JORDI TEXIDOR. “No-res”, exposición antológica con medio centenar de obras en la Sala 31

L.M.S.

Fotos: J.S.A.

18/2/26.- Madrid.- En la Sala Alcalá 31 se ha presentado “No-res”, una exposición antológica sobre Jordi Teixidor (Valencia, 1941) que reúne más de medio centenar de obras, desde la década de los 60 hasta la actualidad, entre las que se encuentran todos los cuadernos de trabajo del artista.

Una muestra que invita al espectador a indagar en los diferentes períodos de la amplia trayectoria de Teixidor cuyo título, “No-res”, hace alusión al concepto de la nada: ante la ausencia total es donde nace la posibilidad de una presencia, según el artista. Por ello, más que una antología, la muestra es una invitación a la pausa y la introspección, a través de un encuentro con la obra y el diario íntimo de Teixidor, que hace de la Sala Alcalá 31 un espacio para el diálogo y el encuentro.

     La espina dorsal de “No-res” la componen los 31 cuadernos de trabajo del artista, por primera vez juntos. Estas publicaciones recogen toda la producción que Teixidor ha realizado, y también la que no, desde 1965 hasta hoy. No son solamente bocetos, sino el planteamiento de toda la obra de Teixidor y una manera de acercarse al artista y su obra a través de esta especie de diario.

        Sobre Jordi Teixidor

Jordi Teixidor es considerado uno de los máximos representantes de la abstracción española, cuya obra es reconocida por sus pinturas casi monocromas y el uso riguroso del color negro. Teixidor reside en Madrid desde comienzos de la década de 1980, ciudad a la que se trasladó después de una estancia de dos años en Nueva York.

Ha participado en eventos clave como la Bienal de Venecia dentro de la histórica España: Vanguardia artística y realidad social. 1936-1976 (1976) o New Images from Spain, en The Solomon R. Guggeheim Museum de Nueva York (1979). Ha expuesto de manera individual en la Fundación Juan March de Palma de Mallorca (2025); el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca (2024); el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) de Valencia (1997 y 2022) o el Museo Universitario Contemporáneo de Arte-UNAM, Ciudad de México (1998), entre otros.

Su obra está presente en numerosas colecciones públicas y privadas internacionales, como The Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) de Valencia, la Fundación Juan March, o el San Francisco Museum of Modern Art.

En 2014, su trayectoria fue reconocida con el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura y es, desde 2002, académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

    Más información

Lugar: Sala Alcalá 31 (Calle Alcalá, 31. Madrid)

Fechas:  19 de febrero - 19 abril 2026

Horario de la exposición*:

LUIS GORDILLO, en la Sala Alcalá 31 una exposición que reúne un centenar de obras de las últimas dos décadas

Se podrá ver hasta el 14 de enero de 2024, reúne una selección de pinturas, fotografías y dibujos del artista

Comisariada por Bea Espejo, la muestra analiza las líneas de investigación más destacadas de Gordillo

Gordillo en la Sala 31

"LUIS GORDILLO. DIME QUIÉN ERES YO"

DEL 26 DE SEPTIEMBRE AL 14 DE ENERO

Lugar: Sala de Exposiciones Alcalá 31

C/ Alcalá, 31, Madrid

Horarios: de martes a sábado - de 11.00 a 20.30 h 

Domingo - de 11.00 a 14.00 h

Madrid, 2 de noviembre de 2023. La Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid ha inaugurado dime quién eres Yo, exposición que reúne una selección de obras que Luis Gordillo ha creado en las dos últimas décadas y que se adentra por el laberinto psíquico, emocional y artístico de su personalidad. Comisariada por Bea Espejo, la muestra analiza las líneas de investigación más destacadas del artista centrando la atención en la pintura pero otorgando un papel importante a la fotografía, el collage y el dibujo, un territorio muy característico donde la imagen en proceso define configuraciones internas que construyen su obra. 

dime quién eres Yo es un ejercicio del artista por sorprenderse a sí mismo en cada sala y en cada planta, pensadas como una forma incierta pero eficaz de conocerse y de darse a conocer. “En las últimas dos décadas, su modo de pintar sigue siendo el mismo: el artista está en la pintura pero no siempre está pintando. Gordillo ha tenido cierta aversión a situarse dentro de un cauce único, no solo en relación con una cuestión teórica o de concepto, sino más bien con una cuestión de carácter, de manera de ser y, sobre todo, de manera de sentir”, explica Bea Espejo.

