FERNANDO PAGOLA, pintor arquitecto, presenta su ‘Triple concierto’ en el MUN, una exposición en la que explora la construcción de la imagen y la representación del movimiento

La muestra es resultado de la participación del artista y arquitecto en el programa de residencias artísticas Tender Puentes del Museo

JESÚS PAGOLA, ARTISTA VISUAL

                L.M.A.

 Pamplona, 01.05.2023- Como una suerte de concierto visual en tres tempos llega desde este martes al Museo Universidad de Navarra la exposición Triple concierto, del artista y arquitecto Fernando Pagola (San Sebastián, 1961), afincado en Navarra. La muestra, con un sorprendente display escenográfico, al modo de los grandes ciclos pictóricos de la Edad Moderna, presenta tres trabajos distintos y es el resultado de la participación del autor en el programa de residencias artísticas Tender Puentes del Museo, en el que artistas contemporáneos se inspiran en la Colección de fotografía histórica del MUN. 

El proyecto, abierto y multidisciplinar, ha contado con el apoyo de la empresa VDR y de José Ignacio Labiano y Gotzon B. Arcocha en memoria de doña Blanca Ilundain Baines. En la presentación a los medios ha estado acompañado por Jaime García del Barrio, director del Museo Universidad de Navarra. 

En Triple concierto, Pagola explora la construcción de la imagen, la representación del movimiento y la deconstrucción de la figura y el color. Como explica el artista, el título de la exposición es una metáfora: “Hay tres temas que siempre he ido barajando dentro de mi trabajo y por eso quería presentarlas aquí. Son tres instrumentos que construyen una melodía en la que me muevo en mi trabajo”. 

El primero de estos trabajos es Gilgamesh Enkidu – Allegro Enérgico, un gran mural con una superficie cercana a los 600 metros cuadrados que se dispone recubriendo por completo los 90 metros lineales del perímetro de la sala 0 del Museo. 

La semilla de este trabajo está en un encargo del escritor Andrés Barba para ilustrar un texto sobre la lucha, además de revisitar desde otra perspectiva el poema de Gilgamesh (2.500-2000 a.C), una obra de literatura épica de origen sumerio. “Me interesa mucho como metáfora esa lucha que el ser humano hace para resolver cuestiones. Esta se convierte en danza, en una especie de homenaje. Hay muchas lecturas de esta pieza, que integra la pintura, la fotografía, la danza y la literatura, por lo que los temas son muy abiertos”.

También se presenta Proyecto Frankfurter - Andante espressivo, dispuesto en una pasarela en la parte central de la sala y que parte de las páginas de este periódico alemán. Esta disposición especial no solo permite al espectador pasear entre las imágenes, sino que también respeta el espacio del mural que lo envuelve.

         “Este es, probablemente, el periódico cultural más importante que hay en Europa, donde siempre han tenido un cuidado exquisito en la tipografía y en las imágenes. Es un medio que he utilizado mucho y durante años ha habido una metamorfosis de todo el trabajo realizado con él. Lo que se presenta en esta exposición es la última etapa de este proceso en el cual mezclo la pintura con las imágenes, a la que elimino el texto y, por lo tanto, las descontextualizo. Se convierten entonces en una especie de collage”, detalla el autor.

    Finalmente, Dietario - Grazioso e giocoso recoge las agendas y diarios utilizados por el artista a lo largo de los años y que funcionan como una suerte de laboratorio artístico. “En ellas voy apuntando todos los registros de mi vida: textos, anotaciones, dibujos y pinturas. Se genera otro mundo, en el que dejo entrar al espectador, pero no le doy más claves que las que él quiera utilizar”, indica el artista. Este último trabajo se ubica junto al Patio Norte del Museo, en la planta 0.

En palabras de Pagola, “la influencia que ha tenido la Colección del Museo Universidad de Navarra en este trabajo se fundamenta en la idea de cómo se construye la imagen de la modernidad o de la contemporaneidad. Tanto en los periódicos como en las imágenes fotográficas que he utilizado, lo que me interesa es ahondar en esa idea de cómo los fotógrafos han construido la imagen actual”.

Así, la exposición busca establecer e identificar el hilo conductor de su devenir como artista, con lazos que unen su obra basándose en estrategias y soportes muy distintos entre sí, relacionando la ambigüedad de la representación y los mecanismos para su interpretación.

EL ARTISTA

Fernando Pagola (San Sebastián, 1961) es arquitecto y artista. Ha sido profesor de Proyectos y Dibujo en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra y miembro de la Dirección Artística del Museo Universidad de Navarra hasta 2021, cuando se retiró para llevar a cabo su proyecto de creación dentro del programa de la institución.

Ha expuesto su obra en ciudades de España y de otros países del mundo. Sus pinturas integran elementos de figuración impresionista y de abstracción. Además, es asesor de diversas instituciones sobre temas artísticos y también estratégicos.

Se define como "un arquitecto que pinta". Su formación le lleva a plantear y enfocar las cosas de una manera no necesariamente pictórica y eso, en sus propias palabras "tiene su parte buena que es que resuelves los problemas de otra manera".

JOSÉ LUIS ALEXANCO: EL MUN INAUGURA ‘39 DÉCIMOS’, EN LA QUE SE MUESTRA SU CUARTO DÉCIMO, SERIE DE PIEZAS REALIZADAS PARA EL PROYECTO DE RESIDENCIA ARTÍSTICA TENDER PUENTES

El artista estaba trabajando en este último décimo cuando falleció y es la primera ocasión en la que el público podrá contemplar juntos sus cuatro décimos

La muestra reúne piezas para acercarse al monumental trabajo pictórico de Alexanco, que acompañan a los cuatro Décimos, como la obra audiovisual en la que trabajó durante años, ‘Percursum’ (1964-2020)

Presentación de la expo. de Alexanco en el MUN

L.M.A.

