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miércoles, 28 de febrero de 2024

EL ORIGEN DE LA FOTOGRAFÍA: UN PROYECTO INÉDITO EN CASTELLANO, HECHO REALIDAD EN EL MUN

Se presenta el libro “Buscando lo imposible. Una antología de textos sobre el origen de la fotografía”, en el Museo Universidad de Navarra 




    
    L.M.A.

    Pamplona, 28 de febrero de 2024-  “Esta publicación es la herramienta necesaria para una comprensión profunda del fenómeno fotográfico, al recoger los testimonios de los protagonistas de su invención y de su desarrollo”. Así define “Buscando lo imposible. Una antología de textos sobre el origen de la fotografía” el director artístico del MUN y coordinador del libro, Valentín Vallhonrat. El título recoge más de 1.200 páginas de textos sobre el origen y desarrollo de la fotografía que hasta la fecha no habían sido traducidos, del inglés y el francés, al castellano. Vallhonrat pone en valor el esfuerzo realizado por Rebecca Mutell y Martí Llorens, editores, al considerar estos textos de gran utilidad para todos los países de habla hispana; entre otros, para investigadores y universitarios. 

Los tres han explicado esta mañana el proyecto a los medios de comunicación, cuya presentación abierta al público tendrá lugar hoy a las 19h. en el MUN. La entrada es libre, previa retirada de invitación en la web o en taquilla, hasta completar aforo. El comisario independiente, ensayista y profesor de fotografía Alejandro Castellote abrirá la cita con una conferencia, a la que seguirá una mesa redonda con el coordinador, los editores, y la traductora, Ana Galán. 

En su ponencia, Castellote resalta la importancia del medio fotográfico “porque nuestra comprensión del mundo la elaboramos a partir de imágenes”. Al mismo tiempo, se pregunta cómo se habría desarrollado la fotografía si, en lugar de nacer en Europa, lo hubiera hecho en China o en Japón, inspirándose en el ensayo Elogio de la sombra, del escritor Japonés Tanizaki, que da título a su intervención.

“Buscando lo imposible. Una antología de textos sobre el origen de la fotografía” es una publicación clave para el Museo Universidad de Navarra, uno de cuyos pilares es la colección de fotografía, que abarca desde el origen de este medio hasta nuestros días, y que se inició en 1990 con la recepción del legado de José Ortiz-Echagüe. En palabras de Vallhonrat, es “el acompañamiento perfecto de su colección”. El proyecto nació, precisamente, a raíz de una reunión con motivo de una exposición de Oritz-Echagüe en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en 1998. En ella, Vallhonrat, Rafael Levenfeld (también director artístico del MUN y coordinador del libro, fallecido el pasado noviembre) y otros expertos coincidieron en la falta de fuentes fiables sobre el origen de la fotografía y sobre sus inicios en España, por lo que pusieron en marcha una serie de estrategias para recopilarlas. Pasando por dos congresos (uno en la Universidad de Navarra, en 1988, y otro en la sede del IESE en Barcelona, en 2004) y por la puesta en marcha del proyecto de residencias artísticas del MUN “Tender Puentes” (nacido en 2004), 25 años después, el libro es hoy una realidad.

Mutell y Llorens desvelan el porqué de “Buscando lo imposible” como título de esta obra. Se trata de la primera carta que el litógrafo Niépce recibió de Daguerre en 1862, en la que afirmaba: “Hace tiempo que yo también busco lo imposible”, en referencia al desafío técnico y conceptual que suponía este nuevo camino.

Los editores destacan el rigor con el que han tratado de respetar las voces de este y el resto de autores cuyos textos conforman la obra, y que las heterogéneas y a veces “enrevesadas” formas de escribir no siempre han sido fáciles de interpretar. Los diferentes textos están acompañados de comentarios suyos y de la traductora, para facilitar la interpretación, así como para sugerir nuevas vías de reflexión.

Vallhonrat señala la “traducción cuidadosa y esmerada” realizada por Ana Galán, ya que “permite comprender textos que en su idioma original podrían resultar en algunos aspectos incomprensibles”, pues hay asuntos que han caído en desuso y términos que han variado con el tiempo.

