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viernes, 15 de septiembre de 2017

Guggenheim Bilbao: Paris fin de siglo, Bill Viola Georg Baselitz y Anni Albers







Julia Sáez-Angulo

            14/09/17 .- El Museo Guggenheim de Bilbao ofrece actualmente, entre otras exposiciones, las de Pobras maestras de la Colección del Museo GuggentheimBilbao; Paris fin de siglo; Bill Viola; Georg Baselitz, y Anni Albers, amén de La materia del tiempo de Richard Serra.

            Una visión sorprendente la contemplación de las obras maestras adquiridas y seleccionadas por el Guggenheim, donde se puede apreciar el gran Mark Rothko palpitante en rojo y amarillo; La gran Antropometría azul (ANT 105) de Yves Klein con su característico color, pieza de los años 60; Nueve discursos sobre Cómodo (1965) de Cy Twombly; un buen Clifford Still; Barcaza (1962-63) de Robert Rauschemberg… Una buena elección de clásicos del siglo XX.

            “París, Fin de Siglo” se clausura el próximo lunes y plantea el arte a partir del post impresionismo para recorrer los movimientos del puntillismo, el simbolismo y los nabis. Un gran cuadro con ninfeas de Monet abre la muestra, donde vamos a ver numerosos dibujos, grabados y carteles, inspirado en la influencia japonista que arrasó en Paris durante ese periodo final del XIX. Paul Signac, Odilón Redon, Henri Toulose-Lautrec están entre los seleccionados. Curioso el grabado de Odilón Redon “Rostro germinante”, una cabeza de largas patas que conecta avant la letre con las hormigas atomicas de Dalí o la araña de Bourjois  al exterior del Guggenheim.

            Bill Viola es uno de los grandes pioneros del video-arte, siempre interesado por la imagen en movimiento. Contemplar sus obras es contemplar una secuencia poética seductora y emocionante. Se trata de una de las muestras más competa de este autor, desde sus tempranas citas en blanco y negro a las más complejas a lo largo de su trayectoria artística.

            De Georg Baselitz se muestran las pinturas sobre “Los héroes”, muchas de las cuales las realizó a sus 27 años, pinturas francturadas”. A ellas se añaden algunas de las obras más recientes de la serie Remix. La idea del pintor, la pintura, la inspiración o la falta de la misma se dan cita en estos cuadros. Baselits se presenta como un gran dibujante y como elegante en el manejo del color, en el que dominan los rojos y los verdes. El pintor confiesa que nunca pudo superar Alemania y ser alemán.

            Anni Albers ha sido también pionera del arte textil desde el punto de vista de la mirada vanguardista. Discípula de la Bauhaus y casada con Josep Albers, ambos artistas desarrollaron su trabajo docente y artístico en los Estados Unidos, donde difundieron el vanguardismo en América. Anni Albers miró a los textiles precolombinos y en ellos se inspiró para dejar una obra singular, de soporte aparentemente tradicional entre las mujeres, que ella trascendió más allá de la costura de género.

            Y de no perderse nunca en el Gugenheim de Bilbao las esculturas de Richard Serra, bajo el título “La materia del tiempo”, grandes piezas de acero cortén que redefinen el espacio, sin anclaje alguno y con sus juegos de casi laberinto, invitan al espectador a su recorrido. Vistas desde la galería superior del museo, adquieren una grandiosidad ciclópea, faraónica.






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viernes, 7 de marzo de 2014

Cristian Marclay expone "El reloj ( The Clock) en el Museo Guggenheim de Bilbao




 









Christian Marclay:
El reloj 
(The Clock)

- Fechas: 6 de marzo-18 de mayo, 2014

- Comisario: Álvaro Rodríguez Fominaya



L.M.A.


El Museo Guggenheim Bilbao presenta Christian Marclay: El reloj (The Clock)la primera muestra que inaugura, en la sala 103, un programa dedicado al videoarte, a la videoinstalación y a la imagen en movimiento. Este nuevo espacio, denominado Film & Video, expondrá tanto obras de los Museos Guggenheim como de otras colecciones, poniendo el énfasis en la producción en vídeo más reciente.

Christian Marclay (San Rafael, California, 1955) estrena Film & Video con la emblemática El reloj (The Clock). Para esta obra, el artista editó miles de secuencias fílmicas en las que se indica el paso del tiempo. Mostrando una amplísima gama de relojes, desde los ubicados en torres hasta los de pulsera, desde despertadores hasta el ocasional reloj de cuco, El reloj se centra en el tiempo como polifacético protagonista de una narrativa cinematográfica. Con gran habilidad, el artista extrae cada uno de esos momentos de su contexto original y los edita en un montaje de 24 horas que sucede en tiempo real. Pese a estar construido a partir de imágenes que pertenecen a una vertiginosa variedad de épocas, contextos y géneros fílmicos, cuyas tramas parecen haber estallado en multitud de fragmentos narrativos, El reloj posee un ritmo asombrosamente uniforme, como si la propia narrativa latente en el tiempo hubiera reordenado estos retazos. Al desarrollarse en sincronía con la hora local del espacio expositivo, la obra fusiona el tiempo cinematográfico y el real, revelando cada minuto que pasa como un arsenal de posibilidades narrativas a veces románticas, a veces trágicas y a veces intrigantes.

