Taller del Prado, Espacio de Arte y Obra Gráfica, prepara una exposicion de Bibliofilia

Julia Sáez-Angulo



Varios centenares de artistas españoles y extranjeros han estampado su obra gráfica en el Taller del Prado, situado en un espléndido edificio de la Gran Vía madrileña con más de quinientos metros de superficie, desde donde se contempla la centenaria calle de la capital de España, desde donde el pintor Antonio López pinta otra de sus versiones pictóricas.

A finales de enero de 2012, después de la muestra de Juan Alcalde, Taller del Prado presenta una exposición de bibliofilia con las ediciones más sobresalientes y suntuosas de la casa, entre ellas, una gran carpeta con obra del artista mallorquín Joan Miró.

Los fondos y el escaparate grabados del Taller va desde Valerio Albani hasta Antonio Zarco, pasando por Marc Chagall, Joan Brossa, Miguel Berrocal, Susana Solano, Antoni Tàpies, Antonio Guijarro, Miguel Viribay, Cristóbal Toral, Belén Elorrieta, Andy Warhol, Macarena Ruiz, Oyonarte, Karel Appel, Eduardo Vicente, Carlos Morago, Mompó…

Ciertamente más nombres de varones que de mujeres, pese a que ya se equiparan en número en el circuito artístico. (Durante el próximo mes de marzo la MAV –Mujeres en las Artes Visuales- ha coordinado una magna rede de exposiciones con la presencia de mujeres artistas en museos, fundaciones y galerías. Taller del Prado podría sumarse a la iniciativa con sus nombres de mujer).

Para Francisco Molina Montero (Torreperogil, Jaén, 1962), director de Taller del Prado, la empresa de ediciones gráficas ha sido un reto dentro de su vida profesional y artística, que exige energía y trabajo, para compaginarla con su propia obra pictórica, pero se siente satisfecho. Su continua presencia en la feria de Estampa lo avalan como uno de los mejores talleres de estampación de grabado.

“La situación ha estado muy parada a mitad de la temporada pasada, pero a partir de octubre se dinamizó y estamos contentos”, explica Molina Montero, que muestra con orgullo el nuevo espacio, en el que lleva más de un año y en el que caben un amplio espacio expositivo, además de un tórculo, clases de dibujo y pintura con la colaboración de profesores como Hanoos o Jorge Pedraza en el espacio de la rotonda de Gran Vía 16, sala de conferencias, de reuniones, despachos…

La nueva estampación no tóxica de los grabados anima a numerosos artistas a experimentar la obra gráfica, que nació para difundir la iconografía del autor de manera múltiple. Taller del Prado hace también ediciones de escultura múltiple con autores como Venancio Marcos o Joaquín Donaire.

José Hernández, Fernando Bellver, Ana de Juan, Eduardo Chillida, Max Erns, Gerardo Rueda, Carlos Morago, Celia Muñoz, Antonio Saura, Eduardo Naranjo, Gustavo Torner y el mismo Paco Molina Montero, también figuran con su obra gráfica en el rico catálogo del Taller del Prado.

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Juan Alcalde expone Pintura sobre lienzo y papel en el Taller del Prado

Juan Alcalde

Pintura sobre lienzo y papel

Taller del Prado

Gran Vía, 16, 5º. Madrid

Diciembre, 2011 – Enero, 2012

Julia Sáez-Angulo

El pintor Juan Alcalde expone su pintura en el Taller del Prado. Un recorrido por todo el repertorio iconográfico del artista: figuras, bodegones, paisajes de arquitecturas urbanas, tauromaquias, escenas de fútbol…

El catálogo editado para la exposición de Juan Alcalde Alonso (Madrid, 1918) acoge textos escritos por distintos colegas pintores como Manuel Alcorlo, Rafael Canogar, Miguel Viribay Abad, Rafael Ruiz Romero, Eduardo Naranjo, Remo Ruiz, Oscar Estruga, José Sánchez Carralero y la coleccionista Pilar Fernández.

La publicación, editada igualmente por el Taller del Prado, lleva una litografía, original de Juan Alcalde, numerada y firmada por el artista.