        Pamplona, 19 de septiembre de 2022- Artista inclasificable, pintor, grabador, escultor, cineasta, instalador, excelso dibujante, pionero en el uso de la tecnología en el arte, hombre bueno, alegre, generoso y paciente, gran cocinero, apasionado por la poesía y el flamenco y de una curiosidad inagotable. Estas son algunas de las cualidades que definen a José Luis Alexanco (Madrid, 1942-2021), autor de Treinta y nueve décimos, la exposición que este lunes inaugura la sala LaCaixa del Museo Universidad de Navarra y que podrá visitarse hasta el próximo 26 de marzo. En su presentación a los medios han estado presentes Valentín Vallhonart y Rafael Levenfeld, directores artísticos del Museo y comisarios de la muestra; Nieves González, viuda del artista; el artista Sergi Aguilar y la matemática Capi Corrales, ambos amigos del artista; y el músico José Tejera Osuna.

La muestra, un homenaje al artista, exhibe por primera vez su Cuatro Décimo, obra que realizó para el proyecto de residencia artística Tender Puentes del Museo y en el que estaba trabajando cuando falleció en 2021. Es la primera vez que el público podrá contemplar juntos sus cuatro Décimos, junto a pinturas y dibujos que ayudan a modo de obertura a esta magna obra. Así, 39 décimos, que se concibe como una síntesis de su ser artístico y no como una muestra antológica, se articula en torno a los principales aspectos del proceso de trabajo del artista entre 1964 y 2021.

“Alexanco aceptó la invitación del Museo para comenzar un proyecto nuevo que pudiera estar enmarcado en nuestras residencias, que le permitiera abrir un proceso artístico y ponerlo al alcance de los distintos públicos. Para ello, contábamos con su presencia, voluntad y disposición y con la ilusión que suponía para él volver a Pamplona y celebrar su 80 cumpleaños con nosotros en el año del 50 aniversario de los Encuentros de Pamplona del 72, de los que él fue responsable con Luis de Pablo”, rememora Vallhonrat. Sin embargo, durante ese proceso creativo, el artista falleció, la pieza quedó inacabada y el Museo se planteó la cancelación del proyecto. “Recibimos el inmediato apoyo de la familia del artista. Pese al duelo, ellos eran testigos de la ilusión, trabajo y estado en el que estaba la pieza. Sus amigos cercanos, en medio del dolor que suponía su pérdida, también sabían de la importancia del proyecto, que pasó de contar con la presencia y palabra del artista a ser un proyecto curatorial con un espíritu coral”.

Ahora, puede verse por primera vez esta pieza, unida a los otros tres murales de la serie Los Décimos, que el artista inició en 1976: “Se trata de 48 años de trabajo. La exposición recoge también los antecedentes y origen de la obra de Alexanco, con un primer dibujo de 1964, y las piezas que permiten seguir su evolución”. 

Con el cuarto Décimo, se ofrece al visitante una perspectiva de su proceso creativo, ya que cada una de las piezas se encuentra en un estadio de terminación diferente mostrando de este modo el proceso de trabajo del artista en su creación. Para su realización, Alexanco partía de una primera impresión, habitualmente un dibujo escaneado sin importar su resolución, ya que la pieza iba adquiriendo definición y líneas precisas a través de las distintas capas que se añadían en la composición. Recortes, tramas, dibujos, pintura..., capas que se acoplan hasta adquirir su aspecto final. 

“Es una posibilidad poco usual: acercarnos la obra más reciente del artista para ir hacia atrás en el tiempo para acceder a su sabiduría y conocimiento, a la evolución de su lenguaje, a comprender la riqueza de los recursos a través de la observación, del encuentro con los detalles, a tener que movernos para poder ver las piezas en su totalidad”, explica el comisario. En este sentido, apunta que “los Décimos, piezas panorámicas de quince metros de ancho, nos obligan a caminar, a acercarnos y alejarnos. Nos invitan a pensar, sentir, ver, a ser activos y no espectadores pasivos”.

    La sala de proyección, Percursum, una gran pieza fílmica y sonora con música de José Tejera Osuna, funciona, a su vez, como un compendio de su trayectoria. “En sí, es una obra total, una película que penetra en la obra de Alexanco. Sucede en el interior de su pintura, de su dibujo, de sus esculturas, e incluye movimiento, tiempo, ritmo y música. La música que está presente como una partitura en toda la obra de Alexanco. El ritmo y cadencia que marcan sus Décimos y que nos invitan a encontrar resonancias y ritmos internos, en Percursum se hacen visibles y audibles”, detalla. El guion de la película es del propio Alexanco, la música y el montaje de José Tejera; y el movimiento, ritmo, narrativa, tiempos, música y las voces son de Dora Tisserand y Mai Aftah al Bouny.

39 décimos recoge el espíritu inquieto de un artista a quien siempre le atrajo más el proceso que el resultado, la infinita capacidad de transformación de ideas, creación, datos y materia. 

TREINTA Y NUEVE DÉCIMOS. JOSÉ LUIS ALEXANCO

AUTOR: José Luis Alexanco

COMISARIOS: Rafael Levenfeld y Valentín Vallhonrat

PRODUCE: Museo Universidad de Navarra 

FECHAS: 19 de septiembre de 2022 – 26 de marzo de 2023

LUGAR: sala LaCaixa, planta 0

Nº DE PIEZAS: Cuatro décimos formados por 39 piezas, cinco dípticos, dos dibujos, un collage y siete pinturas

ACTIVIDADES COMPLEMETARIAS:

● 19 de septiembre, 19 h. El artista está en el Campus. Masterclass con Sergi Aguilar, artista y amigo personal de Alexanco. 

● 7 de octubre, 17 h. Encuentro en Pamplona. Taller para adolescentes.

● 4 de noviembre, 19 h. Plano/Contraplano. Encuentros 72, Pamplona. Proyección del documental de José Antonio Sistiaga comentado por Manuel Hidalgo.