El trabajo multidisciplinar de Christian Marclay -que incluye escultura, fotografía, collage, pintura y performance- se caracteriza por la interrelación entre la imagen en movimiento y el sonido. A partir de su obra Teléfonos(Telephones, 1995), un trepidante montaje de secuencias de películas de Hollywood con personajes que realizan llamadas telefónicas y las responden, y posteriormente con las obras de multipantalla Cuarteto de vídeo (Video Quartet, 2000) y Fuego cruzado (Crossfire, 2007), Marclay ha excarvado en la cultura fílmica y recontextualizado fragmentos de ella para crear hipnóticas piezas sonoras y visuales que funcionan como un todo.

Las obras en vídeo de Christian Marclay se pueden interpretar como composiciones abstractas en las que el ritmo está marcado por una sucesión de imágenes o sonidos, o como narrativas que activan al espectador, desencadenando en él asociaciones de ideas relacionadas con la cultura o recuerdos. En El reloj Marclay invita al espectador a contemplar su obra desde ambas perspectivas: como si fuera un collage de imágenes cinematográficas y como un compendio de multitud de historias que se entrecruzan, comienzan o finalizan; en suma, la obra es una reflexión sobre la naturaleza misma del tiempo y la narración.

El reloj ha realizado una extensa itinerancia internacionalmente desde su estreno en 2010, y ha sido expuesta en Londres, Nueva York, Seúl, Moscú, Jerusalén, París, Boston, San Francisco y otras ciudades. En 2011 Marclay obtuvo el León de Oro al mejor artista en la 54 Bienal de Venecia. Este será su estreno en España.

Horario especial

Para dar al público la posibilidad de visionar por completo la obra, el Museo Guggenheim Bilbao abrirá el Atrio y la sala Film & Video durante 24 horas ininterrumpidamente en cuatro jornadas, distribuidas a lo largo del periodo expositivo:

Sábado, 8 de marzo, de 10:00 h a domingo, 9 de marzo, a 20:00 h
Sábado, 29 de marzo, de 10:00 h a domingo, 30 de marzo, a 20:00 h
Sábado, 26 de abril, de 10:00 h a domingo, 27 de abril, a 20:00 h
Sábado, 17 de mayo, de 10:00 h a domingo, 18 de mayo, a 20:00 h


sábado, 15 de septiembre de 2012




Richard Serra, “La materia del tiempo” en el Guggenheim de Bilbao





Julia Sáez-Angulo

         Es una instalación escultórica espectacular; la más espectacular qu se ha visto en los últimos años. Richard Serra es el autor norteamericano y la obra se expone en el Museo Guggenheim de Bilbao, diseñado en su día por el arquitecto Frank Gehry.

         Se trata de siete piezas de gran formato en acero cortén que se suman a las que ya poseela institución bilbaína del cotizado escultor. Se las conoce como “”Serpiente ( 1994 – 1997), piezas ubicadas en un espacio de 130 metros de longitud. La instalación ha sido patrocinada por ArcelorMital, que a partir de ahora ha dado nombre a la sala.
        
         Las piezas conforman una suerte de laberinto en espirales por el que puede circular el espectador y sentir el misterio y el dibujo del espacio por un artista. Su ubicación en el interior del museo es más adecuado que el exterior, ya que Richard Serra ha sido cuestionado por ciudadanos, cuando sus obras que encierran recovecos han sido instaladas en la ciudad o en parques, dado el peligro que entrañaban para escondrijo de asaltantes o alivio de mendigos sin hogar.

         La escultura de Richard Serra ha dado lugar a un anecdotario variopinto, como es el de la desaparición de una gigantesca obra suya en acero el los depósitos del museo Reina Sofía en Madrid. ¿Alguien la robó o está hundida en los cimientos? Nadie lo sabe. Se trataba de piezas rectangulares geométricas, a modo de fuerte láminas en metal. El autor norteamericano se avino a repetir la obra cobrando sólo los materiales y el transporte, no así la creatividad ya compensada.