Mención especial merecen los cuadros resueltos en blancos y grises, con ligeros toques de ocre, en los que el pintor refleja las ciudades en sus calles solitarias, poéticas o fantasmales, que traen a la memoria la espléndida serie que sobre Praga realizó Juan Alcalde en la desparecida galería Biosca de Madrid.

En la muestra actual en el Taller del Prado es la ciudad de París la protagonista de esas “grisallas” muy particulares del autor, como si quiera reflejar ese color plata y espejo de la ciudad del Sena, en la que él vivió muchos años y de la que siempre guardó un gran recuerdo y nostalgia. De la catedral de Notre Dame de París ha hecho dos versiones para esta exposición. En París conoció y trató con cierta frecuencia a Marcel Marceau, artista del mimo, de quien hizo numerosos apuntes.

Juan Alcalde gusta del dibujo como idea germinal y en su exposición presenta algunos dibujos al óleo sobre papel de enorme soltura y belleza. El artista diseñó en su día un tipo de marco especial en plata y dibujos azules, que enmarca y caracteriza la presentación de buena parte de su obra.

Buena parte de su obra, pintada al óleo, parte del blanco con toques de magenta, cyam y tonos melosos. El artista no necesita grandes recursos cromáticos para plasmar los temas de sus cuadros.

El artista, casi centenario, ha tenido una fecunda trayectoria artística, principalmente en España, Francia, Venezuela y la República Dominicana, donde pintó algunos retratos para Trujillo. A Santo Domingo acudió junto a otros pintores como Vela Zaneti, Manolo Ortega y Zamorano.

Se exilió tras la guerra civil española de 1936 – 39, al poco de estudiar Bellas Artes en la escuela de San Fernando. En un hotel de Montauban pintó el rostro de Manuel Azaña fallecido, segundo presidente de la segunda república española, por encargo del cónsul de México en Francia.

Al pintor le gusta recordar que nació en Madrid cerca de la plaza de Cascorro, en una familia humilde. Su padre era zapatero. Fueron sus profesores los que se empeñaron en que siguiera estudiando Bellas Artes, pese a cierta resistencia de la familia que necesitaba más ingresos para vivir. Afortunadamente el arte y la vocación de Juan Alcalde triunfaron sobre las dificultades.

Más información

http://www.tallerdelprado.com/autor.asp?IDAUTOR=244

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El Antoni Tapies de los 60 y 70 expone en la galería Elvira González

L.M.A.






El próximo 19 de enero la Galería Elvira González inaugurará la exposición Antoni Tàpies. Años 1960 y 1970. La muestra recogerá una selección de obras realizadas en las décadas de los sesenta y los setenta por el maestro del informalismo español, uno de los nombres imprescindibles del arte contemporáneo español.

La exposición, que podrá verse en la galería hasta el 3 de marzo de 2012, incluirá piezas representativas de esta etapa del artista, en gran formato sobre diferentes soportes realizadas en técnica mixta.

La evolución de la obra de Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) se ha mostrado, ante todo, coherente a lo largo de su carrera y hasta nuestros días. Desde los años cuarenta y cincuenta, Tàpies comenzó a tratar motivos, temas y líneas creativas que desarrollaría durante el resto de su trayectoria. Pero sin duda, como él mismo ha afirmado, es a finales de los cincuenta cuando comienza su recorrido como un artista verdaderamente maduro. Durante la década de 1960 y 1970 su estilo se afianza y se produce la evolución más interesante, que da lugar a las obras más características de Tàpies.

Así, es durante los años sesenta cuando el interés por experimentar con la textura de la obra da lugar a lo que se ha venido a llamar “materias”. Aparecen nuevos motivos iconográficos, signos de escritura, huellas de pisadas, marcas de la mano del artista en la tela.

En las obras de estos años comienza a insertar objetos de la realidad exterior al cuadro que, transformados por la mano del artista, cambian su naturaleza. Tàpies trabaja como un alquimista que es capaz de transformar materiales perecederos e innobles en permanentes y nobles a través de su nueva vida dentro de la obra. Este interés en las transformaciones están influenciadas por la filosofía Zen, que el artista conoce bien, y con la que aprendió a dotar de nueva significación a materiales despreciados e insignificantes. Este nuevo tratamiento de los materiales de Tàpies coincide el periodo con la expansión del arte Povera en Europa, postminimal y conceptual en EEUU.

