítica de arte, no dejan de ser elecciones subjetivas, aunque se hagan dentro de ciertos parámetros históricos y estéticos, naturalmente. Lo importante es un discurso articulado y coherente.

    NOTA BENE.- Durante las obras de acomodación del Antiguo Hospital de Madrid a Museo, algunos operarios contaron, al verlos acarrear féretros, que habían desenterrado monjas incorruptas en la capilla de las monjas, hoy, junto a la sacristía, espacio de protocolo. Esto y los numerosos enfermos incurables del pasado, pudiera explicar los dos informes parapsicológicos que encargaron dos directores del Museo: María Corral y José Guirao. Informes que declararon energías presentes, presencias invisibles y sombras.  Esto explica a su vez que algunos artistas, con dotes hipersensoriales sientan yuyu al entrar en el Museo.

,

Manuel Segade

Obras de la Colección expuesta

Presentación Nueva Temporada 2025-2026 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

 

Mayca NÖIS

    17/09/2025.- Como es habitual en estas fechas,  desde su llegada al Centro, el director Manuel Segade convoca rueda de prensa con coloquio a su, en esta ocasión, muy extensa programación de eventos . Teniendo en cuenta que prácticamente la totalidad del programa pertenece ya a su labor personal puesto que ha tenido que realizar, hasta el momento, programaciones de la dirección anterior.

    El nuevo programa ofrece una presentación de colecciones más contemporáneas en febrero, apertura de programas públicos, y nuevas líneas de investigación y estudios.

    En la enorme diversidad de las prácticas artísticas modernas y contemporáneas se continúa explorando la clave en importancia de las mujeres. Como primera  atestiguación se comienza con una artista fundamental del 27 Maruja Mallo y la recuperación de una de las más importantes artistas textiles del siglo XX Aurelia Muñoz. Además la intervención de la peruana Andrea Canepa en la lona que cubre el Palacio de Cristal del Retiro.

    Programa de exposiciones de octubre 25 a octubre 26: Maruja Mallo.Máscara y compás; Juan Uslé.Ese barco en la montaña; Oliver Laxe, bailad como si nadie os viera; Andrea Canepa (Palacio de Cristal); Alberto Greco,viva el arte vivo; Aurelia Muñoz, entes; Feliz González-Torres.Sweet revenge.

    Febrero del 26 será el mes de la presentación de las colecciones en un relato nuevo de los últimos 50 años contados desde España, a través de la obra de más de doscientos artistas. Con especial hincapié en una nueva forma de acogida y comodidad para los públicos del museo

    En marzo se dará el arranque en un ciclo singular que continuará en los próximos años: “La Historia no se repite, pero rima” en que se pondrán obras fundamentales de otras geografías y cronologías en diálogo con el Guernica. Para lo que el programa se dará comienzo con una obra realizada en los años 60 como una denuncia del apartheid en Sudáfrica: el “African Guernica” del artista clave de la modernidad africana Dumile Feni.

    Los programas públicos van a mostrar líneas inéditas que se abren a nuevas disciplinas en la programación del Reina como son: la música contemporánea, el cómic, ciclos de encuentros con agentes de diferentes museos que actualizarán el debate sobre el presente y el futuro de las instituciones del arte contemporáneo internacional.

    Tan extensa producción requiere nuevas direcciones de estudios y comunicación. En la dirección de estudios junto al proyecto del Instituto Cáder de Arte Contemporáneo se suma el Laboratorio de Institucionalidad Compartida. Continuidad de los programas de máster, becas y cátedras con los que se amplían los horizontes académicos y de investigación del Museo.

    El cine del Museo, en la nueva sala, estará dotado con nuevos medios y programación de experimentación en torno al cine de exposición y los programas de investigación y debate sobre las prácticas de creación audiovisual.

Con la nueva web del Museo se culmina el proceso comenzado para adaptar los medios digitales del Centro a las demandas de los usuarios no solo como herramienta de difusión sino como plataforma productora de contenidos y archivo de actividad.

El Reina está inmerso en la trasformación de la arquitectura de sus edificios. Se continuarán las obras de las fachadas de las sedes Sabatini y Nouvel, y los  trabajos en el Palacio de Cristal. El Palacio de Velázquez en El Retiro abrirá con un nuevo programa expositivo en la primavera del 26.

Una efeméride importante.  El 26 de mayo del 2026 se cumplen 40 años de la inauguración, en el Edificio Sabatini,  el Centro de Arte Reina Sofía.

Asistir a las programaciones, eventos y novedades será lo que el público y la cultura de nuestra gran capital requiere.

Exposición: NAUFUS RAMIREZ-FIGUEROA. “Espectros luminosos”

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Del 28 de mayo al 20 de octubre de 2025

 

Mayca NÖIS

    27/05/2025.- Se presenta a los medios la muestra más completa del artista, hasta la fecha, Naufus Ramirez-Figueroa (Ciudad de Guatemala 1978) con la colaboración de la Fundación TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary. Le acompaña la fundadora y presidenta de TBA 21 Francesca Thyssen, el director del Museo Reina Sofía Manuel Segade y la comisaria de la muestra la historiadora Soledad Liaño.