● 5 de noviembre, 10:30 h. Taller infantil Décimos.

● 5 de noviembre, 19 h.  Plano/Contraplano. George Méliès, cineasta de lo posible. Proyección con música en directo.

● 10 de noviembre, 19 h. Cómo hacer cosas con… Matemáticas. Con Capi Corrales, Jesús López Fidalgo y Pedro Maisterra.

● 15 de diciembre, 19 h. Tiempo de exposición. (Nuevo) ejercicio temporal. Conferencia con Alfonso de la Torre.

"ENTORNO ENCUENTRO EXPLORACIÓN", UNA MUESTRA COLECTIVA PARA RECOBRAR Y REDESCUBRIR LO QUE NOS RODEA A TRAVÉS DE LA EXPERIENCIA ARTÍSTICA

La exposición, que puede visitarse hasta el 3 de octubre, reúne las obras de 10 artistas y es resultado del Trabajo de Fin de Máster escogido de la II promoción del Máster en Estudios de Comisariado del MUN

La propuesta busca la participación activa del público e incorpora conferencias, visitas guiadas presenciales y online y distintos talleres con artistas

Comisarios y artistas de la exposición

    L.M.A.

          En Pamplona, 8 de septiembre- Una invitación a recobrar, redescubrir y reaprender lo que nos rodea. Esta es la propuesta de Entorno Encuentro Exploración, la muestra que inaugura la nueva temporada expositiva del Museo Universidad de Navarra, seleccionada de los Trabajos de Fin de Máster de la 2ª promoción del Máster en Estudios de Comisariado que se imparte en el centro. La propuesta reúne obras de diez artistas, procedentes de España, Argentina, Colombia, Canadá y Reino Unido: Daniela Acosta, Iñaki Chávarri, Olalla Gómez, Raúl Hevia, Antón Hurtado, Fernando Maselli, Ricardo Moreno, Kate McLean, Jessica Thompson y Ainize Txopitea.

En la presentación han intervenido los comisarios Renata Álvarez, Manuel Gamaza y María Angélica Moreno, graduados del máster y miembros de Colectivo Sobremesa; los artistas Antón Hurtado, Ainize Txopitea y Olalla Gómez; y la directora del posgrado, Nieves Acedo. “La muestra busca reflexionar acerca de la sensación de inestabilidad y fragilidad que nos ha dejado la pandemia y el confinamiento. Surge de una necesidad por incentivar la participación del público y hacer que se sienta indispensable. Por eso hay muchas obras que precisan de la interacción del público para ser activadas”, ha explicado Gamaza.

PÚBLICO ACTIVO

Por eso, los visitantes tienen un papel activo en la muestra, participando en el funcionamiento en algunas obras directamente o profundizando en ellas a través de los códigos QR que encontrarán junto a cada pieza o en la página web que complementa la muestra: https://entornoencuentroexploracion.com/. “Para nosotros era sumamente importante que los artistas tuvieran una conexión directa con el público, con investigaciones, y que estuvieran orientados a lo didáctico, ya que este es un museo universitario. Buscábamos un vínculo directo y queremos que las personas que visiten la exposición se sientan ligadas al espacio. La palabra clave es encuentro y buscamos que lo haya entre los artistas, los visitantes y las piezas”, ha apuntado Álvarez. En esta línea, Moreno ha recordado que el planteamiento se inició durante la pandemia, “aunque muchas obras fueron concebidas antes, pero tenían interés por el entorno, por conocerse a sí mismo y cómo nos reconocemos frente a los otros. En la exposición podemos transmitir esa experiencia y entender qué significa convivir en un espacio”.

Así, el público podrá visitar espacios de distintas ciudades a través de las distintas obras, con las que podrá interactuar. Pamplona está muy presente en la muestra con obras como Smellmap, de la artista inglesa Kate McLean, que ya había realizado un mapa olfativo en Pamplona en 2014 y que ahora busca ampliar. “Le propusimos crear una nueva actualización con un mapa participativo en el que pueden intervenir en la sala. Entonces creamos el contraste entre cómo olía entonces y cómo huele ahora, desde el Museo”, explica la comisaria. Otra de las propuestas relacionadas con la capital navarra, en este caso sonora, es Borderline, de la canadiense Jessica Thompson. “La artista cartografía los sonidos y este proyecto alude a los límites invisibles de las ciudades y, a través de una app, investiga efectos como la gentrificación, la contaminación, el desplazamiento en los barrios...”, señala Gamaza. 

Conexión interpersonal

Otros de los espacios que acerca la muestra es el mercado más destacado de la ciudad colombiana de Cartagena de Indias, a través de Mercado Bazurto, de Ricardo Moreno, que reproduce su ambiente sensorial. O las obras Plaza Mayor y Espacios Planificados del argentino Fernando Maselli, que captura momentos espontáneos en barrios madrileños en los que las personas se encuentran en la vía pública. Asimismo, el asturiano Raúl Hevia propone un recorrido a través del color por Bilbao con su obra Historia de la pintura en Bilbao a través de 8 distritos, 39 barrios, 872 calles, 1 archivo, 453 muestras, 2 piernas y un mapa; y el madrileño Iñaki Chávarri expone la pieza Separar, unir, en la que las fases del agua actúan como elementos de unión geográfica y espacial trascendiendo las barreras humanas. 

Por su parte, la madrileña Olalla Gómez ha explicado en la presentación su propuesta, titulada LIBERTAD: “Es una obra interactiva que está apagada hasta que las personas, al pasar por delante, la activen. Se necesita un mínimo de tres para que pueda ser completada. Es una llamada a la interdependencia y a conectarnos. Hay una afectación mutua”. También aborda este tema la colombiana Daniela Acosta, que en El precio de la libertad recoge la despedida de su abuela y su hermana em un aeropuerto, un momento cargado de incertidumbre.

