Fundació Per Amor a l’Art - Bombas Gens Centre d’Art y La Fábrica llevan la exposición “Botánicas” al Real Jardín Botánico de Madrid

La nueva versión extendida de la exposición “Botánicas” incluirá una serie de fotografías de Nobuyoshi Araki, Thomas Ruff y Richard Hamilton que no estaban en la muestra de Bombas Gens

L.M.A.

            22.01,2022.- Madrid.- Fundació Per Amor a L’Art - Bombas Gens Centre d’Art y La Fábrica han presentado esta mañana en el Real Jardín Botánico (RJB) del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), en Madrid, una exposición que, a través de una selección de series fotográficas, crea en las salas un “jardín” interior que conectará con el exterior.

Así es Botánicas, una nueva versión de la muestra que ya se pudo ver originalmente en Bombas Gens Centre d’Art a comienzos del año 2020. La exposición ha viajado de Valencia a Madrid en una versión extendida, pues se suma una serie de fotografías de Nobuyoshi Araki, Thomas Ruff y Richard Hamilton a las ya iniciales de Karl Blossfeldt, Imogen Cunningham, Hans-Peter Feldmann, Eikoh Hosoe, Juan del Junco, Jochen Lempert, Jonas Mekas, Mathieu Mercier, Albert Renger-Patzsch, Alessandra Spranzi y Pierre Verger.  

Botánicas, exposición comisariada por Vicent Todolí, asesor de la Colección Per Amor a l’Art, navega entre el relato científico, ornamental, crítico o estético mientras deleita con una serie de ficciones que dan forma a la realidad de las flores y las plantas.

Según Susana Lloret, vicepresidenta de FPAA, “del mismo modo que siempre hemos entendido que el jardín de Bombas Gens tenía que ser una sala más del museo, en la que el arte salía al encuentro de la naturaleza a través de la obra site-specific de Cristina Iglesias que, precisamente, se titula así, ‘A través’; pues ahora, el Real Jardín Botánico será el que entre en el arte y cree otro tipo de lenguaje con la naturaleza”.

Vicent Todolí, por su parte, considera que “se trata de un nuevo hilo conductor, el botánico, para seguir presentado la colección y que surgió con la adquisición de varias obras con motivos vegetales de Imogen Cunningham de los años 20 a las que se sumarían otras piezas de la época firmadas por Karl Blossfeldt o Albert Renger-Patzsch. Buscaban la abstracción de las plantas, el arte que crea la naturaleza…y nosotros hemos reunido sus obras y las de otros autores posteriores y hemos generado un diálogo entre ellas”.

La ciencia botánica y la fotografía han ido históricamente de la mano. Este es otro punto clave de esta muestra que recoge la mirada de artistas captando ese momento catártico de la vida de una planta. A veces, desde el punto de vista estético, como en las sinuosas fotografías de Imogen Cunninghan, otras, desde la vivacidad cercana a lo kitsch de las de Hans-Peter Feldman pero también desde un punto de vista analítico, como las de Albert Renger-Patzsch o Karl Blossfeldt. La muestra Botánicas se acompaña de un catálogo coproducido por la Fundació Per Amor a l’Art y La Fábrica.

Para, Alberto Anaut, presidente de La Fábrica: "La presentación de Botánicas en el Real Jardín Botánico es una oportunidad magnífica de disfrutar de la visión que tienen los artistas del mundo vegetal relacionada con la realidad; de ver el trabajo de los artistas en su propio entorno. De poner en pie una colección impresionante arte en un jardín que tiene 265 años de historia. Botánicas es una exposición magnifica construida por un proyecto ejemplar, por el sueño de unos coleccionistas que han sido capaces de construir una colección que recorre cien años de arte en torno al mundo vegetal.

“El RJB-CSIC ofrece en el Pabellón Villanueva una nueva exposición en la que arte y naturaleza se combinan para brindar al visitante, en este caso a través de la muestra "Botánicas. Por amor a l’art", una mirada fotográfica y estética que pone en valor las plantas como elemento de inspiración artística y a la biodiversidad vegetal como elemento a proteger ante la continua agresión por los las actividades humanas como las que causan el cambio global, acciones por las que apuesta el Real Jardín Botánico mediante la investigación científica y el apoyo a la creatividad artística como la que nos presenta ahora la Fundació Per Amor a L’Art-Bombas Gens Centre d’Art, con obras de artistas de primer nivel mundial cuya fuente de inspiración es la botánica”, ha destacado el director del Real Jardín Botánico, Esteban Manrique Reol.