La traductora enmarca su labor en los mismos principios que guiaron el nacimiento de la fotografía: “la búsqueda constante del detalle, de la definición, de la precisión, de la exactitud, y de la correspondencia entre el original y el resultado final”. Para este trabajo, Galán ha llevado a cabo una extensa tarea de documentación, que describe como “el método aristotélico de ante el asombro o desconcierto, investigar”. 

La publicación consta de tres volúmenes -Utopía, Materialidad, Praxis- que suman más de 1.200 páginas. El cuidado diseño, realizado por la agencia WellDone, facilita la lectura, diferenciando los textos originales de los comentarios de los autores y acercando, de forma amena y accesible, la historia de la fotografía a expertos y público general.


jueves, 7 de abril de 2022

ÁLVARO LAIZ INAUGURA EN EL MUN ‘THE EDGE’, UN VIAJE A TRAVÉS DEL TIEMPO, EL TERRITORIO Y LOS ANCESTROS


La exposición, fruto de la participación del artista en el proyecto de creación Tender Puentes del Museo, podrá visitarse del 7 de abril al 2 de octubre 

Desde 2016, el artista ha realizado diversos viajes que le han llevado desde el Estrecho de Bering hasta Suramérica para realizar un trabajo en el que dialogan tecnología, ciencia y cultura tradicional

Álvaro Laiz en el MUN


    L.M.A.

        Pamplona, 7 de abril de 2022- El tiempo, el territorio y los ancestros son los tótems que Álvaro Laiz (León, 1981) explora en The Edge, la exposición que inaugura este jueves en el Museo Universidad de Navarra. La muestra, que ha sido producida por el MUN, dentro del proyecto de residencia artística Tender Puentes, cuenta con la colaboración del Museo de Ciencias de la Universidad de Navarra y puede visitarse hasta el 2 de octubre. 

Este trabajo, en el que lleva trabajando desde 2016, le ha llevado a realizar distintos viajes, desde el Estrecho de Bering hasta Suramérica, un periplo que culminará próximamente en Tierra de Fuego, territorio argentino y chileno. Este recorrido geográfico sigue las huellas de las poblaciones paleo-siberianas que hace 20.000 años pasaron desde Asia a América, convirtiéndose no solo en los primeros pobladores de América, sino en antepasados de los pueblos que habitaron con posterioridad este territorio. 

Laiz, National Geographic Storytelling Fellow desde 2021, explica los orígenes de este trabajo profundo en el que convergen naturaleza, cultura tradicional y tecnología “En Chukotka, exploré la genética de poblaciones, una disciplina científica que se encarga de averiguar los orígenes del ser humano a través del ADN, por grupos paternos y maternos. En ese momento, yo estaba colaborando con National Geographic y me puse en contacto con científicos y estudios, basándome en la literatura científica sobre las poblaciones que hace 20.000 años cruzaron el Estrecho de Bering hacia América. Al mismo tiempo, realicé trabajo de campo sobre los chukchi, un grupo que habita el Estrecho de Bering y tienen una forma de vida muy apegada a la tierra. Una de las formas que más me llamó la atención fue cómo se entienden en el tiempo. Según estas tradiciones, uno no es solamente uno, sino que lleva dentro de sí los ancestros”. Así, partiendo de un diálogo entre la cultura tradicional y la ciencia, surgieron las diversas series que configuran la muestra.

Esta toma su nombre, The Edge, “el filo” en castellano, del vocablo ruso kromka. “Es el lugar donde se juntan el mar, el hielo y la tierra, de una forma bastante fluida. Es una zona de caza de osos polares y también del ser humano. Es un lugar en disputa que siempre está cambiando, evolucionando, para hacer referencia a los procesos migratorios que van y vienen. No son algo lineal”.