    La de Luis Gordillo, artista fundamental en el arte español y un referente en las nuevas perspectivas de la imagen pictórica y de la naturaleza fotográfica, es una de las mentes más rápidas, lúcidas y curiosas del contexto del arte. Con el pulso agitado y activo que transmite la energía de un artista que a los 89 años sigue en activo y con una clara influencia en nuevas generaciones, la Sala Alcalá 31 organiza la mayor retrospectiva de su obra en Madrid desde la que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedicó en 2007, año en el que fue galardonado con el Premio Velázquez de Artes Plásticas

    dime quién eres Yo enlaza con aquella exposición y, para ello, el recorrido que se plantea empieza con la pieza que cerraba aquella muestra para adentrarnos después en el corpus artístico que ha ido configurando desde entonces. De esta manera, la pieza que da la bienvenida en la Sala Alcalá 31 es Martirologio cromático (2006) aunque la que cerraba era Iceberg tropical. Esta muestra funciona como un impulso, como quien camina dos pasos atrás para coger carrerilla. Como una especie de mapa que dice “vengo de allí y voy hacia aquí”. 

    Desde entonces, su obra no ha cambiado de manera radical pero sí se pueden encontrar matices que la diferencian. “Mi obra ha ido creciendo. En los 80 tuvo un momento de consagración y de maduración y ese proceso de cambio no ha parado nunca. No soy un artista que se acomoda en una manera de trabajar y se dedica a copiarse a sí mismo. Supone un gran esfuerzo cada día porque la pintura, si se toma en serio, es un trabajo muy duro. Con esta muestra mi obra está terminando”, apunta Luis Gordillo. 

    El objetivo de esta temporal, que reúne también algunos de sus antipoemas y que cuenta con un catálogo coeditado junto a la editorial Turner con textos de Luis Gordillo, Bea Espejo y la historiadora del arte Chus Martínez, es implicar al visitante de manera activa y mostrarle las tensiones y energías que desprende el trabajo del artista desde dentro, ofreciendo una doble perspectiva: por un lado, una visión macroscópica de familias afines de cuadros y temas recurrentes de su carrera y, por otra, una observación detenida de las convulsiones, exploraciones y derivas de su proceso creativo. 

    En este sentido, las obras de esta exposición “se entienden como contenedores cuya función es dar una forma externa a lo que fluye, a lo que se acaba -apunta Espejo-. Aunque todo en su pintura última está a punto de empezar”.

    Datos biográficos

La larga carrera artística del sevillano Luis Gordillo muestra un personal eclecticismo que funde desde el pop al informalismo o la geometría. La ironía, el uso del color y la investigación tecnológica de la imagen y sus usos, dejan ver la disyuntiva entre un trabajo directo y expresivo y una realización controlada, limpia y perfeccionista. Inclasificable y personal, su obra ha recibido importantes premios nacionales e internacionales.

    Luis Gordillo nace en Sevilla en 1934, segundo hijo de ocho hermanos. Estudia derecho y música y posteriormente decide ser pintor. Asiste durante dos años a la Escuela de Bellas Artes de Sevilla. De 1958 a 1960 reside en París donde estudia a fondo museos, cinemateca, y sobre todo vive un clima de libertad de vida y de lecturas entonces difícil en España. Al abandonar París, entra en crisis y no vuelve a pintar hasta 1963, regresando dentro de una estética pop, con su famosa serie Cabezas. A partir de 1970 tras su profunda crisis, empieza a pintar cuadros llenos de color y con un elemento nuevo, la ironía. En los 80, su pintura se hace más abstracta y menos colorista, pero sigue conservando la influencia que desde los 70 tienen en su trabajo técnicas mecánicas como el offset, la fotografía o más recientemente, el ordenador, como parte de su amplia investigación en torno a la transformación de las imágenes y los media.