En la presentación también han intervenido el pamplonés Antón Hurtado, que presenta un conjunto de nueve piezas y reivindica “las sensaciones que ocurren en el proceso de pintar porque la pintura representa un encuentro con uno mismo”. Asimismo, la donostiarra Ainize Txopitea ha destacado las claves de sus dos propuestas: “The time is now es un díptico que aborda una cuestión que siempre me ha interesado muchísimo, entender los arquetipos de la naturaleza y el paso del tiempo a través de su contemplación. Interestellar women muestra un exilio a otro planeta buscando la paz y la vitalidad y una vindicación de las mujeres en un lugar seguro, en otra galaxia”.

Además, se propone al público actividades complementarias. Se realizarán visitas guiadas presenciales y online, así como talleres con los artistas Raúl Hevia (abierto a toda la ciudadanía) y Jessica Thompson (dirigido a estudiantes del Campus de la Universidad de Navarra) y una propuesta especial para la asociación Eunate. 

LUIS GORDILLO, SOBRE ‘MEMORANDUM’ DEL MUN: “ES UNA EXPOSICIÓN MUY LIBRE, HECHA A CAPRICHO”

La muestra  reúne los principales trabajos del artista sevillano realizados el siglo XXI, más del 70% inéditos, en diálogo con piezas y series emblemáticas de su trayectoria 

‘Memorándum’ se despliega en planta 0 y la sala Torre del Museo Universidad de Navarra y puede visitarse hasta el 12 de septiembre

Presentación exposición de Luis Gordillo en el MUN

L.M.A.

    Pamplona, 3 de febrero de 2021- Innovador, vitalista, incansable, prolífico e inclasificable. Un auténtico tótem cultural y referente del arte contemporáneo del último medio siglo. Así es el artista Luis Gordillo (Sevilla, 1934), que este jueves inaugura Memorándum en el Museo Universidad de Navarra. La exposición, comisariada por Sema D’Acosta y producida por el propio centro, pone el acento en los principales trabajos del artista realizados en el siglo XXI, en diálogo con algunas otras piezas y series emblemáticas de su trayectoria anterior. 

De hecho, más del 70% de las obras que se exhiben son inéditas, desplegadas en la planta 0 y sala Torre del Museo. Además, reúne más de un centenar de dibujos y materiales del trabajo que permiten acercarse a su proceso creativo.

Gordillo, que ha participado en la presentación en Pamplona por videollamada desde su domicilio madrileño, ha destacado que está “muy contento” con la exposición, que se ha gestado de forma “muy libre, como capricho”. Desde la sede del Museo le han acompañado el comisario Sema D’Acosta y Valentín Vallhorant, director artístico del Museo junto a Rafael Levenfeld.

D’Acosta ha destacado que Luis Gordillo es “un artista que lleva en primera línea desde los años 70, que nos permite comprender el cambio que hemos vivido en este medio siglo. Un autor a caballo entre dos mundos muy distintos y que se siempre ha arriesgado, moviéndose en los límites. Y sigue muy activo”. 

PROYECTO EXCEPCIONAL Y ACTIVO

Asimismo, ha definido Memorándum como un “proyecto excepcional, el más ambicioso de Gordillo en la última década. Una exposición activa, que tiene en cuenta al artista, en constante diálogo con el Museo”. En este sentido, ha explicado que el espectador va a encontrar una muestra “que es lo contrario a un proyecto histórico o retrospectivo. Está cargada de afectividad”. Centrada en la producción del artista del siglo XXI, con especial hincapié en los últimos 5 años, la muestra también reúne piezas iniciales, como una obra de 1959, que convive, por ejemplo, con un trabajo de enero de este mismo año. Además, pueden verse trabajos del artista realizados durante el periodo de confinamiento.

El propio Gordillo ha explicado que la muestra permite observar “el desarrollo de la obra, como si se viera con microscopio, las moléculas de la pintura, cómo se hacen más complejas, cómo se une, cómo se fabrican cuerpos. En mi pintura cada día es más importante cómo aglutinar cuerpos pictóricos, cogiendo síntomas directos de la sociedad o míos, y mezclándolos. Es como si estuviera fabricando otro Gordillo paralelo. Creo que eso define muy bien lo que quiero hacer”.

Sobre el título de la exposición, el artista ha apuntado que alberga una intencionalidad: “Es un discurso público, como ir al notario a decir la verdad para que conste. Además de algo irónico, por la excesiva importancia de la palabra. Tiene también que ver con mi edad (86 años), no porque piense que no vaya a vivir más, sino porque te vas acercando a la sensación de que esto tiene algún fin. Es ese aroma”. 

En su intervención, el comisario también ha subrayado que Memorándum “permite considerar en profundizar las líneas de investigación más destacadas de su carrera, dando especial importancia a la constante retroalimentación entre fotografía y pintura, un territorio característico del autor. Las imágenes van saltando continuamente de los cuadros a la fotografía. Es un planteamiento dialéctico, con la intención de descubrir aspectos sintácticos, estructurales, que sirvan para entender los modos de funcionamiento del artista”.

Asimismo, ha valorado que, en un momento tan difícil como el actual, este proyecto es “un ejemplo para todos porque es necesario asumir responsabilidades y compromisos con la cultura y la sociedad”.

Por su parte, Vallhorant ha subrayado que Memorándum es “un proyecto que revela los procedimientos que Gordillo utiliza para la fabricación de sus imágenes y que ofrece luz para comprender su proceso artístico”. En este sentido, ha resaltado que “el Museo es un centro investigador que pone el foco tanto en facilitar la experiencia del arte para el visitante y el estudioso, como para establecer canales que posibiliten el acceso al trabajo de los artistas. El resultado de la investigación de este proyecto es excelente, novedoso y ofrece una perspectiva nueva sobre el trabajo de uno de los pintores vivos más importantes de España”.