Para Francesca Thyssen, ha resaltado su intensa relación personal y artística con el artista supone este momento “una celebración en su camino increíble durante el que ya mostró obras sobre la guerra civil a la temprana edad de catorce años y hoy tiene el reconocimiento de una gran institución como es el Reina Sofía”. Manuel Segade refrenda sus palabras con la asertividad de expresar que “es una gran alegría contar con la presencia de un artista fundamental en la América Latina. Punta de lanza en un país crucial para el arte, cuya obra reúne fuerza política, aliento poético y una sensibilidad muy especial”. La comisaria Soledad Liaño en su referencia al título “Espectros luminosos” los transfiere a “Esos fantasmas que transitan y pueblan la obra de Naufus, haciendo relación con la memoria que clama por su reparación. Partiendo de vivencias personales que Naufus extrapola y convierte en temáticas universales”

El recorrido con el artista por la exposición dan conocimiento de su compleja narrativa artística poblada de sueños, memoria, historia e infancia. Incluye el nuevo y ambiciosos proyecto “Cuna y arrullo 2025” fruto del protocolo firmado por el artista para esta muestra. Naufus ha destacado “el lago camino que ha supuesto esta exposición en la que la obra Cuna y Arrullo habla de la propia vida al ser una obra biográfica, sobre estas instituciones por las que pasan niños desplazados por las guerras y que me hace empatizar con otras poblaciones que están pasando por ello”

Son cinco salas de la cuarta planta del Edificio Sabatini para poder contemplar el proyecto de “Cuna y arrullo 2025” realizado para esta muestra en virtud del protocolo firmado entre el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la Fundación TBA 21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, una de las principales fundaciones internacionales de arte y de acción pública creada en 2002 por la filantrópica y mecenas Francesa Thyssen Bornemisza. Un protocolo que contempla, como primera colaboración, el encargo y producción conjunta de la serie Cuna y Arrullo, préstamo de obra de la colección TBA21, así como el encargo de una performance “De espiral en espiral” creada a también para la ocasión que se llevará a cabo en el Museo el próximo 11 de septiembre.

La obra que abre la exposición “Illusions of Matter2015”  en el contexto de “Sueños de Infancia” es el video de una performance de un sueño del artista antes de conocer la muerte de un familiar. Le sigue el “El espectro del autoritarismo” que muestra el conjunto de instalación adquirido por el MOMA en préstamo para esta ocasión y contienen el activismo político latinoamericano y el teatro experimental de los años 70-80 que fusiona la violencia de la guerra civil guatemalteca con su experiencia vital y su historia familiar para trasladarlo a temática universal.

En los “Reptiles y flamencos: Conspiraciones y malentendidos” contienen obras tan emblemáticas como “God´s Reptilian Finger-2016” y “Fettered Flamingos-2017”, que con reflexiones sobre los malentendidos que pueden generar nuevas narrativas . Así el dedo de Días flota en el aire en una habitación oscura rodeado de piedras fluorescentes creando una atmosfera espectral. Mientras en los flamencos encadenados se abordan las confusiones y malentendidos que vivimos constantemente en nuestra realidad cotidiana. La misma sala proyecta el video “Vida en su boca, la muerte acuna su brazo-2016” filmado en el cementerio general de la Ciudad de Guatemala en la que el artista sostiene en sus brazos un bloque de hielo envuelto en un arrullo por el que se exhibe una historia colectiva de duelo y la memoria de los desaparecidos.

El impacto ecológico de la colonización como una forma de violencia medioambiental que es otro tema recurrente en su trabajo de determina en “Espectros coloniales” con las obras de las series “Anthurium” y “Chiperrec” -2021 que hablan del impacto colonial que alteró los ecosistemas locales afectó profundamente a la flora y fauna autóctona.

Las pinturas sobre las hojas de “Anthurium” nos referencian a la desaparición de una planta autóctona por la actuación de un coleccionista francés del siglo XIX que quiso hacerse con todas sus variantes. En la serie “Chiperrec”, en medallones de resina, se narran cómo un espacio sagrado maya en la región de Alta Verapaz fue transformado en una plantación de té destinada a la exportación con Europa. Los veinte dibujos de la serie “Huertos de Chólti” nos indican cómo la población de este pueblo fue sometida a todo tipo de violencia colonial, con la prohibición de su lengua, indumentaria e identidad, desplazamiento de sus tierras y la migración forzada, aunque sigue siendo un referente de fortaleza y resistencia.

“Cuna y arrullo: la memoria del exilio” como final 2025, se conjugaban en gran escenografía los recuerdos y sueños. Deconstruye el concepto cuna para poblarlo con otros seres como arañas, abejas o murciélagos.Se remite a la etapa vivida en hogares de los niños refugiados en México, antes de ser acogido en Vancouver con su familia. Es el sueño quien le permite llenar los vacios de la memoria, como ha reconocido, para explorar la realidad desde otras perspectivas.