    Premio Velázquez a las Artes Plásticas 2007, Premio Nacional de Artes Plásticas en 1981, Premio de la Comunidad de Madrid a la Creación Plástica y el Premio Andalucía de Artes Plásticas en 1991, Premio de la CEOE a las Artes Plásticas en 1992, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 1996, Premio Tomás Francisco Prieto de la Casa de la Moneda en 1999, Premi Ciutat de Barcelona d’Arts Plàstiques en 2000, Premio Aragón-Goya de Pintura en 2003 y Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid en 2004. Ha sido distinguido en 2008 con la Orden de Caballero de las Artes y las Letras de Francia por el ministerio francés de Cultura y Comunicación.

Exposición- “EL JAPÓN EN LOS ANGELES- Los Archivos de Amalia Avia”

Sala de Exposiciones Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid

Calle Alcalá, 31

Del   23    de septiembre de 2022 al 16 de enero de 2023

Mayca NÖIS

06/11/2022.-Madrid.-  El emblemático edificio de Antonio Palacios (1935) que fue sede del Banco Mercantil e Industrial y que desde 2002  (remodelado) depende de la Comunidad de Madrid como Consejería de las Artes   y salas de exposiciones  en su línea sobre arte contemporáneo nos presenta 113 obras de Amalia Avia  (Santa Cruz de la Zarza, Toledo-1930/Madrid 2011)- bajo el título “El Japón en Los Ángeles” que pertenece a un cuadro exhibido en sala que corresponde a una fachada.

Primera muestra monográfica recorriendo su obra y archivo.  Avia pertenece a una generación de mujeres artistas a las que la sociedad ha ido olvidando y que es momento de que empiecen a conocerse sus trayectorias.

Comisaria de la exposición Estrella de Diego  quien explicita“ Una artista durante años considerada realista por el simple hecho de no ser abstracta. Aunque la pregunta surge irremediable ¿qué es lo que pinta Avía al no poder fotografiarlo?. La presente exposición plantea esa y otras cuestiones y revisa la obra de Amalia Avía desde un punto de vista actual buscando otras perspectivas que delinea el uso de la fotografía en su producción –desde fotos hechas por ella misma o su familia hasta recortes de periódicos. Son las suyas fotos que jamás presentan literalidad alguna; un punto de partida para captar después, a través de los cuadros, esas atmósferas en las cuales es maestra; extraordinarios tiempos detenidos….” “La idea del archivo, del tiempo, de la ciudad, de los edificios que se caen, tiene una idea de recuperar esos espacios, ese tiempo suspendido. A ella misma le fascina lo que está a punto de extinguirse o que ya se ha extinguido y hay que intentar salvar”

El hijo de la artista Diego Muñoz Avia (su padre el pintor abstracto Lucio Muñoz) ha sido un incentivador y cooperador de la exposición. Incluyendo un llamamiento social en redes para aportación de obra ya que Avía  fue una artista muy comprada en su momento. Artista humilde  -reconocida su figura en fotogramas con sus rebequitas y pelo corto y su suave sonrisa- Muy prolífica con el conocimiento del millar de obras creadas. Sus cuadros en principio firmados con sus iníciales para más tarde pasar a firma completa cuando consideraba que la obra estaba bien realizada. Un tema difícil para Avia era el económico en que le resultaba imposible poner precio a su obra “En el momento de la venta se iba, no lo podía soportar” relata su hijo.

La exposición ha sido acertadamente fraccionada no por fechas sino por temática en tres apartados: La vida cotidiana, las ciudades vaciadas y objetos encontrados.