EL MUSEO UNIVERSIDAD DE NAVARRA CELEBRA EL DÍA INTERNACIONAL DE LA DANZA CON EL ESTRENO DEL VÍDEO ‘TRANSMUTACIÓN’ DE ANTONIO RUZ

El estreno absoluto del espectáculo tuvo lugar en las salas expositivas del Museo el pasado 9 de noviembre, en el ciclo ‘Museo en Danza’

Ruz se inspiró en fotografías de autores del siglo XX de la Colección del Museo para crear la coreografía que interpretaron los bailarines Irene Tena y Albert Hernández, cedidos por el Ballet Nacional de España

L.M.A.

En Pamplona, 28 de abril del 2020- Con motivo de la celebración del Día Internacional de la Danza, este miércoles 29, el Museo Universidad de Navarra estrena el vídeo Transmutación del bailarín y coreógrafo Antonio Ruz. Las salas expositivas del Museo acogieron el estreno absoluto de este nuevo espectáculo del Premio Nacional de Danza 2018, dentro del ciclo Museo en Danza.

 Fotografías de autores del siglo XX de la Colección del Museo, como Dolcet, Masana Fargas, Catalá Roca, Colom i Altamir, Nyssen, Mariné y Ortiz-Echagüe, inspiraron a Ruz en esta coreografía que interpretaron los bailarines Irene Tena y Albert Hernández, cedidos por el Ballet Nacional de España. El audiovisual recoge sus declaraciones y las de Daniel Muñoz, creador musical, y escenas de la presentación ante el público filmadas durante el estreno. Con él, se busca documentar el proceso creativo de la pieza y su diálogo con la arquitectura del Museo.

El origen de Transmutación tuvo lugar en 2018, con la invitación que José Manuel Garrido, director artístico de Artes Escénicas y Música del Museo, hizo a Ruz para que participara en el programa de acompañamiento de artistas durante sus procesos de creación. Los elementos clave de este proyecto, alineados con la misión del Museo, son el diálogo entre las artes plásticas y escénicas, la confrontación de lenguajes, el arte en movimiento, la conexión con la comunidad universitaria, el registro de los procesos creativos y la comunicación con el público. Así, en este trabajo el Museo actúa como fuente de inspiración, apoyo y canal para el nacimiento de una obra viva.

            “Transmutación es la idea de pasar del papel, de la fotografía, a las tres dimensiones. La premisa que me exigí para hacer esa selección de fotos fue el ‘cuerpo-acción’. En todas, el cuerpo tiene un gran protagonismo”, explica el coreógrafo. Para comenzar a trabajar, mostró estas imágenes a los bailarines y les pidió que improvisaran. “Ha sido un trabajo arduo porque hemos trabajado intensamente sobre los matices y la fisicalidad de esos personajes”, cuenta Hernández. Asimismo, Tena subraya que trabajar con Ruz da “confianza y también confía mucho en tus propuestas. Eso hace que el bailarín esté mucho más cómodo”. En ese sentido, Ruz revela que las piezas “tienen mucho de ellos, de su imaginación, de lo que esa foto inspira” y valora que los bailarines han vivido este proceso con “mucho arrojo, libertad y naturalidad”.

Por su parte, el compositor musical apunta que “cada sala tiene un tipo de sonido. Buscar una unidad en relación a las salas, las obras y las imágenes referenciales es una aventura, algo que sucede en el momento y va a ser así una vez”.

Para el coreógrafo, a través de “ejercicios, improvisaciones y mucha investigación se consigue llegar a lugares interesantes”. Y ese fue el modo con el que gestaron esta obra, que también busca la interacción con el público, que sigue a los bailarines por las salas expositivas.  “Sacar la danza del espacio escénico convencional y el diálogo que hay con las obras del Museo siempre es interesante. Bailar delante de esas obras ya cambia el cuerpo”. Para los bailarines también supuso una experiencia nueva y enriquecedora, como explica Hernández: “Nunca habíamos bailado en un espacio así, junto a las obras de arte, que son una maravilla. Es increíble”.

LA DANZA, A TRAVÉS DE REDES SOCIALES

            El Museo también está celebrando esta efeméride a través de la campaña #MUNencasa en sus redes sociales. Esta semana, el centro ofrece otros contenidos especiales, como el vídeo que recoge la segunda edición de Museo en Danza, el pasado noviembre, ciclo patrocinado por Obra Social La Caixa, Fundación Caja Navarra e INAEM.

También mostrará un vídeo de Daniel Abreu, bailarín, coreógrafo y director de su propia compañía, así como director artístico de Lava Compañía de Danza, que visitó el Museo el pasado otoño. En él, comparte cómo está trabajando en su nuevo proyecto, Desde la ternura, un espectáculo inspirado en la fotografía Ternura de José Ortiz Echagüe, que se estrenará en el Museo el próximo otoño.

            Además, se compartirán obras comentadas de piezas pertenecientes a la Colección del Museo, que retratan temas dancísticos, de autores de los siglos XIX y XX como Alphonse De Launay, Edward Weston y Adolph Mas Ginestá.

El centro también propone artículos en torno a la danza en el blog munencasa.es. El lunes publicó el texto de Gregory Vuyani Maqoma, bailarín, coreógrafo, docente y actor sudafricano, sobre el poder de la danza; y este jueves lanzará uno sobre el Cuaderno de creación de Itsaso A. Cano, a cargo de la editora del libro, Ibis Albizu. Además, se propondrá la lectura de la publicación que inició esta colección, el Cuaderno de creación del coreógrafo y bailarín Javier Martín.

Asimismo, esta semana se propone recorrer la visita virtual de De Laboris, una muestra fotográfica del artista francés Pierre Gonnord, que albergó el Museo en 2016, y se compartirán piezas comentadas y vídeos, así como la invitación a leer el libro de la exposición. También se acerca al público a la organización de un concierto de la Orquesta Sinfónica Universidad de Navarra, de la mano de uno de sus miembros, el alumno Alessandro Speziale; y se ofrecerá una nueva píldora online sobre cómo escribir buenos cuentos breves, a cargo de Joseluís González, profesor de la Facultad de Comunicación. Con estos consejos, se anima a todos a participar en el concurso de microrrelatos organizado por el centro.