Valentín Vallhonrat, director artístico del MUN junto a Rafael Levenfeld, destaca que en este trabajo “se unen no solo disciplinas artísticas sino otras muchas formas de conocimiento y representación que dan lugar a series numéricas y de datos con los que estamos acostumbrados a relacionarnos en ámbitos diferentes a los del arte”. Asimismo, ha valorado que se trata de un “proyecto muy ambicioso, territorialmente inmenso, que ha generado series muy diferentes, que abordan temas como la genética de las poblaciones, las migraciones o las primeras poblaciones que definen los territorios”.

Una de las series que se presentan son los retratos de Información Relativa, realizados a personas de Rusia y todo América, y que aborda cuestiones clave del proyecto retratando a personas que han trabajado en él. “Los pies de foto no hacen referencia a su nombre o profesión. Los uso como una especie de evocación que alude a las coordenadas geográficas en las que esa persona y yo nos cruzamos, al lapso de tiempo en el que se tomó la imagen y la fecha. Mi intención es que el espectador, al enfrentarse tanto al retrato como a los pies de foto participe en ese encuentro”. El visitante podría, por ejemplo, introducir las coordenadas en su móvil y vería el punto exacto donde fue tomada la fotografía.

Además de piezas fotográficas, la exposición también reúne videoarte e instalación. Por ejemplo, una de las piezas es un políptico de 18 imágenes realizadas con la técnica del carbón transportado (s.XIX). “La imagen global es una de las primeras de Marte y están compuestas de pequeñas imágenes, emulsionadas con pigmentos que he ido recogiendo en los trayectos que he realizado”, detalla el artista. En esta exposición, Laiz ha tenido presente la obra de artistas de la Colección del Museo, como De Launay, Napper, Laurent u Ortiz Echagüe: “Sentí que yo también estaba siguiendo los pasos de una tradición, de un linaje”. 

UNA MIRADA SOSTENIBLE

La muestra también está muy vinculada a la sostenibilidad, con un proyecto paralelo bautizado Beyond the Edge, que ha contado con el acompañamiento de la consultora Ureculture. Esta iniciativa ha sido posible gracias al apoyo de National Geographic Society, Burroughs Wellcome Fund y del Museo Universidad de Navarra. “Por ejemplo, los marcos han sido realizados con material reciclado. Con Ureculture hemos trabajado cuestiones de producto para preparar una serie de maquetas para realizarlos. Buscamos no solo hablar de pensamiento a largo plazo, sino que nos invita a repensar para hacer las cosas de forma diferente. Tanto el arte como la sostenibilidad y la ciencia se juntan de forma orgánica en el proyecto”. 

El Museo apoya también este proyecto paralelo que se alinea con la Estrategia 2025 de la Universidad de Navarra enfocada en la sostenibilidad. Como parte de este apoyo, se ha formado un grupo de trabajo con miembros de otras escuelas y facultades, y del equipo de desarrollo de la Estrategia 2025, que analizará el impacto del Museo en el marco del tiempo durante el cual la exposición puede visitarse en sus salas.  Este proyecto de la Universidad y el Museo con el artista busca unir arquitectura, arte y sostenibilidad.


jueves, 21 de enero de 2021

IGNACIO GARCÍA, SOBRE SU OBRA ‘EL CANTAR DE CANTARES’: “ES UN VIAJE PROFUNDO, SENSORIAL Y CON IMÁGENES, SOBRE DISTINTAS FACETAS DEL AMOR”

El espectáculo se estrena este sábado 23, a las 19:30 horas, en el Teatro del Museo Universidad de Navarra y las entradas cuestan 18 y 14 euros

La obra, inspirada en la obra de Ortiz Echagüe y Fray Luis de León, nace de la participación del autor en el programa de residencias artísticas del Museo

"Cantar de los Cantares", por Ignacio García (Foto Ortiz Echagüe)


L.M.A.

    Pamplona, 21 de enero de 2021- Las imágenes de José Ortiz Echagüe y los versos atribuidos a Fray Luis de León conviven en El Cantar de Cantares, nueva propuesta poética y escénica dirigida por Ignacio García, director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, que el Museo Universidad de Navarra estrena este sábado, a las 19:30 horas, en su Teatro. 