En la obra de los años 1960 y 1970 no solo se produce una madurez en el tratamiento plástico de la forma, si no también ideológica. Desde mediados de los años 60 y los años setenta su obra adquiere una carácter fuertemente político, coincidiendo con el último tramo del franquismo.

Es en los sesenta cuando el cuadro se convierte para él en una obra verdaderamente tridimensional y comienza a construir objetos. El creador catalán investiga y busca las características plásticas de los objetos mediante la manipulación por parte del artista.

La obra de Tàpies alcanzó ya en los años 50 de gran proyección internacional a través de las galerías Martha Jackson de Nueva York y Maeght en París. Participó en 1952 en la XXVI Bienal de Venecia y 1957 en la IV Bienal de São Paulo. Su obra se ha expuesto en el museos y centros de arte de prestigio como el Museum of Modern Art y en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York; la Neue Nationalgalerie de Berlín; la Kunsthaus de Zurich; el Museum of Contemporary Art de Los Ángeles; el Institute of Contemporary Arts y la Serpentine Gallery, de Londres; el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, en el Jeu de Paume y en el Centre Pompidou de París; el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid; el Institut Valencià d’Art Modern, de Valencia y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona, entre muchos otros.

La actividad de Tàpies se ha extendido de la producción pictórica y objetual y desde 1947 destaca el desarrollo de su obra gráfica. En este sentido, vale la pena destacar que el artista ha realizado un gran número de carpetas y libros de bibliófilo en estrecha colaboración con poetas y escritores como Alberti, Brossa, Daive, Dupin, Foix, Gimferrer, Guillén, Paz, Saramago, Taniguchi, Valente y Zambrano, entre otros.

Asimismo, Antoni Tàpies ha desarrollado una tarea de ensayista que ha dado lugar a una serie de publicaciones, muchas traducidas a distintos idiomas: La práctica del arte (1971), El arte contra la estética (1977), Memoria personal (1983), La realidad como arte. Por un arte moderno y progresista (1989), El arte y sus lugares (1999) y Valor del arte (2001).

Más información:
Fundació Antoni Tàpies
www.fundaciotapies.org

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Jonathan Coe, autor de “La espantosa intimidad de Maxwell Sim”, una novela brillante

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"La espantosa intimidad de Maxwell Sim”
Jonathan Coe
Editorial Anagrama
Barcelona, 2011 842 ( pags.)






Julia Sáez-Angulo




Jonathan Coe (Birmingham, 1961) es el autor del libro “La espantosa intimidad de Maxwell Sim”, una novela inglesa con to el sabor de la sagacidad, ironía y humor, a veces absurdo, de la narrativa en ese país. Las cosas se dicen pero con una gracia corrosiva que lleva al lector a disfrutar de la literatura. El libro ha sido traducido con acierto por Javier Lacruz.

“El hombre es una palanca cuya longitud y potencia definitivas debe decidir él mismo”, con esta cita de Donald Crowhurst, se abre la novela y a ella se añade la de Alasdair Gray: “La geografía ya da igual porque nada está cerca ni lejos, la envoltura monetaria que recubre el globo ha destruido la geografía de las distancias”.

El protagonista es un antihéroe de nuestros días y un perdedor sereno, que no acaba de creer en la bonhomía de la condición humana y no busca la cercanía de los ciudadanos. Casado y con una hija, sus avatares tienes sus costumbres que han derivado en manías. Un hombre de soledades, como lo son muchos en el siglo XXI. Los soliloquios desternillantes son clave. La picaresca se cruza en su vida y da lugar a situaciones finamente hilarantes.

“Gran parte de esta novela fue escrita durante una estancia en la Villa Hellebosch en Flandes, subvencionada por el gobierno flamenco según el plan de Residencia de Flandes gestionado por Her Berchrijf de Bruselas”, explica Jonathan Coe en los agradecimientos de la novela, que transcurre en diversos lugares.

Antes de entrar en el primer capítulo “Sidney-Watford”, se inserta una crónica de “La Gaceta de Aberdeenshire” del 9 de marzo de 2009, titulada: “Hallado un vendedor desnudo en su coche”. A partir de ahí se dispara la jugosa narración que es un regalo de lectura.