Sobre la Fundació Per Amor a l´Art - Bombas Gens

La Fundació Per Amor a l´Art (FPAA), privada y familiar, despliega su triple actividad, artística, social e investigadora, en la antigua fábrica rehabilitada Bombas Gens de València. La Colección Per Amor a l’Art cuenta con un fondo de 2.629 obras de arte de 221 autores, asesorada por Vicent Todolí y que, a través de diversas exposiciones y actividades, se comparte en su espacio expositivo.  Su labor relacionada con la integración social de menores en riesgo de exclusión y el apoyo a personas con Daño Cerebral Adquirido se lleva a cabo desde su Área Social. Y también impulsa la investigación y divulgación de enfermedades raras, en especial la enfermedad de Wilson.

El Museo Reina Sofía recibe la donación de una obra emblemática de Richard Hamilton

La viuda del artista, Rita Donagh Hamilton, ha sido la artífice de la donación 

La obra, dedicada a los Rolling Stones, ha entrado hoy en el Museo

Richard Hamilton. Swingeing London 67, 1968-1969. Acrílico y serigrafía sobre lienzo. 67 x 85 cm.

L.M.A.

    15.10.2021.- Madrid.- Rita Donagh, viuda de Richard Hamilton (Londres, 1922-2011), ha donado al Museo Reina Sofía una de las obras del artista multidisciplinar dedicadas a la banda de rock británica Rolling Stones. Se trata de Swingeing London'67, recreada en una fotografía de su líder, Mick Jagger, que aparece junto al conocido marchante de arte Robert Fraser, en el momento en que se los llevan detenidos en un furgón policial por posesión de drogas. La noticia tuvo una cobertura informativa internacional desmedida, y durante más de dos años Hamilton usó la conocida imagen de Jagger esposado para mostrarla en distintos formatos y soportes - granulada, borrosa, quemada por el flash o saturando los colores- con el fin de amplificar sus efectos.

    El título de esta polémica serie fotográfica-pictórica, Swingeing London 67, hace referencia a un término que se aplica a la escena de la moda y la cultura florecida en Londres en la década de los sesenta. La imagen, más que una protesta contra la acción de la justicia puede entenderse como una reflexión sobre las vicisitudes de la celebridad.

    Hamilton decidió hacer estudios de prueba y bocetos en lienzo, hacia una fusión ideal de impresión y pintura. En cada pintura de la serie, el artista emplea técnicas y materiales diferentes: pintura al óleo, pintura al esmalte, serigrafía a mediatinta, relieve y collage.

    Para el Museo Reina Sofía esta donación, valorada en unos 2.400.000 euros, representa una oportunidad excepcional para reforzar el núcleo de la colección pictórica de los años sesenta, desde su vertiente internacional. Al mismo tiempo, le va a permitir abordar elementos de la cultura popular y de masas y su uso para criticar o cuestionar la saturación visual en la sociedad moderna y contemporánea.

    Otras versiones en lienzo de la obra forman parte de las colecciones del Sammlung Ludwig, Tate Modern, MoMA, o en la colección particular de Mick Jagger, entre otras.

Donaciones de Rita Donagh, la compañera de Richard Hamilton, al Museo Reina Sofía

 Rita Donagh y Richard Hamilton

Julia Sáez-Angulo

         Richard Hamilton es el padre del pop europeo y actualmente se expone su obra casi completa en géneros y estilos en el Museo Reina Sofía. Rita Donagh, la compañera del artista, presente en la inauguración, ha donado varias instalaciones al museo nacional que la expone y donde se fraguó el proyecto hace cinco años, cuando el autor lo visitó.

       Dadas las pocas obras que de Richard Hamilton (Londres, 1922 -2011)hay en España, la noticia constituye un enriquecimiento especial del patrimonio histórico artístico del museo y nuestro país.

Manuel Borja-Villell explicó la exposición a los periodistas a lo largo del recorrido de las 270 obras. La Fundación Abertis ha contribuido con su patrocinio a la exposición

         Vicente Todolí y Paul Schimmel son los comisarios de la muestra, quienes hablan de la complejidad y personalidad de la obra “Richard” –así le llamaban familiarmente en la rueda de prensa-, que supo colaborar con otros artistas como Picasso y Duchamp, este último sin duda su maestro y figura central, del que se exponen obras referenciales.