Las entradas cuestan 18 y 14 euros. El espectáculo, producido por el propio Museo, ha sido gestado en el programa de residencias artísticas del centro y presentado este jueves a los medios de comunicación.

Ignacio García, acompañado por Teresa Lasheras, responsable de Artes Escénicas y Música del Museo, ha explicado que la propuesta invita a “un viaje profundo por distintas facetas del amor. Es un espectáculo ecléctico, que bebe de muchas fuentes, y ofrece una visión patrimonial”.  

En este sentido, ha apuntado que El Cantar de Cantares propone al público emprender su propio viaje “a otro tiempo, a otro espacio y a otra manera de pensar y sentir, que tiene que ver con ese mundo sensual, que está en el texto y en Ortiz Echagüe, y en el empoderamiento poético. Para el artista, “vivimos en un mundo en el que, aparentemente, la belleza no tiene lugar, y que pide eficacia y capacidad de gestión. Pero creo que el arte siempre necesita un espacio de liberación poética a través de la belleza, la bondad y la virtud. Y el espectador va a ver eso. El enorme poder del amor. No entendido de una manera romántica, sino telúrica”.

UN PROCESO CREATIVO VIVO

La creación de esta obra comienza en 2019, con la primera visita de García al Museo, a la que siguió otra en febrero de 2020, en la que visitó el Archivo Fotográfico y se encontró con las fotografías originales de Ortiz Echagüe, artista al que siempre le ha unido “una vinculación afectiva especial”. En palabras de García, “Ortiz Echagüe reflejaba muy bien ese dolor de España unamuniano, una sensación de un mundo que se va a perder para siempre y que él intenta fijar con su fotografía. Capta una espiritualidad que tiene mucho que ver con nosotros. Podemos imaginarnos la España morisca, tanto en las fortalezas como en el paisaje humano. Y tiene un enorme atractivo y una visión patrimonial”.

Al visitar los fondos del Museo, surgió la relación: “Ver los originales me llevó a vivir un viaje muy poderoso y ahí aparecieron, no voluntariamente, sino como una epifanía, los versos de Fray Luis de León. Viendo las fotos de la España Mística y del Norte de África, me pareció que estaba esa conexión. Empecé a escuchar los versos de Fray Luis”.

Así nace El Cantar de Cantares, en la traducción en octava rima de Fray Luis de León, sobre fotografías de José Ortiz Echagüe, pertenecientes a la colección del Museo, con selección y adaptación musical de Ignacio García y Rita Barber que dirige el propio García. La obra está interpretada por Ana Cris, Julián Ortega y Rita Barber.

ACOMPAÑAMIENTO ARTÍSTICO

Sobre esta producción, la primera en el campo del teatro que realiza el Museo, Teresa Lasheras valora el trabajo conjunto en el proyecto: “Ha sido un privilegio trabajar con Ignacio. Nos planteó un proyecto que nos sedujo, porque encajaba perfectamente en las claves del Museo, en el programa de artes escénicas y en el programa de residencias. Hemos hecho varios proyectos de creación de obras coreográficas, pero esta es la primera teatral”. 

Asimismo, subraya la simbiosis especial que se crea con los artistas que participan en las residencias artísticas: “Buscamos establecer una relación de baja velocidad para poder ver el paisaje juntos. Es una relación bidireccional, no solo con los recursos artísticos y técnicos del Museo, sino también con los de investigación y docencia de la Universidad de Navarra”.

En esta línea, valora cómo ha sido la semana en la que García y su equipo han estado en el Museo preparando el estreno: “Ha permitido que su proceso de creación se abra a la comunidad universitaria. Han participado en encuentros con estudiantes, en talleres… Y el preestreno de la obra será este viernes, en una función para estudiantes. Además, Ignacio y el resto de intérpretes han podido beneficiarse de la investigación especializada sobre el Siglo de Oro, a través del GRISO (Grupo de Investigación del Siglo de Oro de la Universidad de Navarra)”.