La exhibición nos muestra un artista multidisciplinar que trabaja con dibujo, performance, escultura y video. Explora la historia, el desplazamiento y la memoria desde una perspectiva crítica. Estudió en Canadá, EE.UU y los Países Bajos. Tiene un gran y amplio curriculum en exposiciones en todo el mundo y participaciones en eventos internacionales. Su base es la profunda investigación de las tradiciones orales y populares estando muy influenciado por la convulsa historia de su país Guatemala que está marcada por la violencia y los conflictos armados, especialmente la Guerra Civil 1960-66 que obligó al exilio a su familia. Con su arte hace un ejercicio que le da actualidad para cuestionar los relatos establecidos, con lo que hace visible el sinsentido de la violencia colonial y as guerras, que está inexorablemente unidas a la crueldad, el desarraigo y el genocidio. Lo que también son, más allá de su experiencia personal, temáticas universales. Estable ce un referente como base que en la infancia como asidero temático de su propia autobiografía para llegar a asuntos más globales que nos acercan y referencian a todos.

Exposición:” EVA LOOTZ. Hacer como quien dice ¿Y esto qué es?”

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Edificio Sabatini 1ª planta

Del 12 de junio al 02 de septiembre de 2024

 

Mayca NÖIS

11/06/2024.- Se presenta a los medios por el Museo en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid la exposición de la artista plástica austriaca, nacionalizada  y residente en España desde 1967, EVA LOOTZ (Viena 1940).

Concurrente en el tiempo con la actual en la Sala Alcalá 31, del 8 de mayo al 21 de julio otra exposición “Si aún quieres ver algo” en su línea sobre las resonancias, la luz y los límites de la percepción.

Hace introducción de la artista el actual director del Museo, Manuel Segade,”Me hace muy feliz presentar este proyecto. Heredo una programación que va a durar hasta el año 26 y este es el primer hueco en el que insertamos algo nuestro.. Se ha hecho muy rápidamente pero merecía la pena ya que Eva es una de las pioneras en lo que entendemos como el Arte contemporáneo en España. El año pasado, justo un mes después de mi llegada al Museo, se formalizó la donación de 36 piezas y una promesa de legado de más trabajo. Todo es parte de lo que se va a poder disfrutar en esta exposición. Su trabajo es relevante en las formas, en la materia, temas con la psicología del lenguaje. Digamos tiene una producción hipercompleja  siendo una artista capaz de trasmitir la experiencia sensorial. Se le agradece su trabajo y donación que se puede apreciar atravesando las salas con un ritmo que a veces no es habitual. El merito se debe al trabajo trasversal del comisariado y equipo. Tener en cuenta la colaboración por primera vez del Ayuntamiento de Madrid que se espera sea una relación que se prologue en el tiempo”

Eva Lootz se expresa ”Mi agradecimiento al Museo y a su director por la oportunidad de mostrarme en estas salas que creo son las más hermosas del Museo para ver la gran cantidad de obra que nunca se habían visionado en Madrid.  A Fernando López que ha hecho de comisario con su labor en una de las sensibilidades más equilibradas que conozco. Para hacerlo ha tenido una paciencia infinita para reunirlas desde el desorden, añadiendo su buen trato íntimo e imaginativo que me ayuda a pensar. Gracias también al equipo que me ha acompañado en esta aventura que es una alegría para mí y los diferentes departamentos del Museo sin ellos la exposición no hubiera llegado a buen fin.”

“A continuación haré personalmente un recorrido por las salas y su hilo conductor y sus corrientes que atraviesan todo el trabajo en el que estos 50 años que han ido en paralelo con un nuevo concepto de la materia porque hoy por materia ya no entendemos ese ente pasivo opuesto a la mente que se tenía aún en los años setenta. Mi punto de partida a la hora de realizar el trabajo plástico fue no hacer valoraciones subjetivas por lo que me encaminé a centrarme en los materiales. Pronto abandoné los bastidores y empecé a utilizar líquidos aglutinantes como la parafina, el lacre y el alquil. Así empezaron las piezas en tres dimensiones. Después fundir metales,aquellos naturalmente maleables, como el plomo y el estaño para pasar al mercurio y de ahí a la minería con toda la extracción de minerales y sus repercusiones en la historia que me resultaba más fascinante que las utilizadas en la escultura tradicional. En la exposición de 1985 utilicé 1.500 kg. de mercurio”

“Otro momento sobre todo en la omnipresencia de las pantallas de televisión con las que nuestra visualidad sufría un cambio radical ya no existían las distancias entre los cuerpos y podíamos ver primeros planos con todo detalle. Había empezado esa sobresaturación del ciudadano con datos sensoriales que desemboca en cierta ceguera en la que tal cantidad de datos es imposible de procesar. Este recorrido va haciendo reflexión.”

“Hay un cambio de paradigma que ya en 2024 es un hecho gracias a los grandes físicos, matemáticos, la mibrobiologia en principios del siglo XX que abrió la puerta no solo a la posibilidad de manipular los materiales sino vislumbrar un nuevo concepto de inteligencia y materia. La nueva ciencia de los materiales ha contribuido a no ser una realidad preexistente a priori sino que es un encuentro que permite construir nuevas relaciones en consonancia con otras epistologias. Solo me queda desearles que disfruten de la exposición”