Partiendo para su realización en fotos previas, muchas veces haciendo collage, que han aparecido en gran cantidad en su archivo personal en cajas de zapatos.   Por este motivo en la exposición se han situado fotografías acompañando a la pintura en algunas ocasiones. “Hemos puesto las fotos al lado de algunos cuadros para que el público vea la conexión, pero no hemos querido fetichizarlas. Una foto es un objeto de trabajo, que está usado y manchado de pintura. Avia customiza las foto, las pinta, las cambia por completo” explica Estrella de Diego 

La exposición es un viaje del amor. Recorrer las calles y fachadas de Madrid de hace un siglo: Malasaña, Puerta del Sol, Recoletos, Puerta de Alcalá, Palacio de Cristal del Retiro, San Bernardo ……. La vida cotidiana subiendo las escaleras del metro, peluquerías, tabernas, las cajas de frutas amontonadas en las que puede leerse   “frutas Amalia” y “verduras Avia”  .  .El público amontonado frente a la familia de Carlos IV en el Museo del Prado.      

Los interiores de la vida cotidiana en diferentes estancias de una casa: comedor, cocinas, dormitorios con su especial detención en el objeto más cotidiano las camas.

Los objetos que llaman su atención: la mecedora, la máquina de coser, la máquina de escribir, un confesionario de la catedral de Santiago. Puertas de tiendas y garajes de muchas de las casas en que vivió

“Mi pintura es realista, pero no de un realismo exagerado, con pocos detalles. He pintado por todo Madrid. No pinto la figura humana, pero sí la huella que deja, lo que rodea al hombre” ha explicado  Avia en varios momentos sobre su arte.

Su método  “recuerdo a mi madre trabajando y todo el procedimiento tenía algo muy físico. El aspecto material del cuadro y el aspecto plástico para ella era muy importante” Prendía fuego al cuadro rociado de aguarrás, una vez terminado de pintar, lo quemaba para volver a rehacerlo. Y lo rehacía en muy poco tiempo. Hasta conseguir esa apariencia de deterioro en el paso del tiempo y las texturas que con el pincel no eran fáciles en veladuras que creaban el ambiente”

 Son la historia consecuencia de la España gris  y de su infancia  y adolescencia con la pérdida de sus dos hermanos mayores por tuberculosis o por la muerte de su padre en los primeros días de la Guerra Civil “como persona era vital y alegre, pero todo eso lo llevaba por dentro y a lo mejor con el pincel le salía” Así lo explica su hijo Muñoz Avia

Sus iniciaos en el arte en su aprendizaje en la academia de Eduardo Peña.en los años 50 .Sus grupos ya de colegas para el futuro y que posteriormente fueron los denominados mundialmente los Realistas de Madrid: Isabel Quintanilla, María Moreno,  Los López –Antonio, Julio y Francisco-, Esperanza Parada- Perteneció a afamadas galerías: Juana Mordó, Biosca, Juan Gris. Su obra figura en colecciones  privadas y Museos

Una sorpresa en su trayectoria la publicación de sus memorias en 2004 con un título muy indicativo “De puertas adentro”. En ellas manifiesta su sentir íntimo y su vida y la de su generación que nos revela su sentido y sensibilidad vital y de  trabajo a través de la escritura con muy buena prosa.

“Pinto lo que no puedo fotografiar. Uso la fotografía únicamente como modelo. Si son termas de Madrid, hago la fotografía y luego me acerco a ver el lugar mientras lo pinto. .Si el lugar no es Madrid lo que pinto está basado en los recuerdos que me traigo. En cambio, mis compañeros realistas pintan del natural, pero cada uno tiene su método y costumbres” son las palabras de Amalia Avia.  Estrella de Diego lo corrobora “Ella sabe ver lo que otros no veíamos y también le pasa al utilizar las fotos para pintar. Y eso no es realista”

Cabe una pregunta ¿porqué pintar un paisaje urbano cuando se ha tomado una fotografía? Si cabe .Sin embargo  falta el elemento artístico: la atmosfera y es por la que Avia se implicó en su trabajo  de creación.

Amalia Avia una intimista a quien le gustaba pasear en los días nublados bajo el cielo gris encapotado. Una revelación en el devenir ruidoso y clamorosamente exhibitorio actual. Por eso esta exposición, tan necesaria, obtiene un diario acercamiento muy numeroso y comentado. Acertadamente definido por Estrella de Diego como “traducciones sentimentales”

Se acompaña a la exposición de  una programación en paralelo de actividades: visitas guiadas en grupos, recorridos  urbanos por  Madrid y una audio guía descargable en sala-

Pintura de Amalia Avia

Azucena Vieites, expone "Playing Across Papers", obra sobre papel en la Sala 31 de Madrid

“Playing Across Papers” de Azucena Vieites

Sala Alcalá ( C/ Alcalá 31, Madrid)

Horario: De martes a sábados: 11.00 a 20.30 h / Domingos: 11.00 a 14.00 h/ Cerrado: lunes, 24, 25, 31 de diciembre 2020, 1 y 6 de enero 2021

L.M.A.