Para García, el programa ha sido un lugar en el que poder proponer formatos, géneros y estilos” y valora que “estamos poniéndolos a la altura de Europa en cuanto a considerar nuestro patrimonio literario del pasado en material apto para convertirse en material escénico”.

Más información

https://museo.unav.edu/prensa/el-cantar-de-cantares

martes, 17 de noviembre de 2020

DANIEL ABREU, SOBRE SU ESPECTÁCULO ‘EL HIJO’, QUE PREESTRENA EN EL MUN: “ES UNA OBRA MUY SIMBÓLICA Y VISUAL, QUE HABLA DE UNIÓN Y FUTURO”

En el marco del ciclo ‘Museo en Danza’, la función tendrá lugar este jueves, a las 19:30 horas, y las entradas cuestan 16 y 12 euros 

La obra versa sobre la transmisión de padres a hijos y sobre la relación del hijo con esa herencia recibida

Daniel Abreu




L.M.A.

    Pamplona, 17 de noviembre de 2020- La soledad e intimidad del estudio de Daniel Abreu (Tenerife, 1976) fueron los mimbres que acompañaron la gestación de El hijo, espectáculo que el coreógrafo y bailarín preestrena este jueves, a las 19:30 horas, en el Museo Universidad de Navarra. Tras el éxito de La desnudez, última obra de su compañía de danza, y de Abisal, creada para Lava Compañía de Danza, Abreu reemprendió un camino interior: “Quería trabajar de una manera mucho más íntima, solo, presentar algo que tuviera que ver más conmigo, volver a encontrarme como bailarín y con ese imaginario que me acoge cuando me pongo a crear”. 

En este viaje nació esta obra que versa sobre la transmisión de padres a hijos y la relación con esa herencia recibida. “El título nos lleva a pensar que El hijo podría ser un niño, pero para mí no tiene que ver con eso. El hijo es la descendencia, el compromiso de continuidad”, ha explicado el Premio Nacional de Danza 2014.

ELEMENTOS NATURALES

En este sentido, valora que “la danza nos permite una narración no lineal porque la vida es compleja en sus formas. Por eso, traté de ser poseído por imágenes. Es una obra simbólica y muy visual que habla de la unión, del futuro. Me ayudo de elementos de la naturaleza para ir mostrando cuadros de una persona que se enfrenta más consigo mismo que con sus padres o con ese futuro”.

En la presentación de este trabajo le ha acompañado Teresa Lasheras, adjunta a la dirección de Artes Escénicas del Museo, quien ha destacado “su larga e interesante trayectoria como intérprete y como creador, con más de 60 creaciones que han podido verse en 40 países”. 

El espectáculo se enmarca en el ciclo Museo en Danza, del que Abreu ha sido el artista invitado en la residencia creativa de esta edición. Debido a la reducción de aforos por la pandemia, el estreno de la pieza Desde la ternura, inspirada en una fotografía de Ortiz Echagüe, se ha aplazado al 8 de mayo próximo. Además, esta semana va a impartir un taller de Danza Contemporánea en el Museo, cuyas plazas están agotadas.

CUERPO AL LÍMITE

El hijo entronca también con la exploración que el autor viene abordando en su trabajo, con una sensibilidad singular que se traduce en el movimiento. “La obra exige de mí una fisicalidad muy alta. Juega con una movilidad que hasta ahora yo no había puesto en juego, que tiene que ver con lo fragmentado. Exige que mi cuerpo esté mucho más expuesto, al límite”. En este sentido, reconoce la complejidad del proceso creativo, en soledad y lleno de preguntas.

Otra de las novedades que incorpora El hijo es el uso de proyecciones. A través de ellas, el autor quiere hablar de “lo irreal” y generar “un mundo fantástico”: “Hay un cuestionamiento de la vida, que podemos incluso llevar a la pandemia. Este momento que hemos vivido todos de soledad en el que hay cosas que no te parecen reales”. La banda sonora también contribuye a ahondar en “el conflicto entre lo confortable y lo que distorsiona, es incómodo, pero se mantiene”.