La vinculación Hamilton con los citados artistas de la modernidad tuvo lugar a través de Cadaqués. En Cataluña –explica Rita- compraron un gran arcón con la cruz de Montesa, que figura representado en un cuadro de  la última sala de exposiciones titulada “Interiores II y últimos trabajos”, donde Rita posa desnuda para muchos de ellos.

Objetos e Interiores

         Richard Hamilton (1922 – 2011) nació en una familia humilde y muy pronto se dio cuenta de que los objetos, la presencia y consumo de los mismos, eran clave definitoria en la sociedad contemporánea. De ahí su empeño y estudio de los objetos diseñados, que iban a formar parte, no solo en la iconografía sino con la presencia, de su obra.

         Los interiores fascinaban a Hamilton, por lo que tenían de instalación de nuevos diseños, a veces gélidos como los de hotel, de los que él da cuenta en sus fotografías y collages, así como en instalaciones. Los espacios impersonales y claustrofóbicos fueron su obsesión o preocupación.

         Hamilton no era narcisista, aunque su imagen aparezcan en algunas de sus obras. Su contemplación o más bien observación de la vida y la sociedad de masas es un testimonio irónico frío.

         En la exposición podemos ver la réplica que hizo de su célebre cuadro Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes y atractivas? , título que habla de su interés por los nuevos espacios domésticos donde el magnetofón o el aspirador forman parte de la decoración contemporánea. El original de este cuadro pertenece a una colección alemana que se niega a prestarlo, por lo que el artista, enfadado por ello, hizo un réplica para poder exponerlo.

         Las obras van reflejando que Hamilton es pintor e instalacionista al mismo tiempo. Sus últimos cuadros dejan testimonio de un paralelismo entre la fotografía y la pintura realista de las mismas, en un juego visual muy interesante y libre,  de afirmaciones sobre los géneros artísticos. La última pintura de Hamilton fue criticada como conservadora por la opinión británica, que quizás no comprendió la libertad y el juego que el artista quiso poner de manifiesto.

         A Hamilton le ha faltado unas señas de identidad tan contundentes como las de Warholl o Lischtentein, quizás porque no quiso quedarse en la cárcel del estilo. Su arte refleja la vanguardia radical a partir de los 60 y la posmodernidad. Es una sucesión abierta y rica donde se perfila su interés por la arquitectura (preciosa serie completa de Gugenheims, los interiores, los objetos, la fotografía, los carteles, la pintura, la escultura… Un artista observador e irónico. Un artista total en la segunda mitad del XX.

El Museo Reina Sofía organiza la mayor retrospectiva del artista británico Richard Hamilton

L.M.A.

Una parte de la muestra se presenta  en la Tate Modern (Londres) el  próximo 11 de febrero, y a partir del 24 de junio se podrá ver en el Museo Reina Sofía (Madrid) la antológica completa.

Madrid acogerá entre el próximo 24 de junio y el 13 de octubre de este año la mayor retrospectiva realizada hasta la fecha sobre el artista británico Richard Hamilton. La exposición, organizada por el Reina Sofía, fue concebida específicamente para el Museo madrileño por el propio Hamilton, quien se implicó y trabajó de manera directa desde los primeros meses de 2010 cuando visitó la capital española.

La muestra que se verá en el Museo Reina Sofía incluye unas 270 obras creadas a lo largo de más de sesenta años (entre 1949 y 2011) y permite conocer, tanto la extraordinaria variedad de medios, técnicas y géneros que caracterizan la producción de Hamilton, como la relevancia, influencia y actualidad de su revolucionario trabajo. Ha sido comisariada por Vicente Todolí y Paul Schimmel.

Es el último proyecto en el que este pionero del Pop Art y profeta del posmodernismo participó directamente antes de su fallecimiento, en septiembre de 2011. Una parte importante de la muestra –unas 160 obras- podrá visitarse entre el 13 de febrero y el 26 de mayo en la Tate Modern de Londres.

La exposición está integrada por pinturas, grabados, dibujos, fotografías, impresiones informáticas, obras de diseño industrial y réplicas, piezas en las que el artista abordó géneros como la naturaleza muerta, el retrato, la representación figurativa, el paisaje, los interiores, la pintura histórica, la propaganda política, la iconografía religiosa y la apropiación de elementos de la cultura popular y de la historia del arte.