    5/12/20.- Madrid .- La Sala Alcalá 31 presenta la exposición “Playing Across Papers” de la artista Azucena Vieites. Una reflexión sobre las jerarquías del dibujo convencional, articulada mediante un montaje expositivo expandido, que compone conjuntos fragmentarios y repeticiones rítmicas y aleatorias.

La exposición organizada por la Consejería de Cultura y Turismo, Dirección General de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid, está comisariada Mariano Mayer y se podrá visitar hasta el 6 de enero 2021 en la Sala Alcalá 31.

A través de lenguajes artísticos sencillos como el dibujo, el collage o la serigrafía, y de materiales económicos como las fotocopias o la cartulina, Azucena Vieites desarrolla un trabajo artístico con ecos de diferentes tendencias como el dadaísmo, el punk, la música, la cultura DIY (“hazlo tú mismo”) y el pensamiento feminista.

Azucena Vieites revisa la capacidad del arte para crear formas y escrituras críticas, con una estética expresamente low-fi, cuestionando tanto la profesionalidad como el dogmatismo de un mensaje cerrado. Todo ello a través del empleo de materiales extraídos de revistas de arte y moda, portadas de discos, fanzines, pancartas o libros y publicaciones feministas, entre otros.

Es la primera muestra que reúne el trabajo de Vieites entre 1992 y 2020 en torno a la re-significación de su propio repertorio visual, siempre en constante actualización y proceso.

La artista emplea materiales visuales disponibles en revistas de arte y moda, portadas de discos y CD, fanzines, fotografías, pósteres de festivales, pancartas o libros y publicaciones feministas. Estas imágenes realizadas a partir de otras imágenes expresan, a través de la repetición, la seriación y el remake, la trama cultural que las constituye. El ojo selector de la artista pocas veces repara en una imagen completa. A cambio propone constelaciones de fragmentos, que expresan el bajo interés por la completitud y la desconfianza hacia la imagen absoluta.

Playing Across Papers es un acto de re-significación del repertorio visual de Azucena Vieites. Si bien esta es la primera exposición que reúne tal volumen de piezas, desarrolladas entre 1992 y 2020, sus características procesuales y su constante actualización impide ser presentada como una exposición retrospectiva. El proyecto se centra en un caso particular de producción de imágenes, alejado de todo virtuosismo y reglado por una deliberada economía de recursos. Playing Across Papers es un acto de visión que expresa el estado no natural de las imágenes artísticas y permite vislumbrar las estructuras culturales que las habitan.

Azucena Vieites (Hernani, 1967) ha desarrollado como artista un trabajo en torno a las técnicas y los procesos gráficos de la expresión como el dibujo o la serigrafía, que en la actualidad compagina con su labor docente en la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de Salamanca. Ha expuesto de manera individual y colectiva en numerosas galerías, centros de arte o museos, como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, CentroCentro, el Museo San Telmo de San Sebastián o el MUSAC, entre otros.

Carmen Calvo, Exposición retrospectiva en la Sala 31 de Madrid, comisariada por Alfonso de la Torre

L.M.A.

La artista visual Carmen Calvo expone en la Sala Alcalá 31 hasta el próximo 29 de enero ‘Todo procede de la sinrazón (1969-2016)’, una muestra que propone una mirada cronológica y temática del trabajo de la creadora valenciana. La exposición, comisariada por Alfonso de la Torre.

La exposición presenta setenta y siete pinturas, esculturas, dibujos e instalaciones datadas entre 1969 y 2016. Algunas de estas obras, estuvieron expuestas en 1980 en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York con motivo de la exposición ‘New Images from Spain’ y fuesu primer reconocimiento como “la idea de la arqueología, una idea que me fascina: el concepto de repetición y redescubrimiento del objeto”.