La pieza camina, además, entre dos puntos esenciales: “Todos somos hijos, tenemos ese camino optimista de luz, pero también morimos. Y se tienen que dar los dos”. Así, Abreu, invita al público a que asistan a la función con “apertura. El hijo es lo que viene, lo que sucede. El público ve la obra, la recoge y la hace suya. Ese es el mayor regalo”.

jueves, 29 de agosto de 2019

EL MUSEO UNIVERSIDAD DE NAVARRA INAUGURA NUEVA TEMPORADA CON LA EXPOSICIÓN DEL ARTISTA JAPONÉS HIRAKI SAWA Y EL DEBUT EN NUESTRO PAÍS DE NATIONAL DANCE COMPANY WALES



El centro también presenta un nuevo ciclo de cine que arranca en septiembre con la proyección de tres películas del cineasta francés Jacques Demy
Destacan otras propuestas como Clásicos en el Museo, una mirada al teatro del Siglo de Oro desde la escena actual, y Museo en Danza, centrado en la creación contemporánea


L.M.A.

 Pamplona, 29 de agosto de 2019- El Museo Universidad de Navarra inaugura su nueva temporada con la inauguración de la exposición Memoria paralela, del artista japonés Hiraki Sawa, el próximo 25 de septiembre, y con el debut en España de National Dance Company Wales, que ofrecerá funciones el 3 y 4 de octubre. Además, en septiembre comenzará también el nuevo programa de cine, que arrancará con el ciclo dedicado al cineasta francés Jacques Demy.
DOS NUEVAS EXPOSICIONES
En las obras de Sawa de Memoria Paralela, objetos e imágenes tomados de fotografías cobran vida y se desplazan en espacios domésticos, casi de manera onírica, recreando tanto los recuerdos que pueblan nuestra mente como los que han podido ser olvidados. De esta forma, el hilo conductor de la muestra establece paralelismos con la memoria y el olvido, explorando los recuerdos que rescata de la amnesia colectiva imperante en nuestro tiempo.
Además de esta exposición, el próximo 23 de octubre se inaugurará Jane Clifford. El Tesoro del Delfín. La muestra, comisariada por Mario Fernández, reúne 54 fotografías históricas del siglo XIX, de las obras que componen El Tesoro del Delfín, una colección de objetos de cristal de roca y piedras duras que alberga el Museo del Prado. La autoría de este temprano ejemplo de fotografía documental se atribuye a la británica Jane Clifford. Se trata seguramente de uno de los primeros proyectos fotográficos con este nuevo arte llevadas a cabo por una mujer en España.
Tanto Hiraki Sawa como el comisario Mario Fernández impartirán una masterclass abierta al público sobre cada exposición. Además, se han organizado actividades en torno a las muestras, como el ciclo Hausu. Espacios domésticos en el cine japonés, con proyecciones los sábados de noviembre a enero; y la conferencia performativa A propósito de Jane Clifford,  con la artista María Gimeno.
TEATRO Y DANZA
En el ámbito de las artes escénicas, la temporada comenzará con el espectáculo, patrocinado por Zurich, de la compañía de danza contemporánea de Gales, que ofrecerá dos funciones con programas distintos. Ambos días la compañía interpretará Tundra, de Marcos Morau, que el 3 de octubre irá precedida por la pieza Folk de Caroline Finn y el 4 de octubre por Atalaÿ de Mario Bermúdez Gil. La compañía visita por primera vez España tras exitosas giras por Alemania, Austria, Suiza, Hungría, Polonia o Hong Kong y aterriza en Pamplona directamente desde Japón.