Finaliza las presentaciones el comisario Fernando López (coordinador de Exposiciones Temporales del Museo Reina Sofia) “Como comisario, en una manera de hablar, porque la forma que las exposiciones toman es siempre el resultado conjunto de muchos. Con la elaboración de un buen proyecto se me adjudica este trabajo que agradezco por haber podido realizarlo tan compartido con alguien a quien admiro tanto como Eva y el gran y comprometido equipo de realización. Mi trabajo con Eva procede de una larga trayectoria en el tiempo de su trabajo tan variado y creativo. Siempre con su viveza y curiosidad por todo y su arrojo de dejarse llevar con todas sus consecuencias con lo que el título de la muestra pretende evocar.” …”La verdadera misión de los que hacemos exposiciones no consiste tanto en crear un público para el arte sino permitir vivir una vida con el arte”..”La exposición de Eva no pretende hacer una historia del arte, en su lugar lo que intenta más bien es prestar atención a unas formas de hacer concretas y a la vida de una obra en activo. De ahí que la exposición no lleva una cronología lineal por eso las piezas de los 70 lucen tan jóvenes como las del presente. Todas las declaraciones que se unen a las obras son de quien las siente, las piensa y las hace. No es lo mismo escuchar sobre las instalaciones de un artista a escuchar al propio artista en la exposición en la que se refleja en un viaje sensorial por los distintos estados y vidas de la materia. Para finalizar una pregunta que Eva hace en uno de los escritos ¿Hacia dónde va el viaje?”

A lo largo de 13 salas son más de cien obras en un recorrido panorámico diverso y multimedia con atención especial a los dibujos que funcionan como investigación y diario.

 Se fragmenta en títulos expositivos:

“Las papillas elementales”: Se aleja del lenguaje y busca reflejar la literalidad de los materiales y que ellos mismos se expresen (Lana,fieltro,mercuerio,parafina,cobre) “Supongo que lo que quería por aquél entonces era derretir el mundo y a la vez cocinarlo de nuevo. De hecho no tardé mucho en derretir el plomo y en ocuparme del mercurio. Eso me llevó a su vez a interesarme por la arqueo metalurgia y la minería, por ese peculiar teatro que la extracción de minerales y piedras despliega en el paisaje”

“La nueva ceguera de la visualidad contemporánea” (Un adiós a Isaac Newton 1994-2016) en una blanco total la sala con el suelo cubierto de mármol atravesado por una pasarela que invita a un viaje en solitario “Es un escenario sin actores, un paisaje desplegado en el interior de una sala. Un lugar para un paseo solitario. Un apunte para una meteorología de lo blanco, que envuelve al espectador por todas partes, a punto de producirle la ceguera que produce la nieve”. De aquí se pasa a un espacio con una sola imagen a modo de ojo “Angulo ciego” (2005).”No es más que un pequeño agujero en mi pecho” (2004) y se pregunta “¿dónde comienzan, dónde acaban los ángulos ciegos de la visión?”

“Aguas, ríos, minería de datos y esculturas digitales” contiene medio centenar de dibujos de la serie “Ríos 2” (2006-7)  “Hidrografias”2005 nunca exhibidos “Todo lo relacionado con el agua se caracteriza siempre con un altísimo grado de ambigüedad. Tal vez por eso también las mujeres tenemos que ver con el agua”. Con ayuda de su archivo en 3D y las máquinas de control numérico plasma sus esculturas de mármol de Macael que versan sobre el bajo Guadalquivir.

“La prótesis o el error como método” Una serie de fotografías “Pequeño teatro de derivas”(1994-1998) 24 fotografías en blanco y negro presentadas por primera vez en su totalidad. Escenas teatrales o líricas que reivindican una prótesis en la creación de un cuerpo nuevo que completa el cuerpo anterior.

“Entre manos, nudos y lenguas” entre manos 2011 estudia el juego de los cordeles que conjuga cuerpo,memoria y lenguaje. Los nudos constante en la investigación matematica,filosófica y psicológica en la ciencia El lenguaje y las lenguas en su elemento constante que plasma de muy diversas maneras como en “La lengua de los pájaros” en pieza sonora que reproduce ornitofonias en Valsain (2001)

“La agonía de las lenguas” (2020) tiene que ver con las lenguas que se están perdiendo. En América latina están en peligro de extinción 773 “Los monumentos negativos y la devaluación de la materia” se interesa por la extracción de los minerales y materias primas en los 80 (pozos, canteras, minas) verdaderos monumentos negativos de la revolución industrial. En sala la larga lengua negra de betún hace conexión con otras en bronce, plomo, estaño, fieltro, lacre, parafina o lana.

“El fondo indiferenciado de la consciencias”(20l8-19) “Camisa de invierno”(1993) “Tarea Infinita”(1990) su preocupación por la historia y el papel de las mujeres. 10 manos de bronce sujetan un embudo de metal por el que cae cisco de carbón que le surgen de su interrogación en torno a las mujeres, la subjetividad o la femineidad.

“Doce meses” los doce meses del año 2015 que contienen 14 carpetas de dibujos en papel milimetrado en un mural, no expuesto hasta ahora, y que cierra la exposición “Los dibujos son más bien un campo de exploración independiente, el reflejo más directo de lo que pasa por mi mente y a menudo, sin proponérmelo, funcionan también como diario”.