Jonathan Coe ha publicado diversas novelas en España como “La casa del sueño”, “El Club de los canallas”, “El Círculo Cerrado”, “La lluvia antes de caer”…


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La pintura de Manuel Santiago Morato en el libro “El teatro de sus sueños”

Julia Sáez-Angulo

“El teatro de sus sueños” es el libro que recoge el discurso conceptual y plástico del pintor Manuel Santiago Morato (Los Santos de Maimona, Badajoz, 1934), que expuso recientemente con el mismo título en el espacio de la Vaguada de Madrid.

El libro será presentado el próximo día 17 de enero a las 19 horas en la sala Estafeta del Ateneo de Madrid, por Diego Hidalgo Shur, Fernando Mora Carrascosa, Gianna Prodan, Manoli Ruiz y el editor Tomás Paredes.

Morato es un dibujante y pintor de fuerte personalidad, con una dicción plástica propia que se traduce en una serie de personajes singulares, extraños, hieráticos, ensimismados, inquisidores, juguetones, oníricos que conforman ese “mundo de los sueños” de que habla el libro y que vienen a representar el gran teatro del mundo, el que refleja la condición humana en todos sus aspectos.

Su iconografía plástica se desenvuelve en un dominio del dibujo y un cromatismo vivaz, sin olvidar algunas obras en grises de gran solemnidad y misterio. Todos sus personajes, bien dibujados, como corresponde a un buen maestro del dibujo. La yuxtaposición del tiempo es otra de las características de su obra realizada con una pincelada suelta que en ocasiones bordea la abstracción.

Licenciado en Bellas Artes por la Escuela de Bellas Artes de san Fernando, Morato llevó a cabo en París, con una beca de investigación, un trabajo sobre Toulouse-Lautrec titulado “El dolor en la obra de arte”.

Melancolía, tristeza o ternura, no exentas de humor con frecuencia, se trasluce de algunos de los cuadros de Morato. Toulouse-Lautrec y la época azul de Picasso laten detrás de la obra bien hecha del artista extremeño residente en Madrid. También Goya y Solana, pero con un color más encendido.

La soberbia paleta de Morato, en técnica mixta, hace de sus cuadros una pintura dinámica y vibrante, junto a la poética de su representación. Su sentido del color convierte cada cuadro en una panoplia de armonías.

Más información

www.manuelsantiagomorato.es

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Muntadas, Gigantesca exposición en el Museo Reina Sofía

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"Muntadas, Entre/Between”
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
c/ Santa Isabel, 52
Madrid, 28013








Julia Sáez-Angulo




Con un título anfibio, poco claro para un gran público, de “Muntadas, Entre/Between”, el artista catalán goza de una gigantesca y extenuante exposición en el Museo Reina Sofía. Artista interesante y conceptual ha visto sus instalaciones y montajes reproducidos en el gran museo español de arte contemporáneo, en una dinámica contradictoria porque lo que se creó para un espacio, difícilmente tiene sentido en otro o queda mancado de origen.


Las grandes muestras fatigan, la de Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) también. Lo poco y bueno enseña más que lo abundoso y esto se sabe desde hace tiempo en el Centro Georges Pompidou que huyen de las exposiciones magnas y repetitivas.
El artista se resistía al coloquio en la rueda de prensa y todo su empeño estuvo que los periodistas pasaran a la exposición para verla y entender su sentido. Con buen criterio, el director del Museo insistió para que los periodistas pudieran preguntar, pues toda obra se sustenta –les guste o no a sus autores- en un discurso teórico que ha de articularse en el verbo suyo o de su comisaria. Después de todo el lenguaje dela palabra escrita está muy presente en su trabajo.


El título alude a una posición desplazada de una obra de contenido social y político, que sin ser claramente narrativa sí alude a situaciones y momentos. Tiene mucho de arte efímero aunque se rescate para una recapitulación general como se ha hecho ahora.
Los títulos de los distintos apartados son: Paisaje de los Media; Esferas de poder; La construcción del miedo; Territorios de lo público; El Archivo; Ámbitos de la traducción y Situación 2011.

La muestra –según datos previos- recorre la dilatada carrera de Muntadas, desde los años 70 hasta la actualidad, proponiendo un itinerario que recurre al concepto de constelación como vínculo temático entre trabajos pertenecientes a distintas etapas de la producción del artista. A lo largo de estas cuatro décadas de trayectoria artística, Muntadas ha utilizado la performance, el vídeo, la fotografía, las instalaciones multimedia, publicaciones, Internet y el arte público para tratar asuntos clave de nuestro tiempo, tanto políticos como sociales.