Esta temporada se celebrarán las nuevas ediciones de Clásicos en el Museo, en colaboración con el Grupo de Investigación del Siglo de Oro de la Universidad de Navarra (GRISO) y Museo en Danza, centrado en la creación dancística contemporánea.
Clásicos en el Museo se acerca al teatro del Siglo de Oro desde una mirada actual recorriendo la obra de Calderón, Lope de Vega, Cervantes, Rojas Zorrilla, Lope de Rueda y Quiñones de Benavente. El ciclo comenzará con Entre Bobos anda el juego, una obra de Rojas Zorrilla Noviembre Teatro y la Compañía Nacional de Teatro Clásico con dirección de Eduardo Vasco.  También se representarán Querella de Lope y las mujeres, un monólogo de Carolina Calema con texto de Yolanda Pallín que presenta los personajes femeninos de Lope desde la mirada actual; No hay burlas en el amor de Calderón de la Barca, que se representará con marionetas gigantes; y De los que entran sin pagar en la comedia, un repaso de las hilarantes obras cortas del Siglo de Oro con dirección y dramaturgia de Liuba Cid.
La segunda edición de Museo en Danza, patrocinado por Obra Social LaCaixa y Fundación Caja Navarra y subvencionado por el INAEM, será inaugurada por la compañía del Premio Nacional Antonio Ruz, con el espectáculo Presente. Además, el coreógrafo y bailarín estrenará en las salas expositivas la obra de nueva creación Transmutación. Esta edición incluye el estreno absoluto de No hay flores inútiles, una obra de danza y poesía de Elephant in the Black Box sobre las mujeres y la guerra civil.
En el teatro estarán también Lava Compañía de Danza, con dirección artística de Daniel Abreu, y Paula Quintana con Las alegrías; la coreógrafa chilena María Siebald presenta una obra que utiliza el lengua de signos como vehículo para la danza. En las salas del Museo podrá verse la compañía de Matxalen Bilbao y Taiat Dansa y habrá encuentros con los coreógrafos Antonio Ruz y Daniel Abreu. La temporada incluye también un encuentro con Ignacio García, director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro.
CONFERENCIAS Y ACTIVIDADES EDUCATIVAS
Esta temporada regresa también una nueva edición del programa de conferencias La obra escogida por…, en el que artistas, críticos, comisarios y directores seleccionan una obra de la Colección o elementos artísticos del edificio para ofrecer una lectura personal. En esta ocasión participan los artistas Daniel Purroy y Paco Polán y el arquitecto Francisco Mangado. También se han programado seminarios como Mujeres que observan. Ciencia, arte y género en las dos Españas con Juan Pimentel; y La (des)institución del espacio público a través de las prácticas artísticas con Óscar Cornago. Además, se ha programado un nuevo taller, La escritura de narrativa breve con cuentos de Borges.
Por su parte, desde el Área Educativa, el Museo sigue impulsando programas escolares, así como talleres infantiles. Cada mes, organiza uno vinculado a una de las exposiciones temporales o a la Colección, dirigido a niños de 4 a 14 años. Este año, además, tendrá lugar el Proyecto colaborativo Rothko 50, para conmemorar el 50 aniversario de la obra Sin título de Mark Rothko. Los más pequeños también podrán fomentar su creatividad y sensibilidad a través de la música, la danza y las artes plásticas con el Taller de Iniciación a las Artes Escénicas La Torre de Babel, inspirado en la obra homónima de Eusebio Sempere.