Lootz comenzó su labor expositiva a partir de 1973 con un largo recorrido internacional, Premio Nacional de las Artes Plásticas 1994.Premio Francisco Prieto de la Fundación Real Casa de la Moneda de Madrid 2009. Premio MAV de las Mujeres en las Artes Visuales y Premio Arte y Mecenazgo 2013

Esta exposición, que puede considerarse ya una retrospectiva, se presenta en un momento temporal en el que la creatividad de la artista está aún en continuo proceso de trabajo como ha quedado bien reflejado en todo el recorrido explicativo que la artista ha brindado a los presentes en la inauguración.

MANUEL SEGADE: Presentación Proyecto desarrollo Museo Reina Sofia

Sala de Protocolo edificio Nouvel

Manuel Segade, director

Mayca NÖIS

    22/09/2023.- Se convoca , en un desayuno informativo, en la Sala de Protocolo del Museo a los medios de comunicación, por la que el nuevo director Manuel Segade, en su trabajo próximo a cumplir los cien días, explique las líneas fundamentales que se desarrollarán en el Museo durante los próximos cinco años.

El  previo dosier entregado ya constituye en  toda una proclama. Consta de una parte principal de 21 páginas que contienen el “Proyecto”. Que se divide en cinco apartados: Punto de partida. Principios. Objetivos (Vectores, Programa estructural de Colección, registro de obras de arte, Biblioteca y Centro de Documentación, Museo tentacular). Programación discursiva (Exposiciones, Centro de estudios, Actividades públicas, Educación y Mediación, Actividades Editoriales, Procedimientos Transversales-Comunicación)

Cuatro páginas con el “Comité Asesor de Arquitectura y Diseño del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía” en adelante “Comité Asesor de Arquitectura y Diseño” y que actuará como anexo entre el Museo y diferentes agentes del campo de la arquitectura a nivel local, nacional e internacional. 

Seis páginas referencian el “Comité Asesor del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía” en adelante “el Comité Asesor” como órgano vital en importancia de asesoramiento a la dirección del Museo en materia artística, actuando como nexo entre el Museo y diferentes agentes del sistema del arte a nivel local, nacional e internacional.

Manuel Segade ha ido desgranando, con lectura explicativa, los puntos del “Proyecto” a través de los cinco apartados que lo constituyen.

Entre otras, algunas de sus importantes palabras, al terminar la lectura: “Los próximos cinco años son el marco ideal para establecer sistemas de escucha que permitan multiplicar los lazos con el Museo, pero también llevar hasta sus últimas consecuencias las premisas anteriores. Lo compartido es fundamental. Un Museo abierto que genere mecanismos de participación en dialogo y discusión, gracias a un despliegue en redes”…”Confianza plena en el Arte contemporáneo como elemento de trasformación social de visibilidad y no menos importante una terquedad contra el olvido”…”Un Museo de Arte contemporáneo también es polifónico, ya que una Institución como esta es necesaria para manifestar las diferencias tan exuberantes como el Arte mismo”…”Los Museos de Arte contemporáneo no se vuelven feministas ni preocupados por los temas de género, ni por la diversidad étnica o racial, la económica o de clase. Estos temas están en el corazón de las prácticas artísticas que definen su implicación en el Arte contemporáneo. El Museo debe erigirse como parte de las condiciones de igualdad de nuestra sociedad”

“Hacer un Museo seductor. No un lugar al que ir porque se tiene que ir. Para ello es importante ofrecer los aspectos estructurales. Es por lo que está ya trabajando el equipo. Estos dos años próximos se volcarán en lo estructural ,los puestos de trabajo, recorridos en los edificios, el diseño, crecimiento de la colección en el sentido de la paridad y búsqueda de las historias nacionales aún por rescatar, ordenación del Museo con adecuación en salas más versátiles y con diferentes escalas para atender a la sede local y los artistas españoles con toda la variedad y talentos que estos merecen en su diversidad.” ..”Por esta evolución y con el equipo se emplaza a próximos capítulos”

A continuación la Prensa, actuante en Sala, procede en preguntas que devienen de su interés por las realizaciones presentes y futuras del Museo:

-Con la Pandemia  y tras ella hubo un interés en la adecuación del número de visitantes en las salas expositivas. ¿Habrá restricciones de número de entrantes en sala? 

“Las restricciones son claras en ciertas salas como la del Guernica. En general las salas del Museo tienen un tamaño suficientemente grande y todavía no se han suscitado problemas.” 

-En la Colección que es inmensa ¿Cómo se van a rotar las exhibiciones para que todo el mundo vea ese gran almacén del que se tienen piezas no exhibidas?

 “A través  de generar consenso para que salas circulares en el edificio Sabatini sea más amplia esta posibilidad. Es elemental exhumar fondos que rescaten conocimiento. Generar multiplicidad de relatos que sean muy corales y que permitan ir cambiando progresivamente la Colección. Empezando ya con todas las piezas  de escultura que están en planta baja de ese edificio. Hacerlas entrar en nuestro propio mundo para entender la extensión de la propia Colección”

-En cuanto a las Salas del Museo, algunas cerradas, ¿estarán todas abiertas?

“Las que están en uso actualmente están todas abiertas. A las cerradas es que se les está haciendo mantenimiento, y etc…con una tarea de trabajo interno. Afortunadamente no es  la restricción de salas cerradas por falta de personal. En cuanto al personal, un capitulo tan importante, los puestos de dirección necesarios saldrán a concurso y en los ya consolidados se cumplen las normativas con la actual Ley del Trabajo.”

