El Museo del Prado presenta dos nuevas adquisiciones que redefinen el origen del Renacimiento español

 Con Leonardo, Miguel Ángel y Rafael como punto de partida 

El Bautismo de Cristo de Machuca en la actual disposición de la sala 49, tras su reordenación. Foto © Museo Nacional del Prado

 

      L.M.A.  

    14.05.2026.- Madrid.- El Museo del Prado reordena la sala 49 para mostrar por primera vez, junto a los grandes maestros del Renacimiento Italiano, obras de Pedro Machuca y Pedro de Campaña, dos figuras esenciales en la recepción y reinterpretación en la península ibérica de las innovaciones introducidas por Leonardo, Miguel Ángel y Rafael a comienzos del siglo XVI. La presentación permite profundizar en el proceso por el cual los dos artistas asimilaron las ideas y procedimientos del Renacimiento italiano y construyeron un lenguaje propio.

    La nueva disposición contextualiza, además, el decisivo papel que desempeñaron Roma, Nápoles o Venecia en la formación de Pedro Machuca, una de las “águilas del Renacimiento español”, y del belga Pedro de Campaña, que después trabajaría en Sevilla, entre 1527 y 1562.         Llegados a España, iniciaron, junto a otros artistas educados en Italia, como Alonso Berruguete, Bartolomé Ordóñez y Diego de Siloé, un camino que transformaría el panorama artístico peninsular, anticipando la plena madurez del Renacimiento español.

El Renacimiento en Venecia. Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura", exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza

L.M.A. 20/06/17 MADRID .- El Museo Thyssen-Bornemisza presenta El Renacimiento en Venecia. Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura, una exposición dedicada al arte veneciano del siglo XVI, su primer gran periodo de esplendor, con casi un centenar de obras de artistas como Tiziano, Tintoretto, Veronés, Jacopo Bassano, Giorgione o Lotto. Desde el uso del claroscuro y el color como fundamentos de la representación de la figura y del espacio, hasta una atención a la naturaleza más directa que la que proponía la tradición clásica, de concepción más idealista, la muestra pretende demostrar cómo los medios específicos de la pintura veneciana plantearon una idea de belleza plenamente renacentista al mismo nivel, y a veces incluso superior, a lo que se hacía en Roma, Parma o Florencia. En la inauguración estuvieron presentes Fernando Checa Cremades, comisario de la exposición; Mar Borobia, directora del proyecto y jefa del área de pintura antigua del Museo Thyssen-Bornemisza; y Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza.

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Consejo de Ministros Autorizada la concesión de la garantía del Estado para la exposición ‘El Renacimiento en Venecia. Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura’

L.M.A.

28-abril-2017.- El Consejo de Ministros ha autorizado hoy, a propuesta del ministro de Educación, Cultura y Deporte y del ministro de Economía, Industria y Competitividad, la concesión de la garantía del Estado a las obras de la exposición ‘El Renacimiento en Venecia. Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura’, que tendrá lugar entre el 20 de junio y el 24 de septiembre de 2017 en el Museo Thyssen-Bornemisza. El valor económico total de las 36 obras para las que se autoriza la garantía del Estado asciende a 421.445.943,03 euros.

La exposición ‘El Renacimiento en Venecia. Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura’ está dedicada a la pintura veneciana del siglo XVI, y reúne obras maestras de artistas como Tiziano, Tintoretto, Veronés o Lotto procedentes de importantes colecciones y museos.

El Museo Thyssen-Bornemisza ha diseñado un recorrido que muestra a través de retratos, pastorales, temas mitológicos y religiosos  la evolución de la pintura creada en una de las ciudades más bellas del mundo: desde la importancia dada al color y a la observación del natural, con la imagen del poder y la belleza como argumentos, hasta la destrucción de la pincelada y el color en las obras de los últimos años.

Sobre la garantía del Estado

La garantía pública estatal es un sistema establecido en España y otros países, a través del cual el Estado asume el compromiso de asegurar las obras de relevante interés cultural que se presten para exposiciones celebradas en museos de titularidad estatal frente a la posible destrucción, pérdida, sustracción o daño que puedan sufrir en el periodo comprendido entre el acuerdo del préstamo y el momento de devolución de la obra al prestamista-titular de la misma. Se trata, pues, de un sistema de aseguramiento público que opera como alternativa al tradicional seguro privado.

El otorgamiento de esta garantía no implica un coste inmediato, se trata del compromiso que adquiere el Estado, en tanto que asegurador, a hacer frente a un pago en caso de que uno de los bienes culturales resulte dañado. Desde que la garantía del Estado fue implantada en España en 1988 nunca ha habido un incidente que haya obligado a conceder la indemnización correspondiente.

Arte transparente. La talla del cristal en el Renacimiento milanés

Barco de la tortuga, Annibale Fontana (1540-1587) (?), Cristal de roca y oro esmaltado, 20,3 x 24 x 12,5 cm (alto x ancho x fondo), Milán, hacia 1570 (vaso). Italia (?), hacia 1570-1590 (guarniciones) Madrid, Museo Nacional del Prado

L.M.A.