●      Puedes ver el vídeo de Transmutación en este enlace: https://youtu.be/rSnL2QJsO6Y

EL MUSEO UNIVERSIDAD DE NAVARRA PROPONE LA CAMPAÑA #MUNECASA PARA ACERCAR EL ARTE Y LA CULTURA A LOS HOGARES

El Museo mantiene sus puertas cerradas al público desde el 14 de marzo debido a la situación originada por el coronavirus, según las medidas establecidas por las autoridades y por la Universidad de Navarra

A través de la página web y de las redes sociales, ofrece distintas propuestas a la ciudadanía para acompañar los días de confinamiento

L.M.A. 

En Pamplona, 31 de marzo de 2020- El Museo Universidad de Navarra ha lanzado la campaña #MUNencasa para acercar el arte y la cultura a los hogares durante el confinamiento. El centro mantiene sus puertas cerradas al público desde el pasado 14 de marzo debido a la situación originada por el coronavirus, según las medidas establecidas por las autoridades estatales y por la Universidad de Navarra. Sin embargo, a través de la página web (museo.unav.edu) y de sus redes sociales (Twitter, Facebook, Instagram y YouTube), el Museo continúa ofreciendo propuestas a la ciudadanía.

#MUNencasa dedica un día a cada área del Museo y ofrece distintos contenidos en torno a ella: lunes, exposiciones; martes, Campus Creativo; miércoles, programas públicos; jueves, artes escénicas y música; viernes, cine; sábado, área educativa; y domingo, publicaciones. Además, cada día se proponen contenidos sobre la Colección; en torno a la exposición Universos, de David Jiménez; y en torno a Artes Escénicas.

EXPOSICIONES Y ARTES ESCÉNICAS

Entre las propuestas, ya se han recomendado visitas virtuales a las exposiciones Camouflages, de Joan Fontcuberta; y El no retorno, de Cecilia Paredes. Esta semana, la protagonista es En el tiempo, del fotógrafo navarro Carlos Cánovas. La muestra, además de en el Museo Universidad de Navarra, pudo visitarse en el Museo ICO y recibió el Premio del Público en PhotoEspaña 2018.

Dentro de las artes escénicas y la música, se han propuesto vídeos y playlists sobre los espectáculos de danza de National Dance Company Wales, que abrió la temporada 2019-20 en el Teatro del Museo; y Soliloquios, obra de los coreógrafos y bailarines Jon Maya, Cesc Gelabert e Israel Galván, cuyo estreno absoluto acogieron las salas expositivas. Esta semana se ofrecerán propuestas en torno al ciclo Cartografías de la Música y el Grupo de los Ocho o Grupo de la República.

Asimismo, se han ofrecido conferencias y masterclass en vídeo, fotografías comentadas de obras, y recomendaciones de cine y libros. Esta semana se compartirá la masterclass de Carlos Cánovas; se recomendará la comedia Las vacaciones del Sr. Hulot, de Jacques Tati; y el catálogo de En el tiempo. En el área Campus Creativo se ha acercado el trabajo de la Orquesta Sinfónica Universidad de Navarra y del Coro Universidad de Navarra, y próximamente se va a impulsar un concurso de microrrelatos y se seguirán compartiendo actividades en torno a área.

PROPUESTAS FAMILIARES

            También se están realizando propuestas familiares, para que el Museo continúe siendo un recurso educativo dentro de los hogares. Las actividades, dirigidas a niños y niñas, buscan ayudar al aprendizaje a través del arte, fomentar el desarrollo la creatividad y aprender a pensar.

            Así, se han compartido puzzles online en la web, basados en obras de la Colección del Museo, de autores como Picasso, Oteiza, Hernández Mompó, Manrique, Muniateguiandikoetxea, Millares y Ortiz Echagüe. Estos juegos, con distintos niveles de dificultad, adaptados a las edades de los pequeños, trabajan la inteligencia visual. Esta semana se propondrá construir el rompecabezas de Rodchenko Rojo (2004), de Manu Muniategiandikoetxea.

            También se ha propuesto la lectura de microcuentos, relatos que tienen su origen en los comentarios que niños y niñas hicieron durante su visita al Museo. Cada relato, que puede encontrarse en castellano, euskera, inglés y francés, está centrado en una de las obras del Museo. Mientras disfrutan de la lectura, los pequeños trabajan las inteligencias múltiples, las competencias emocionales y las emociones. Asimismo, fomentan valores como la solidaridad, el respeto, la tolerancia, la generosidad… Otra sugerencia para trabajar en familia son los videocuentos, adaptaciones a vídeo de los microcuentos, que se ofrecen en castellano, euskera e inglés.

Relacionadas con las obras trabajadas en estas propuestas, también se invita a realizar actividades, como la creación de obras o pequeños relatos, siempre de forma libre y creativa, con los materiales que las familias puedan encontrar en casa.

NUEVO BLOG

            El Museo también se suma a la iniciativa #UNAVencasa y ha inaugurado un blog (https://encasa.unav.edu/arte/) en el que busca acercar la vida del Museo, de su colección y de los artistas al público. “Queremos mostrar nuestro trabajo diario, facilitar que te asomes a la vida del Museo, de su colección y de sus artistas, que entres en el taller y la cabeza de estos creadores, o accedas a la opinión de profesionales acerca del futuro del arte contemporáneo”, invita el centro.

FUTUROS EVENTOS

            Tanto en redes sociales como a través de la web, las newsletters semanales y el correo electrónico, el Museo mantiene un canal abierto para informar al público y recibir sugerencias o resolver dudas.