Otro aspecto importante que distingue esta retrospectiva son las cinco instalaciones de gran envergadura, recreaciones de las exposiciones que el artista británico más influyente del siglo XX organizó, diseñó o que contaron con su participación.

Las instalaciones presentes son Lobby 1985-7; an Exhibit (Un objeto de exposición, 1957); This Is Tomorrow(Esto es el mañana, 1956); Man, Machine and Motion (Hombre, máquina y movimiento, 1955); y Growth and Form (Crecimiento y forma, 1951). Esta última puede contemplarse por primera vez desde que fuera creada hace ya 62 años. Tres de ellas podrán verse también en la Tate. Además de considerar que son antecedentes de los happenings de finales de los cincuenta y principios de los sesenta, estas instalaciones anticipan también el abandono de las jerarquías en los medios artísticos y una sensibilidad creativa internacional que surgiría en los años noventa y que dio lugar a la aparición de la noción de instalación artística en el arte contemporáneo.

           

La retrospectiva también incide en las importantes relaciones que mantuvo con el diseño, la pintura, la fotografía, la tecnología y la televisión así como las colaboraciones que estableció con otros artistas y de la que son ejemplo los retratos de si mismo que invitaba a realizar a otros artistas con una cámara Polaroid como Francis Bacon, Andy Warhol o Roy Lichtenstein.

Las fuentes en las que Hamilton se inspira son muy diversas, desde los dibujos mecánicos, a la cultura popular, pasando por la obra de maestros antiguos como Fra Angelico y Giorgione, o de artistas y autores modernos como Marcel Duchamp o James Joyce.

La pluralidad de su obra, heterogénea pero coherente a la vez, tendió un puente entre la era moderna y la posmoderna y le convirtió en una importante figura para la nueva generación de artistas influidos por el arte conceptual. De hecho, no sólo se reconoce internacionalmente a Hamilton como uno de los fundadores del Arte Pop sino también como precursor del apropiacionismo, la instalación y otras tendencias que han sido cultivadas posteriormente.

Para esta ocasión, el Museo Reina Sofía ha editado un catálogo que reproduce las obras expuestas, con textos de  Benjamin H. D. Buchloh, Hal Foster, Mark Godfrey Richard Hamilton, Alice Rawsthorn, Paul Schimmel, Fanny Singer y Victoria Walsh.

J.F.Yvars, libro sobre “El siglo del Collage” presentado en el IVAM de Valencia

Julia Sáez-Angulo

         “El siglo del collage” es el título del libro del crítico literario y experto en arte J.F. Yvars, publicado por la editorial Elba y presentado recientemente en el Instituto Valenciano de Arte Moderno, IVAM. El libro, un opúsculo, lleva una Bibliografía Cardinal, que enriquece la obra, que lleva como subtítulo “Una apreciación radical”. Un ensayo, con diversas ilustraciones, que es una joya.

         El autor, que dedica el libro “A la memoria de Richard Hamilton”, recuerda una cita de Federico García Lorca:  “No (hay que) buscar la representación real del objeto, sino encontrar su expresión geométrica o clásica y la calidad apropiada a su materia.

          Yvars recuerda que “se cumplen cien años de la invención del collage, de su difusión en el espacio artístico internacional en calidad de una Hábil y sorprendente estrategia figurativa enfrentada a la vieja tradición ilusionística: el canon constructivo de la representación visual europea”.

         El número de artistas que han practicado el collage durante el siglo XX han sido numerosos y grandes nombres como: Schwitters, Grosz, Moholy-Nagy, Max Erns, Rodchenko, Goncharova, Lyssytzky, Hearfield, Català-Pic o Josep Renau, por citar algunos de los que se encuentran en la colección de IVAM y en la revolución soviética.

         “Todo es mestizo”, podría ser el emblema, divisar el motivo regenerador de una estética activa para el siglo XXI”, escribe Yvars. “Desde un punto de vista artístico, el collage ha sido el instrumento plástico que ha abierto el camino a la publicación, a la performance interativa en el ambiguo territorio del arte contemporáneo”.

          El ensayo de Yvars termina citando al artista de la dedicatoria: “A la manera de Rimbaud, acaso Richard Hamilton se atreviera a repetir con toda seriedad: “Hoy sé saludar a la belleza. He aprendido a jugar con las apariencias”. Pero completemos el trabalenguas que guía esta interpretación: trozos, tramas, trazos, trazas, trizas.