La exposición incluye un nuevo proyecto desarrollado por el artista para esta ocasión: “Situación 2011” que reanuda la investigación llevada a cabo en 1988 por Muntadas en el propio Museo Reina Sofía y en el que indagaba sobre el papel de esta institución. Para esta “instalaciónsite-specific”, el artista recurre al Museo como caso de estudio, para explorar el fenómeno actual de las ampliaciones de los museos y sus implicaciones para el futuro.

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Martin Creed, Exposición individual en la Sala 31 de Madrid

L.M.A.

La Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31 presenta “Martin Creed: Things/Cosas”, exposición individual en España del artista británico. La Vicepresidencia y Consejería de Cultura y Deporte ha organizado esta muestra con las obras de Martin Creed, uno de los artistas internacionales más interesantes de su generación, que combina su faceta de artista plástico con su grupo de música, formado en 1994.

Sus esculturas, instalaciones, vídeos y dibujos están inspirados en objetos, palabras, y sonidos de la vida diaria, en lo cotidiano. Creed está constantemente investigando la naturaleza básica de las cosas, creando un mundo de clasificaciones, categorías y excepciones inesperadas a través de objetos, palabras y sonidos.

En la Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31 se presenta su primera gran individual en España, con un recorrido por sus veinte años de trayectoria artística. El espacio expositivo será una gran sala donde Creed mostrará obra concebida para la ocasión, como sus nuevas pinturas murales, combinándolas con piezas tan conocidas como “Work No. 88 Asheet of A4 paper crumpled into a ball” (Una hoja de papel A4 hecha una bola), 1995, o su vídeo Work No. 670 Orson and Sparky, 2007, nunca hasta ahora presentadas en España.

Martin Creed sedio a conocer por la utilización de materiales simples para crear un mundo donde la realidad parece transformada, como la masilla azul adhesiva pegada enuna pared en “Work No. 79 Some Blu-Tackkneaded, rolled into a ball and depressed against a Wall” (Un poco de Blu-Tack amasado, hecho una bola yaplastado contra un muro), 1993, o una hilera de clavos ordenados de mayor a menor en Work No. 701 Nails(Clavos), 2007.

Sus trabajos son a veces el resultado de una rigurosa fórmula, presentados en forma de instrucciones: “Work No. 150 Half of anythingmultiplied by two” (La mitad de cualquier cosa multiplicada por dos), 1999, o frases tan simples escritas en signos de neón como “Work No. 251Things (Cosas)”, 2000.Estos trabajos que parecen simples gestos, a veces con un sentido del humor absurdo, pueden conseguir cambiar la percepción del espectador sobre los objetos y materiales que le rodean en su entorno diario.

Otras facetas del artista

Su obra está íntimamente relacionada con otras facetas de la creación artística, especialmente con la danza y la música. Martin Creed creó en 1994 Owada, un grupo musical cuyo primer CD apareció con el título Nothing, lo que constituía toda una declaración de intenciones al presentar obras con limitadas notas musicales que se interpretaban de forma repetida, acompañadas de letras banales.

En 1997 el nombre del grupo cambió por el de Martin Creed and his band. Con él ha seguido realizando actuaciones y lanzando nuevos discos, el último de los cuales, Thinking / Not thinking, ha aparecido junto a un vídeo dirigido y escrito por el artista.

Martin Creed nació en Wakefield (Inglaterra), en 1968, y se crió en Glasgow. Actualmente vive y trabaja en Londres y Alicudi (Italia). Estudió en la Slade School of Fine Art,en Londres, de 1986 a1990. Ha participado en multitud de exposiciones en todo el mundo, y en 2001 fue ganador del Turner Prize con la obra titulada WorkNo. 227 The lights going on and off (Las luces encendiéndose y apagándose).

La exposición puede visitarse del 15 de diciembre al 26 de febrero de 2012, en la Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31 (Calle Alcalá, 31. Madrid), de martes a sábado, d e 11 a20.30 horas; y domingos y festivos, de 11 a 14 horas.

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