Respecto a los eventos, se aplazan la inauguración del artista brasileño Vik Muniz, los conciertos Arpa contemporánea. Un encuentro performativo, con Alicia Griffiths; Experientia, de Zorongo; y El siglo XX americano, de la Orquesta Sinfónica Universidad de Navarra; la proyección de la película Zumiriki; el taller infantil Universo imaginado; y la celebración de La Noche en Blanco y la final de La Voz de Tu Facultad. Las personas que adquirieron entradas para estos eventos ya han sido informadas y podrán recibir un reembolso de su compra o utilizar el ticket para la nueva fecha.

DAVID JIMÉNEZ PRESENTA EN EL MUN ‘UNIVERSOS’ UN ESPACIO POÉTICO QUE INVITA A EXPLORAR LOS LÍMITES DE LA REPRESENTACIÓN Y LAS RELACIONES ENTRE LAS IMÁGENES, A TRAVÉS DE FOTOGRAFÍAS, PROYECCIONES E INSTALACIONES

Título: Universos

Autor: David Jiménez

Produce: Comunidad de Madrid y Museo Universidad de Navarra

Fechas: 4 de marzo – 20 de septiembre de 2020

Lugar: sala Torre y sala LaCaixa

Número de piezas: más de 100 fotografías, dos instalaciones y dos proyecciones

En Pamplona, 6 de marzo, 2019- David Jiménez presenta la exposición Universos, producida por la Comunidad de Madrid y el Museo Universidad de Navarra. La muestra plantea un espacio poético que desdibuja la frontera entre lo real y la imagen que evoca. En ella se recoge lo esencial de los proyectos realizados por el artista a lo largo de su carrera de más de 25 años, articulada en torno a tres series: ROMA, Aura y Versus.

La experimentación del artista con diferentes ideas sobre procesos y estructuras ha conformado un extenso archivo de imágenes que han visto la luz en forma de libros, exposiciones y piezas audiovisuales. Algunas de ellas se integran en esta exposición que ha sido concebida como un conjunto orgánico. La fotografía es el punto de partida para un diálogo sutil, tejido a través de las relaciones, parcialmente veladas, que se establecen entre las distintas imágenes.

En ellas se expresan las principales preocupaciones del artista, como son las resonancias entre los fenómenos del mundo sensible, la preocupación por evocar la presencia y el misterio de lo intangible o la búsqueda de los límites de la representación. En su obra, en la que la realidad se muestra de manera fragmentada y ambigua, Jiménez busca la complicidad del espectador, que es invitado a un estado de contemplación y a activar las imágenes a partir de su propia experiencia personal y emocional.

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA

David Jiménez (Alcalá de Guadaira, Sevilla, 1970) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 1993. Sus proyectos personales, realizados de manera constante desde 1990 y publicados en forma de libros, exposiciones y proyecciones audiovisuales, se han mostrado en numerosos lugares dentro y fuera de nuestro país. La primera exposición antológica de su trabajo, titulada Universos, se presentó en PHotoEspaña 2019 en la Sala del Canal de Isabel II en Madrid, y ahora en 2020 en el Museo Universidad de Navarra

Recibió el premio Fotógrafo Revelación en PHotoEspaña 99 y el Premio de las Artes de la Villa de Madrid en 2008, y ha sido artista residente en la Real Academia de España en Roma en 2016-17. Ha publicado hasta la fecha ocho libros monográficos, entre ellos Infinito (2000), considerado como uno de los fotolibros españoles más destacados de las últimas décadas, Versus en 2014 y Aura en 2018. Su obra se encuentra representada en numerosas colecciones públicas y privadas españolas, como la Fundación MAPFRE, el MACUF y la colección de Arte DKV, entre otras.

HIRAKI SAWA, ARTISTA JAPONÉS: “GRAN PARTE DE MI OBRA ESTÁ RELACIONADA CON MI PROPIA MEMORIA Y ESPERO QUE ESTAS PELÍCULAS DISPAREN LAS DE LOS ESPECTADORES Y SUS SENSACIONES”

El escultor ha presentado en el Museo Universidad de Navarra ‘Memoria Paralela’, una exposición que reflexiona sobre la construcción de la memoria y la amnesia

La muestra reúne películas, dibujos, instalaciones escultóricas y piezas de la colección de fotografía histórica del Museo

L.M.A.

Pamplona, 25 de septiembre  de 2019- El escultor y videoartista Hiraki Sawa ha presentado este miércoles Memoria paralela, una muestra producida por el Museo Universidad de Navarra en la que reflexiona sobre la construcción de la memoria y su pérdida. “He dado este título a la exposición porque gran parte de mi obra está relacionada con la propia memoria”. En este sentido, ha expresado que espera que “estas películas disparen las de los espectadores y sus sensaciones”.

Sawa ha estado acompañado por Valentín Vallhonrat, director artístico del Museo y comisario de la muestra junto a Rafael Levenfeld. Vallhonrat ha explicado la génesis de esta exposición, que surge de la invitación del Museo a Sawa para participar en el programa de producción artística Tender Puentes. En este encuentro con la colección del Museo, el arstita vinculó sus reflexiones a la imagen latente, descubierta por Talbot (1800-1877) en el desarrollo de los calotipos, una de las primeras técnicas fotográficas.

Su residencia comenzó en mayo de 2017 y terminó en junio de este año, y el resultado es la instalación Memoria paralela, que alberga la sala 0 de la planta. La obra está acompañada por 15 filmes proyectados en 18 pantallas y cuatro monitores, así como 24 dibujos y 4 piezas escultóricas. Además, se pueden contemplar ocho obras de la colección de fotografía histórica del Museo. “Son piezas que no solo acompañan a la instalación, sino que le dan sentido y permiten su comprensión profunda. Hay un desarrollo completo de toda la simbología que aparece en la filmografía de Sawa”. La exposición reúne obras realizadas entre 2002 y 2019.