Tras una introducción en la que se presentan dos simbólicas pinturas figurativas de sus Escenas de caza, una de ellas de 1969, la más antigua de la exposición, y Et pourlèche la face ronde (2013-2016), realizada ex profeso para la Sala Alcalá 31 y que concluye cronológicamente la retrospectiva.

La exposición se articula a través de cinco capítulos. En el primer capítulo, “Una arqueología de lo imaginario”, época próxima a su estancia en París, se muestran pinturas, principalmente de elementos de barro cocido cosidos a los lienzos y esculturas de los años 80.

El segundo capítulo, “Ceremonia y objeto”, se corresponde en buena parte con los años 90 y trata principalmente de la ceremonial relación de la obra de Carmen Calvo con el objeto. Partiendo de su Autorretrato, se muestran ciclos como los llamados Cauchos, obras realizadas sobre soportes con pan de oro, surreales mesas con objetos o sus creaciones que incluyen cabello. Asimismo, algunas de sus obras capitales de la exposición están presentes en este capítulo, como Una conversación (1996-97) -realizada para la Bienal de Venecia-, instalaciones de extraordinario formato como Silencio (1995) o los impresionantes polípticos Naturalezas (1993-94) y Sin título (1996-97), que se consideran obras ineludibles, esenciales en esta muestra retrospectiva.

En el tercer capítulo, “Canibalismo de imágenes”, se analiza la relación de Calvo con la fotografía y el cuarto capítulo de este recorrido, “Las alucinaciones son innumerables”, está dedicado a la obra sobre papel e incluye algunos de sus libros intervenidos y un centenar de collages, dibujos y apuntes nerviosos, qué a modo de convulso mosaico supone un repaso a sus ‘innumerables alucinaciones’, con aire de taller, padecidas durante su trayectoria dibujística. La muestra culmina con un quinto capítulo, un espacio con contenido multimedia que recoge sus preferencias cinéfilas y musicales, fundamental para la comprensión del ingente corpus de su obra.

"La caza"

Carmen Calvo (Valencia, 1950) estudió Bellas Artes y Publicidad en Valencia, donde actualmente trabaja. Su presencia en convocatorias artísticas nacionales e internacionales ha sido constante. Ha obtenido prestigiosos galardones como el Premio Nacional de Artes Plásticas (2013) y, en 2014, fue nombrada Académica de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Sus obras forman parte de las colecciones de los más prestigiosos museos y colecciones nacionales e internacionales.

Con motivo de la exposición, se ha editado un catálogo bilingüe español-inglés con imágenes de las piezas y textos del comisario, Alfonso de la Torre, y del ensayista, crítico de arte y profesor, Valeriano Bozal. De manera paralela se llevará a cabo un completo programa educativo de actividades gratuitas: visitas dinamizadas, talleres intergeneracionales, visitas para grupos y colectivos y una nueva edición de los Encuentros en Alcalá 31: charlas con especialistas, y con el comisario y la artista.

Más información

www.madrid.org.

Pello Irazu transforma en una gran instalación artística la Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31

 

“El muro incierto” comprende once creaciones del artista y el modo de presentación del conjunto constituye, en sí mismo, la obra más relevante

 Utiliza multitud de formatos, materiales y dispositivos, junto con expresiones consideradas gráficas, como la pintura mural

 Esta exposición de uno de los representantes más destacados de la escultura española, podrá verse hasta el 19 de abril

 El jueves 12 de febrero se celebrará un encuentro del artista con el público, para el que es necesaria la inscripción previa

L.M.A.

10.feb.14.- La Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31 presentó hoy la

muestra titulada El muro incierto, obra de uno de los artistas más

destacados de la escultura española actual, Pello Irazu, y que forma parte

de la programación de la feria ARCOmadrid 2015. La Consejería de

Empleo, Turismo y Cultura del Gobierno regional presentó este proyecto,

diseñado específicamente para esta sala, y que puede visitarse del 12 de

febrero al 19 de abril.