jueves, 9 de mayo de 2019

El Museo Universidad de Navarra, Ópera de Cámara de Navarra y Colectivo E7.2 estrenan la ópera ‘Oteiza’


PABLO RAMOS, DIRECTOR DE ESCENA DE LA ÓPERA ‘OTEIZA’: “ES UNA OBRA QUE VA A GENERAR MUCHAS PREGUNTAS AL ESPECTADOR”


L.M.A.

Pamplona, 8 de mayo de 2019- Una piedra suspendida, dos muros pétreos y una luz tenue comprenden parte del escenario, en clave onírica, en el que se desarrollará Oteiza, la ópera de Juanjo Eslava que el  Museo Universidad de Navarra, Ópera de Cámara de Navarra y Colectivo E7.2 estrenarán este jueves 9, a partir de las 19:30 horas, en el Teatro del Museo. Las entradas cuestan 12 y 14 euros. Además, a las 18:30 horas, el pensador y ensayista Ramón Andrés ofrecerá las claves de la obra en una conferencia abierta al público. Este miércoles la han presentado a los medios ya en plenos ensayos finales.
En el encuentro, Pablo Ramos, director de escena, ha asegurado que la ópera va a resultar “corta porque va a generar al espectador tantas preguntas que deberá tener tiempo para contestarlas. Se puede asumir ese reto o solo quedarse con la cuestión estético-musical, porque también va a disfrutar”.
Por su parte, el director musical, Nacho de Paz, que también ha participado en el acto,  ha apuntado algunas particularidades de la pieza, como el papel de los altavoces instalados: “Son seis canales que generan un sonido envolvente, como en un cine, a través del cual va cada uno de los instrumentos. El oyente sentirá que los instrumentos hablan a su alrededor”.
Asimismo, sobre la interpretación vocal ha valorado que “solamente Nicholas Isherwood y muy pocos más a nivel mundial podrían hacer. Tiene cuestiones técnicas tan complejas como es el canto difónico, poder cantar dos voces simultáneamente. No es un barítono, un bajo o un tenor, sino todo a la vez. Tiene sonidos graves que parecen casi electrónicos. La obra es extrema, como probablemente lo era el pensamiento estético y la propuesta artística de Oteiza”.
En este sentido, el compositor Juanjo Eslava ha  señalado que “más allá de su ubicación histórica en las vanguardias y el trabajo experimental de Oteiza, lo que se aprecia desde la perspectiva de hoy es un compromiso estético y ético de una profundidad y honestidad inmensas. Resulta sobrecogedor. Un proyecto de este tipo es de gran complejidad y una experiencia increíble”. Asimismo, ha apuntado aspectos que diferencian al único personaje de la obra: “Isherwood interpreta a un ser genérico que está en proceso continuo de constitución. Y en ese proceso contacta con materias primigenias como la piedra, el hierro o la madera y también con emociones y sentimientos”.

lunes, 8 de abril de 2019

ARTE REALIZADO CON VIEJAS TECNOLOGÍAS EN LA ERA DEL BIG DATA: DANIEL CANOGAR INAUGURA ‘SMALL DATA LAB’ EN EL MUSEO UNIVERSIDAD DE NAVARRA



Título: Small Data Lab
Autor: Daniel Canogar
Produce: Museo Universidad de Navarra
Fechas: 10 de abril – 6 de octubre de 2019
Lugar: sala Torre
Número de piezas: 12

l.m.a.

En Pamplona, 8 de abril de 2019- El artista Daniel Canogar inició su residencia en la Colección del Museo Universidad de Navarra durante el curso 2015-2016. Su visita a la colección facilitó la revisión de los parámetros en los que se había desarrollado su trabajo Small Data y le permitió generar nuevas piezas que continuaran aquella serie.
En la exposición Small Data Lab se presentan las tres nuevas piezas que el artista ha generado, resultado de su residencia en el programa Tender Puentes, acompañadas por nueve piezas de la serie Small Data, pertenecientes a la colección particular del autor y a la Colección del Museo Universidad de Navarra.
En plena era del Big Data, la muestra vincula la recuperación de tecnologías y aparatos que han quedado obsoletos, como los DVD, discos duros, vídeos VHS, circuitos electrónicos y antiguas calculadoras, entre otras, con la creación de obras de arte a través de la escultura y el vídeo.
Daniel Canogar (Madrid, 1964) recibió un master con especialización en fotografía de la New York University y el International Center for Photography en 1990. Ha realizado diversos trabajos en espacios públicos, entre los que destacan Waves instalado permanentemente en el atrio del Houston Center en Houston; Travesías, realizado para el atrio del Consejo de la Unión Europea en Bruselas y Constelaciones, el mosaico fotográfico más grande de Europa en el Parque Madrid Rio. Entre sus últimos proyectos destaca Storming Times Square, una intervención de vídeo en 47 de las pantallas de Times Square. Sus trabajos se han expuesto en el Museo Nacioanl Centro de Arte Reina Sofía, el Palacio de Velázquez, Madrid; Bitforms Gallery, Museo de Historia Natural, Nueva York; Museo Andy Warhol y Mattress Factory Museum; Pittsburghm entre otros.