El artista, desarrolla conceptos y temáticas en torno a la construcción de la realidad a través de la imagen fija y en movimiento, y entre los temas que le inspiran se encuentran las memorias familiares, el movimiento de objetos inanimados en entornos domésticos y la inserción de imágenes fantasmagóricas en paisajes naturales, entre otras. 

LA EXPOLORACIÓN DE LA MEMORIA

La muestra recoge tres piezas fundamentales, consideradas una trilogía de la memoria (Memoria paralela, Lineament y Did I?) que reflexionan sobre la propia memoria, su ausencia, y la construcción de una memoria visual. Sawa ha explicado que comenzó esta exploración cuando, a finales de los 90, un amigo suyo se quedó amnésico.  “En aquella época no pensaba hacer nada sobre este tema pero, al revisar mis obras anteriores, muchas personas me decían que eran memorias de su infancia, un paisaje que quizá habían visto y que, aunque no recodaran dónde, reconocían. Así que me di cuenta de que mi trabajo tiene mucho que ver con este tema”.

UN ESCULTOR QUE TRABAJA CON ORDENADOR

Asimismo, el artista ha incidido en el que se considera un escultor, formación que determina su forma de crear: “Estudié escultura, así que no estoy formado como cineasta, fotógrafo o videoartista. Hace veinte años tuve la oportunidad de trabajar con imágenes móviles en ordenador e hice una película, Dwelling (sala 2, planta -1). Fue como hacer una escultura porque con el ordenador puedo recortar un objeto, moverlo y superponerlo sobre otro. Estuve varios años haciendo estas imágenes en movimiento y empecé a explorar las instalaciones utilizando el tiempo, el espacio y el movimiento”.

Precisamente el artista ha resaltado la importancia que cobra el espacio en su obra, no como mero continente sino como parte esencial de la misma: “Creo obras en tres dimensiones, aprovechando el espacio. Me preocupa la forma de utilizar cada uno de los espacios. Pienso que es una experiencia distinta a ver un vídeo de YouTube o ver una película en casa”. Una obra que manifiesta claramente este espíritu es Hako (sala 4, planta -1), formada por seis proyecciones simultáneas en pantallas apoyadas en el suelo.

Sawa también ha subrayado que su trabajo está relacionado con los sentimientos vinculados a la memoria: “El arte no tiene que ver con dar información o conocimientos, sino con ofrecer una oportunidad de imaginar y llegar a nuestro propio conocimiento”.

Conclusiones del Congreso Internacional de Reputación de Museos

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LA APUESTA POR PROYECTOS INNOVADORES Y DIFERENCIALES Y LA BUENA COMUNICACIÓN A LOS PÚBLICOS, CLAVES DEL CONGRESO INTERNACIONAL DE REPUTACIÓN DE MUSEOS CELEBRADO EN EL MUN

Las jornadas, organizadas por la Universidad de Navarra, el Museo Nacional del Prado y Corporate Excellence, ha reunido a 150 participantes de siete países

L.M.A.

Pamplona, 20 de septiembre de 2019- Innovación, diferenciación, buena comunicación a los públicos y sinergias. Estas son algunas de las claves que ha revelado el Congreso Internacional de Reputación de Museos, celebrado desde el miércoles hasta hoy en el Museo Universidad de Navarra. Las jornadas, en las que han participado más de 150 personas, procedentes de siete países distintos, han sido organizadas por la Universidad de Navarra, el Museo Nacional del Prado y Corporate Excellence - Centre for Reputation Leadership. Además, han recibido el apoyo de Fundación Telefónica y Fundación bancaria LaCaixa.

Ángel Alloza, CEO de Corporate Excellence, ha impartido la sesión de conclusiones, titulada Aprendizajes finales: construyendo juntos el futuro de la reputación de los museos y las empresas, en la que también han intervenido Juan Manuel Mora, vicerrector de Comunicación de la Universidad de Navarra; Ángel Gómez Montoro, presidente del Patronato del Museo Universidad de Navarra; y Marina Chinchilla, directora adjunta de Administración del Museo Nacional del Prado.

En este encuentro, Alloza ha subrayado la importancia de haber contado con una perspectiva multidisciplinar en el Congreso: académica, museística y empresarial. Asimismo, ha puesto el acento en el contexto actual, en el que se han multiplicado las actividades museísticas y culturales, escenario “tiene implicaciones directas en la gestión”. En este sentido, ha destacado la importancia de la diferenciación, “cómo hacer que nuestros museos tengan identidad propia y que construyan esa diferenciación a partir de la gestión de su marca”.

El CEO de Corporate Excellence ha explicado que el Congreso ha ofrecido claves sobre la construcción de la reputación de los museos a través de la colaboración con las empresas y el rol insustituible de la buena comunicación: “Es imposible gestionar intangibles si no es escuchando las expectativas de tus grupos de interés, entregando realidades y comunicándolas de forma intensiva”. Por eso, “marca, identidad, valores, reputación y comunicación son los intangibles más importantes. El valor simbólico tiene un impacto directo en la economía que en el caso de los museos supera el 90% del valor”. Así, ha incidido en que “es clave aprender a gestionar de forma excelente estos intangibles. El beneficio que obtenemos es una diferenciación no copiable”.

En su intervención también ha recordado que “la reputación se construye con aquellos grupos de interés de los que depende nuestro futuro. No la construimos para ellos, sino con ellos. La reputación son las percepciones y evaluaciones colectivas”.

En cuanto a los retos, ha señalado la necesidad de seguir trabajando de forma coordinada en esta línea: “La buena noticia, que nos promete una alianza tremendamente enriquecedora entre los museos y las empresas, es que ha ido creciendo la confianza en el tercer sector y en las empresas. Esa confianza y efecto sinérgico entre los museos, las empresas, las ciudades, los países, la opinión pública y las administraciones tiene como bóveda la reputación. Es el único concepto en el que todos salimos ganando”.