Para Pello Irazu la escultura tiene un carácter extremadamente

abierto y, además de utilizar multitud de formatos, materiales y dispositivos,

también recurre a expresiones consideradas gráficas, como el dibujo o la

pintura mural. Todo ello queda plasmado en esta exposición.

En El muro incierto se muestra por primera vez un conjunto de diez

obras del artista fechadas entre 1991 y 2004. Además de pinturas murales,

algunas de estas instalaciones incluyen otro tipo de objetos (escultóricos,

arquitectónicos, gráficos y sonoros) y el modo en que se presentan todas

constituye en sí mismo una obra más de la exposición, de hecho la obra

más relevante.

El artista ha dialogado con el espacio, diseñado por el mítico

arquitecto Antonio Palacios y levantado entre 1935 y 1943. Pello Irazu ha

definido una configuración espacial laberíntica a base de muros que, más

allá de ser soportes de la obras, constituyen un todo expresivo que, junto

con las peculiares características de esta sala de exposiciones, permite

diferentes aproximaciones y experiencias espaciales. El visitante puede

experimentar el lugar como un espacio donde contenido y contenedor;

arquitectura, escultura y pintura, se relacionan en un juego muy particular

que le hará reflexionar sobre la manera habitual de sentir el espacio y la

forma.

Las obras que conforman El muro incierto son: Historia Natural

(1991), Summer Kisses (1992), A la maison (1995), La esquina (1995),

Meeting Point (1997), The Wound (1998), 330 (1998), Life Forms 2(2001),

Per la Rosa (2002), Serie B (Ercilla) (2004) y NMT (2015). Casi todas ellas

han sido presentadas en anteriores exposiciones individuales del autor, a

excepción de Historia Natural, que se muestra aquí por primera vez, en la

Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31, y NMT, creada específicamente para

este espacio.

Un encuentro con el artista y visitas guiadas

Dentro de la programación de actividades complementarias a la exposición

El muro incierto, de Pello Irazu, la Comunidad de Madrid ha organizado un

encuentro con el artista. Será el jueves 12 de febrero, a las 19:00, en la

propia Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31 (C/Alcalá, 31, Madrid).

Además, a partir del 19 de febrero, todos los jueves (salvo el 19 de

marzo y el 2 de abril, que son festivos) se realizarán visitas guiadas a la

muestra, a las 19:00. Y, con motivo de la celebración de ARCOmadrid 2015,

habrá una visita extraordinaria el sábado, 28 de febrero, a las 12:00. La

duración de estas visitas será de unos 50 minutos (aproximadamente) y

están recomendadas para mayores de 13 años. El acceso es gratuito, pero

con aforo limitado, por lo que es imprescindible inscribirse con antelación.

Puede solicitarse información a través del correo

actividades.espaciosparaelarte@gmail.com

Pello Irazu

Nació en Andoain (Guipúzcoa) en 1963. Allí residió hasta que, en 1981 se

trasladó a Bilbao para cursar estudios de Bellas Artes en la Universidad del

País Vasco, donde se licenció en la especialidad de Escultura.

Pronto, su trabajo comenzó a obtener reconocimientos. En 1984

obtuvo el Premio de Escultura de la Bienal de Vitoria, en 1986 el Premio de

la Muestra de Arte Joven en Madrid, en 1987 el Premio de Escultura de

Bizkaia y en 1988 el de la IV Trienal Internacional de Dibujo de Nuremberg y

el premio ICARO al artista joven español más destacado.

En 1990 fue seleccionado para participar en el Aperto de la Bienal de

Venecia y también recibió la prestigiosa beca Fullbright del Comité Conjunto

Hispano-Norteamericano para desarrollar su trabajo en Nueva York, donde

residió hasta 1998. A partir de ese año vive y trabaja en Bilbao. Ha

participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas.

Su obra está presente en numerosos museos y colecciones: ARTIUM.

Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria; Museo Guggenheim,

Bilbao; Museo de Bellas Artes de Bilbao; MACBA, Barcelona; MNCARS,

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Colección Banco de

España, Madrid; Museo Marugame - Hirai de Arte Español Contemporáneo,

Japón y Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Viena, entre otros.