-En un Estado español diverso por el valor multicultural  aportado por las comunidades históricas en su territorio ¿se está pensando en pedir préstamos temporales a colecciones de sus Muesos y que vengan aquí?

“Casi la totalidad de los Museos contemporáneos autonómicos no tienen colecciones permanentes en exposición ya que no tienen espacios suficientemente grandes para competir con las finalidades de temporales y permanentes a la vez”

¿Se crearán alianzas estratégicas sólo con Museos nacionales?

“Por suerte heredo un Museo ya muy identificado. El Reina Sofía se diferencia de otros Museos internacionales sobre todo porque la mayoría de los Museos internacionales de su talla son conservadores, si se compara el Reina Sofía con el Pompidou y el MOMA, ya que ha sabido ser cabeza de los grandes relatos no solo de las propias colecciones sino de la forma en institucionalidad con respecto a los grandes Museos de Occidente. Esto es fundamental y refrendado por la Prensa Internacional. Sin embargo en lo que tiene que ver con trabajar con el contexto español y con lo que produce España-Incluir a Latinoamérica- genera un contexto natural con su diferente idiosincrasia. Tenemos el sello de calidad en cuanto a este tipo de producciones que lo diferencian por completo y espero que siga siendo así”

-Tras los últimos quince años vinculados a una misma dirección, y ya que como dice en estos dos próximos años se irá adecuando a través de las salas circulares ¿Cómo va a incidir en que se aprecie su programación vinculante?

“Me permito una respuesta a la gallega. Por ejemplo quitar los letreros diferenciándolos de los anteriores. Poder fotografiar en la Sala del Guernica. Tema que sin mandar ninguna publicidad ha sido referenciado en toda la Prensa incluido en el New York Times como gran noticia. Así irá pasando con todo. Las cosas irán sucediendo y se apreciará en las visitas sucesivas  que ciertas cosas empiezan a mutar y adquirir otro sentido”

-¿Hasta qué punto se pueden esperar dos años para mostrarnos su dirección propia?

“Un Museo no es solo su programación. El 90% del trabajo de sus directores es el trabajo de cocina de fondo. Las exposiciones son la cara visible del trabajo. La programación heredada es muy buena y contiene cosas que yo mismo haría. El tiempo nos va a dar la posibilidad de trabajar y pensar. Para mí es un regalo tener tiempo para trabajar en una serie de cosas que requieren de otras muchas cosas con inteligencias diferentes con lo que estos dos años servirán para ello. No quiere decir no se introduzca algún tema expositivo dentro de lo ya propuesto. Se va a atrabajar dentro de un compromiso institucional, proyectos coproducidos con otras instituciones, con el compromiso institucional directo. Va a permitir a los artistas que nos acompañen desde el 26, tiempo de producción con tranquilidad para alcanzar el nivel de excelencia que todos deseamos tenga este Museo”

-¿Algún tipo de línea roja expositiva?

“No tengo líneas rojas ni vetos posibles. Sino hacer ciertos esfuerzos en la paridad adecuado a los tiempos que vivimos para articular un relato con muchas voces”

-¿Esto quiere decir que va a exponer Antonio López, Rafael Canogar, El Paso,los 50 años de Antonio Saura, dentro de esa recuperación de la historia de artistas españoles?

“Si. Adelantar ahora es demasiado avanzado, pero efectivamente habrá estos y otros datos aún no incorporados”.

-Si el presupuesto y las exposiciones  ya están fijados y teniendo en cuenta que sobre todo se vienen a ver la exposición permanente en colección ¿qué verán de cambios?

“Hacia finales del 25 será más perceptible, si el presupuesto llega ,trabajando en una nueva lectura de Colección. En los temporales se van a hacer cambios de exhibición. Un parcheo produciría una desconfiguración torpe. En la Colección permanente, los cambios a finales del 25 o principios del 26”

El nuevo Director Manuel Segade tiene un prontuario de trabajo bien asentado en sus adscripciones formativas  y  en la dirección en el Museo de Arte Dos de Mayo (Móstoles). Es pues una expectativa ante la nueva singladura de trabajo, que como bien ha definido, hereda un Museo con una calificación y asentamiento consolidado. Se le espera un acertado quehacer, acompañado de un buen equipo, para engrandecer nuestro acervo cultural nacional museístico.

MANUEL SEGADE: Nombramiento como nuevo director del Museo Nacional Reina Sofía

• Manuel Segade, actualmente director del Museo Centro de Arte Dos de Mayo (Móstoles), dependiente de la Comunidad de Madrid, ha sido el candidato que ha obtenido mayor puntuación durante el proceso de selección

Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía

L.M.A.

06-junio-2023.- El Consejo de Ministros ha aprobado hoy, a propuesta del ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, el nombramiento de Manuel Segade como nuevo director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Segade ha sido el candidato que ha obtenido mayor puntuación durante el proceso de selección.