14 de octubre de 2015- 10 de enero de 2016

Sala D

Desde mediados del siglo XVI, artistas y talleres de la ciudad italiana de Milán destacaron en la talla del cristal de roca, una gema natural, creando obras maestras difícilmente superables, que gozaron de la común admiración de sus contemporáneos, con una valoración económica muy superior a la de grandes creaciones de la pintura de su época.

Destinadas a las grandes colecciones principescas, son, a la vez, esculturas y objetos útiles, invenciones insólitas extrañas y maravillosas, cuyas proporciones evidencian, en muchos casos, un profundo conocimiento del mundo clásico, a lo que se une la destreza en la talla del mineral, realizada con métodos celosamente guardados en un ambiente de experimentación constante cercano a las ideas de Leonardo da Vinci.

Desde el punto de vista escultórico, destacan por su calidad estética y técnica, y las representaciones en ellas figuradas. Como elaboraciones intelectuales, cabe considerarlas reflejo del pensamiento renacentista y tardo- renacentista, llegando incluso a interpretar visualmente asuntos esotéricos y mágicos.

El principal objetivo de esta exposición consiste en presentar al gran público un concepto de arte con el que no está familiarizado, para lo que se han seleccionado catorce de las piezas más bellas del llamado "Tesoro del Delfín" (parte de la herencia de Felipe V de Borbón), a las que se unen obras de primer rango provenientes de Florencia y París.

"El trazo español en el British Museum", exposición en el Museo del Prado         L.M.A. Exposición organizada por el Museo Nacional del Prado y el British Museum con el patrocinio de la Fundación Amigos del Museo del Prado Comisario: Mark P. McDonald, Conservador del Gabinete de Dibujos y Grabados del British Museum Coordinador general del proyecto en el Museo del Prado: José Manuel Matilla, Jefe del Departamento de Dibujos y Estampas del Museo Nacional del Prado       “El trazo español en el Bristish Museum. Dibujos del Renacimiento a Goya” muestra, por primera vez fuera del Reino Unido, un conjunto de 71 obras procedente de la colección de dibujos de artistas españoles que atesora el museo británico y que está considerada como una de las más importantes del mundo por la calidad excepcional de sus obras. Esta colección es un reflejo del exquisito gusto que desarrollaron los coleccionistas ingleses por el arte español a lo largo del siglo XIX. Sólo unos pocos de estos dibujos han podido ser vistos en nuestro país, por lo que esta muestra supone una oportunidad única de ver reunido en las salas del Museo del Prado un sugerente recorrido por la historia del dibujo español. La exposición, patrocinada en el Prado por sus ‘Amigos’, tuvo su punto de partida en las salas del British Museum a finales del año pasado y llega a Madrid ahora con notables variaciones manteniendo un discurso cronológico y por escuelas regionales en el que destacan algunos de los principales artistas españoles como el renacentista Berruguete; los grandes maestros del Siglo de Oro como Zurbarán, Murillo, Cano, Ribera y un dibujo atribuido a Velázquez, para culminar con la obra de Goya, nombre destacado en el conjunto de las colecciones de arte español del museo londinense.

El Museo del Prado y el British Museum presentan, por primera vez en España, una amplia representación de la colección de dibujos españoles que posee la institución británica considerada como una de las mejores del mundo. 71 dibujos, expuestos de forma cronológica, invitarán al visitante a apreciar cómo plasmaron los artistas españoles su compromiso con el dibujo a lo largo de más de tres siglos, desde mediados del siglo XVI hasta el siglo XIX. La muestra incluye dibujos de todos los artistas importantes de este período como Velázquez, Murillo, Zurbarán, Ribera y Goya, representados a través de algunas de sus obras clave. Santo atado a un árbol de Ribera o Don Quijote acosado por monstruos de Goya son algunos ejemplos de la extraordinaria calidad de la selección de dibujos presentes en la muestra. Los dibujos de los artistas españoles fueron muy valorados y se coleccionaron en Gran Bretaña desde mediados del siglo XIX, un fenómeno que refleja el creciente gusto por el arte español, que entre otras cosas se vio alentado por la publicación de los dos volúmenes del Handbook for travellers in Spain de Richard Ford (1845) y de los Annals of the artists of Spain de William Stirling Maxwell (1848). Tradicionalmente se ha sostenido que los artistas españoles no se interesaron mucho ​ por el dibujo. Sin embargo, esta idea ha sido objeto de revisión en los últimos años, y la exposición trata de demostrar que la consideración del dibujo como fundamento del ejercicio del arte estaba bien establecida en el arte español durante el periodo del Renacimiento hasta el siglo XIX. Los 71 dibujos de la exposición se complementan con la singular aportación de dos pinturas de la colección del Prado, cuyos dibujos preparatorios se conservan en Londres. Se trata de dos óleos de Vicente Carducho y Luis Paret, que permiten reflexionar sobre el empleo del dibujo preparatorio en la obra final.