         La sala elegida para “Serpiente” en el Guggenheim, era la destinada a arte del siglo XXI y ciertamente se ha ocupado con un gran acierto. La compleja y difícil morfología del Guggenheim permite ver la instalación desde diversos puntos y ángulos, además de habitarla en el recorrido. “He ido a visitar la obra de Serra en más de seis ocasiones, porque me parece una obra maestra”, declara la artista vasca Teresa Ahedo, pintora y autora de instalaciones.


lunes, 11 de abril de 2011

La Colección Daskalopoulos en el Museo Guggenheim de Bilbao



El intervalo luminoso
D.Daskalopoulos Collection
Fecha inauguración y cierre: 12 de abril a 11 de septiembre, 2011
Comisariada por: Nancy Spector, Subdirectora y Curator Jefe, Solomon R. Guggenheim Foundation, y Katherine Brinson, Curator Adjunta, Solomon R. Guggenheim Museum
Patrocinada por Iberdrola
http://www.guggenheim-bilbao.es/



L.M.A.

- La exposición incluye aproximadamente 60 obras, a cargo de más de una treintena de artistas internacionales, procedentes de la D.Daskalopoulos Collection, una de las colecciones particulares de arte contemporáneo más destacadas del mundo.

- Cada artista está representado por una relevante instalación o un grupo de obras significativas de su trayectoria, dando como resultado un completo análisis de algunos de los desarrollos artísticos más relevantes de las últimas décadas.

- La muestra constituye una amplia exploración en torno a la coexistencia de la esperanza y la desesperación en la condición humana, y a las posibilidades generativas de la tensión dialéctica entre ambas.

El intervalo luminoso: The D.Daskalopoulos Collection es la primera presentación a gran escala de la D.Daskalopoulos Collection, una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más importantes del mundo. La muestra, que cuenta con el patrocinio de Iberdrola y ocupa la segunda planta del Museo y parte de la primera, incluye aproximadamente 60 obras de unos 30 artistas que trabajan en diversos medios, con un enfoque particular en la escultura y las instalaciones de grandes dimensiones. Fundamentada en un conjunto de piezas que datan de las décadas de 1980 y 1990 realizadas por reconocidas figuras como Louise Bourgeois, Robert Gober, Mike Kelley, Martin Kippenberger, Paul McCarthy, Annette Messager y Kiki Smith, la exposición también integra proyectos de jóvenes talentos como Paul Chan, Guyton/Walker, Nate Lowman y Wangechi Mutu. De esta forma, se ofrece al visitante un análisis certero de algunos de los desarrollos artísticos más notables de las últimas décadas. El intervalo luminoso: The D.Daskalopoulos Collection está comisariada por Nancy Spector, Subdirectora y Curator Jefe, Solomon R. Guggenheim Foundation, y Katherine Brinson, Curator Adjunta, Solomon R. Guggenheim Museum.

El título de la muestra procede de los escritos del filósofo griego Nikos Kazantzakis (1883-1957), cuyo pensamiento ha sido especialmente influyente en la práctica coleccionista de Dimitris Daskalopoulos. Kazantzakis concebía la vida como un "intervalo luminoso" durante el cual, lucha y desintegración eran necesarias para la creación y el renacimiento. El intervalo luminoso: The D.Daskalopoulos Collection explora esta coexistencia de esperanza y desesperación en el seno de la condición humana, haciendo especial hincapié en conceptos como alienación, trauma, identidad cultural o el cuerpo humano.

La D.Daskalopoulos Collection refleja el tenor de los tiempos, y muchas de las obras de esta muestra tratan de las crisis y éxitos de la vida contemporánea. Pese a que gran parte de las obras exhibidas derivan o aluden a contextos geopolíticos o sociales concretos, lo que Dimitris Daskalopoulos valora es que también puedan abordar al mismo tiempo cuestiones universales, especialmente la incuestionable capacidad de recuperación del espíritu humano.

The D.Daskalopoulos Collection


El ateniense Dimitris Daskalopoulos es un activo mecenas de las artes que ha logrado reunir una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes del mundo, integrada por más de 400 obras de 170 artistas, de las que más de 140 piezas han sido prestadas a más de 120 museos internacionales de Europa y EE.UU. en los últimos quince años. La D.Daskalopoulos Collection otorga una atención relevante a la escultura y al arte de instalación de gran escala, así como al cine y al vídeo. Muchas de sus piezas más ambiciosas e importantes, incluidas en la exposición del Museo Guggenheim Bilbao, se exhibirán por primera vez desde que fueran adquiridas para la colección. Actualmente, Daskalopoulos está embarcado en la búsqueda de un emplazamiento adecuado en Atenas que constituya la sede permanente de su colección a partir de 2013/14. Allí pretende crear un espacio público que fomente las ideas y promueva la importancia del arte contemporáneo y su apreciación, valorando especialmente la interacción y la educación.

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