Este es el último paso de un proceso selectivo que comenzó el pasado 10 de febrero tras la publicación en el Boletín Oficial del Estado de la convocatoria del puesto de dirección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Un procedimiento que ha garantizado la publicidad y concurrencia atendiendo a los principios de mérito y capacidad y a criterios de idoneidad. Además, ha asegurado la participación del Real Patronato del Museo con el asesoramiento de un Comité de expertos y profesionales del mundo de la cultura y de su gestión compuesto por cinco profesionales de reconocido prestigio internacional.

Composición del Comité Internacional de Personas Expertas y Profesionales El proceso selectivo de la nueva dirección del Reina Sofía ha contado con el asesoramiento de un Comité Internacional de Personas Expertas y Profesionales del mundo de la cultura y de su gestión que ha estado formado por los siguientes miembros:

• Christophe Cherix (Suiza, 1969). Conservador jefe de Dibujo y Grabado del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, desde 2013 hasta la

actualidad.

• Cuauhtémoc Medina González (México, 1965). Historiador del arte, crítico y escritor. Desde marzo de 2013 es conservador jefe del Museo Universitario de Arte Contemporáneo de México DF (MUAC).

• Joanna Mytkowska (Polonia, 1970). Conservadora y crítica de arte.

Desde 2007, es directora del Museo de Arte Moderno de Varsovia, Polonia.

• Gloria Moure (España, 1946). Historiadora del arte, crítica, comisaria y editora. Fue directora del Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC, Santiago de Compostela), desde 1994 hasta 1998.

• María Nicanor (España). Historiadora de la arquitectura y comisaria de arquitectura, diseño y urbanismo. Actualmente es directora del Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum de Nueva York.

Manuel Segade (A Coruña, 1977), actualmente director del Museo Centro de Arte Dos de Mayo (Móstoles), dependiente de la Comunidad de Madrid, es licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela.

Ha ejercido como coordinador de programación del espacio Metrònom de la Fundación Rafael Tous d’Art Contemporani de Barcelona y como Comisario jefe del Centro Galego de Arte Contemporánea (Santiago de Compostela). Además, ha comisariado durante dos décadas (2003- 2023) numerosas exposiciones en instituciones nacionales e internacionales.

Como docente ha destacado en el ámbito universitario e institucional con la organización de cursos y seminarios nacionales e internacionales. Ha sido Tutor de comisariado y consejero del programa de posgrado en formación comisarial de la École du Magasin en el Magasin Centre National des Arts Plastiques en Grenoble (Francia). Además, ha ejercido como profesor en programas universitarios de Sudáfrica y Brasil.

Ha publicado, además, artículos, catálogos y libros, entre los que destacan, Narciso Fin de Siglo, de la editorial Melusina (2008) o Las Infinitas Especies, de Espai d’Art Contemporani de Castellón (2014). Asimismo, cuenta con varios  Ministerio de Cultura y Deporte

Premios y menciones. 

Entre ellas, la distinción Una Gota MAV para el Museo Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M), por su compromiso con la igualdad de género (2022) y una mención especial en el Outstanding Museum Practice Award del CIMAN al Museo CA2M en 2021, por los proyectos desarrollados en respuesta a la pandemia en 2020.

Además, es miembro fundador del European Art Assembly, un punto de encuentro de varios directores y directoras de arte contemporáneo europeos sobre temas urgentes del arte contemporáneo y miembro fundador de la European Forum F.

Exposición JUAN MUÑOZ “Todo lo que veo me sobrevivirá”

Sala Alcalá 31-calle Alcalá 31-Madrid

Del 14 de febrero al 11 de junio de 2023

Mayca NÖIS

        14/02/2023.-  Las salas del emblemático edificio de Antonio Palacios (1935) que fue sede del Banco Mercantil e Industrial y que desde 2002  (remodelado) depende de la Comunidad de Madrid como Consejería de las Artes  en su línea sobre arte contemporáneo  se viste de gala para inaugurar en conmemoración el 70 aniversario del nacimiento del artista Juan Muñoz. 

Organiza la exposición la Subdirección General de Bellas Artes a través de la Dirección General de Promoción Cultural en la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte bajo el comisariado de Manuel Segade, actual director del Museo Centro de Arte Dos de Mayo. Lluis Alexandre  Casanovas, arquitecto, es el responsable del diseño del espacio.

La exposición pasará desde el 17  (día del cumpleaños del artista) de junio de 2023 al 7 de enero de 2024 a las salas del Museo CA2M (Móstoles) bajo el título “En la hora violeta” tomado del poemario La tierra baldía de T.S.Elliot.

El título en la sala Alcalá 31  “Todo lo que veo me sobrevivirá” corresponde con una cita de la poeta rusa Anna Ajmátova  que figura recogida en uno de los cuadernos de la preparación de su última exposición en la Sala de Turbinas de la Tate Modern en Londres, titulada Double bind (Doble vínculo) . Dicha exposición, que estaba siendo mundialmente alabada, correspondía a la época del fallecimiento del artista que estaba en un momento fulgurante de su carrera ya que era el primer artista español invitado a intervenir en esta prestigiosa  sala.

Juan Muñoz –nació en Madrid en 1953 y falleció durante sus vacaciones estivales familiares  el 28 de agosto de 2001 en  Santa Eulària des Riu  de la preciosa isla de Ibiza por un fulgurante aneurisma de esófago con rotura de arteria a los 48 años de edad.

Casado con la también prestigiosa y reconocida  artista Cristina Iglesias de la que opinaba el escultor “es una de las dos o tres personas que siempre tomo en serio” dado que sus opiniones y trabajos eran influyentes para él. El sorpresivo fallecimiento desmembraba a un bella familia con sus dos hijos Diego y Lucia. Lucia en la actualidad dirige The Estate of Juan Muñoz-el legado de su padre.

La última y prestigiada exposición del artista en la Tate Modern en Londres no sólo fue el cenit de su producción sino que constituyó un hito en la historia del arte contemporáneo español. Esta exposición rescatada en el 2017 está instalada y puede verse hasta 2027 en Lleida en una nave de la Fundación Sorigué.

Ningún artista en las últimas décadas históricas había alcanzada tal notoriedad internacional.

Esta muestra recorre la última década de trabajos y está concebida a modo de de una “instalación de instalaciones”. La sala Alcalá 31 en su representación sobre sí mismo es un teatro barroco por la singular arquitectura de Antonio Palacios en lo que se convierte gracias a su doble altura y multiplicidad de puntos de vista.

Es desde mediados de los años 80 cuando Juan Muñoz se implica en la recuperación de la figuración en la escultura y paulatinamente en la dimensión instalativa y la evocación  arquitectónica lo que llevó su trabajo a una escala cada vez más monumental-. Al mismo tiempo sus obras se volvían también psicológicamente más complejas.

Esa teatralidad en la que el espectador accedía a una exposición sabiéndose a destiempo, como si hubiera llegado demasiado pronto o demasiado tarde en esa obra que se le representaba .La multiplicación del número de figuras y de los recursos espaciales dio paso a una relación existencial entre exposición y realidad en la que los visitantes se sientan como los personajes protagonistas de una trama emocional donde está el artista narrador.

Así “Dos centinelas sobre suelo óptico” (1990) recibe a los espectadores en una ansiedad barroca. Uno de ellos en actitud de reposo y el otro en actitud de marcha. Utiliza por primera vez el recurso del suelo óptico en 1986 para dar esta sensación de teatralización que o llevaría a incrementar la escala de sus piezas en relación con la arquitectura. Para pasar a tres figuras enrolladas en alfombras que comparten una situación ambigua con sus cuerpos en consistencia de muñecos de trapo fuera de escala.

 El espacio central culmina en “Plaza”(1996) en una congregación de 27 personajes asiáticos que socializan a través de una risa compartida. Corresponde a la instalación coral que fue concebía para el Palacio de Velázquez en la exposición que le dedicó el Museo Reina Sofía en 1996 y que regresa a Madrid por primera vez.

En los pasillos de las galerías superiores complementan con fragmentos decorativos que señalan umbrales, figuras que contemplan su reflejo enmascarado en un espejo, tentetiesos que vigilan, un coche accidentado que guarda una inquietante arquitectura en su interior, armarios que permiten acceder a todo un vocabulario escultórico en miniatura. “La corda a la boca”(1997) es un homenaje a un trapecista que a finales del siglo XIX había cautivado a Degas al elevarse del suelo sujetando su cuerpo a una anilla con la boca. 

Es todo una oscilación entre la realidad y la ficción o como el reflejo en un espejo la realidad no es más que una modalidad de la representación. Su obra adquiere un carácter narrativo al romper los limites de la escultura tradicional puesto que invitan al espectador a relacionarse con ellas. 

Estas esculturas generalmente monocromáticas, gris plomo o color cera, se realizan principalmente en papel marché y resina, quizás la ausencia de color dado su daltonismo.

Entre dos siglos el trabajo de Muñoz es un puesto de avanzada y surge una pregunta inmediata “¿hasta dónde hubiera llegado?” desde su taller de trabajo en Coslada en la fundición Magisa en los que siempre supo quién era y qué tenía que hacer.

Su gran y profunda preparación cultural. Sus estudios en Inglaterra en el Croydon  College y en la Central School of Art and Design (donde conoció a su esposa Cristina Iglesias) y posteriormente  en Estados Unidos  con su beca Fullbright en el  prestigioso Institute Pratt Centre  (centro privado de arquitectura, diseño interior y diseño industrial) de Nueva York.

Ya en su primera exposición en 1984 en la galería Fernando Vijande de Madrid obtiene sus primeros reconocimientos a los que entre otros se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas en 2000 Siendo considerado como escultor, escritor,  y creador de artes auditivas en las que produjo algunos trabajos para radio entre ellos con el compositor británico Gavin Bryars (1980) “A man in a room” que fue emitido en piezas de diez segmentos de cinco minutos.

“El poeta del espacio” que descubre el modernismo en un aspecto clave de su futura obra en la que introduce el elemento narrativo en sus instalaciones en las que nos preguntamos sobre la relación que las figuras tienen entre sí, qué es lo que quieren contarse o no pueden contarse y ¿cuál es el rol de cómo espectador se espera de nosotros?

En definitiva estaremos con estas dos exposiciones, en dos escenarios consecutivos, ante un Juan Muñoz el de siempre, vinculado al barroco español y un artista internacional de reconocimiento en toda su trayectoria.