"Paloma negra. (Tragicomedia del desierto)”, una versión de “La Gaviota” de Chejov en el México de los exiliados

(Foto: Madrid Es Teatro)

Julia Sáez-Angulo

14/2/21.- Madrid.- Con la plantilla de “La Gaviota” de Anton Chejov, Alberto Conejero ha construido "Paloma negra (Tragicomedia del desierto)", una obra situada en el desierto mexicano, donde personajes del exilio español desenvuelven sus vidas entre dudas de identidad, anhelos, amores difíciles y no correspondidos. Los sueños quebrados o rotos. El seguir viviendo, pese a todo, una máxima muy chejoviana… Un canto a la amistad, por encima de todo. El resultado es una obra que se sigue bien por su amenidad, su poesía, la buena interpretación de los actores, que dotan a la pieza de credibilidad.

Dice una crítica de arte visual, que cuando los artistas no tienen tema o argumento consigo se dedican a los homenajes o los “d´après” de los clásicos… Nihil novum sub sole (nada nuevo bajo el sol). En el teatro y en la ópera es habitual reinstalar a los clásicos en situaciones y vestimentas de otras épocas, creado ucronías, no siempre satisfactorias para el público. En el caso de “Paloma negra”, pese al parafraseo del título chejoviano, no se ha tomado “La gaviota” en sentido litertal y se ha traslocado su argumento, sino que su esquema se ha llevado a otra obra diferente, afortunadamente sin final dramático y, por ende, mucho más chejoviano: “la vida sigue” con en El tío Vania.

El piano en manos de Lázaro pone música evocadora para los personajes que le acompañan: el amigo, la incomprensiva madre, la novia infiel… “Paloma negra” destila melancolía como la pieza rusa aludida, pero con ecos de desierto decorado con cactus al fondo y el recuerdo de una España soñada y fabulada en el pasado, que se escapa entre los pensamientos y las palabras.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia y dirección: Alberto Conejero 

Intérpretes: José Bustos, Yaiza Marcos, Zaira Montes, José Troncoso, Consuelo Trujillo y Juan Vinuesa 

Producción ejecutiva: Kike Gómez 

Ayte. de dirección: Alicia Rodríguez 

Espacio escénico, atrezo y vestuario: Alessio Meloni 

Diseño de iluminación: David Picazo 

Música original: Mariano Marín 

Coordinación técnica: Leticia L. Karamazana 

Ayte. de vestuario y confección: Paula Fecker 

Ambientación vestuario: María Calderón 

Realización escenografía: Miguel Delgado/PREVEE 

Agradecimientos: Jesús Rubio Gamo, Ferrán Carvajal y Estudio Juan Codina

“DIVA”, de Albert Boadella, soberbia interpretación de María Callas al final de sus días , en los Teatros del Canal

Prorrogado. Entre el 10 y el 21 de febrero de 2021,  a las 19.00 h

Maria Rey-Joly y Antonio Comas, dirigidos por Albert Boadella

Julia Sáez-Angulo

Fotos: Adriana Zapisek

11/2/21.- Madrid.- 

Maria Callas se halla en el ocaso de su vida. Reside en París alejada de todo. Su voz ya no tiene nada que ver con lo que fue. La crítica se cebó con ella en sus últimas apariciones y no ha vuelto a cantar en público. Ha muerto Onassis. La realidad de su decadencia le hace vivir un mundo de recuerdos. 

Desdeña el presente mientras fuerza a su repetidor para que le acompañe en un imaginario repertorio que ya no podrá realizar. También lo utiliza para crear una situación sadomasoquista. Le obliga a interpretar a Onassis, su gran amor. Sus momentos más apasionados y estelares. En su delirio, se imagina al griego como pareja de los grandes dramas operísticos que ella protagonizó. Alguien que la mata o alguien con quien morir al final de la ópera. Es el inicio del camino hacia su propio y misterioso final, que muy pronto realizará a su voluntad.

En el Programa: arias y dúos de La Traviata, Manon Lescaut, Norma, Madama Butterfly, Otello, La Wally, Tosca…

COMENTARIO CRÍTICO

    Con Maria Rey-Joly y Antonio Comas, Albert Boadella ha armado un soberbio espectáculo musical, donde el bel canto, el piano y la interpretación de los personajes de María Callas y Aristóteles Onasis dan diva a los últimos días de la diva griega en su apartamento de Paris. 

    En plena decadencia, la cantante de ópera rememora y revive su pasado de éxito en los escenarios de todo el mundo, al tiempo que recuerda su gan amor, su obsesivo amor por el naviero Aristoteles Onasis, que la abandonó al final de su vida al casarse con Jacqueline Kennedy-Onasis.

Antonio Comas se desdobla en el papel de pianista y millonario griego en un juego asombroso y corporal al dar voz y vida a uno y a otro. Ver como se le encoge el cuerpo cuando interpreta al insignificante pianista enamorado y como se expansiona y cambia de voz al travestirse de Aristo, el amor de dependencia de la Callas es todo un espectáculo. ¡Bravo! El actor interpreta al tiempo que expone sus dotes de intérprete de piano y cantante.

María Rey-Joly hace alarde de su belleza acorde con la de Maria Callas en una sucesión de hermosas arias que rememoran el triunfo, al tiempo que el “fracaso trágico” de una mujer que alcanzó el triunfo y se aferró a un amor que la destruye.

    Ver bailar a ambos el sirtaki griego resulta apoteósico, emocionante.

Ciertamente Albert Boadella es un genio de nuestra escena y lo ha vuelto a demostrar en este artefacto teatral de una evocación musical, creando un espectáculo con una sencilla presentación escénica, en la que la voz y la música son lo primordial.

Un espectáculo para no perdérselo.

Ficha Técnica

Reparto:

María Rey-Joly (Maria Callas)

Antonio ComasDuración: 90 min. apróx.

Dirección: Albert Boadella

Dramaturgia: Albert Boadella

Dirección musical: Manuel Coves

Asesoría artística: Dolors Caminal

Iluminación: Bernat Jansà

Diseño de sonido: Pedro Lastra

Ayudante de dirección: Martina Cabanas

Coreografía: Silvia Brossa

Producción: Teatros del Canal

Tito Andrónico la obra más feroz y truculenta de Shakespeare en los Teatros del Canal

"Tito Andrónico" en los Teatros del Canal. Madrid

La compañía Teatro Noctámbulo se instala en la Sala Roja de los Teatros del Canal  con nueva adaptación de Tito Andrónico. Dirigido por Antonio C. Guijosa y versionado por Nando López, el elenco lo encabezan José Vicente Moirón y Carmen Mayordomo, en una trama que explora la razón y el ingenio ocultos tras la violencia.

    Dicen que no hay nada más temible que el propio ser humano. Un ente cuya luz puede apagarse en cualquier momento y dar rienda suelta a sus más oscuros instintos. De entre todos ellos, ninguno es más destructivo que el de venganza. Así lo intentó plasmar William Shakespeare cuando en 1593 estrenó su opera prima, Tito Andrónico, que ahora regresa en nueva adaptación tras su paso por el Festival de Mérida. Conspiraciones y sed de sangre componen una trama que explora el ingenio y la razón que a veces se ocultan detrás de actos tan impulsivos como la violencia.

    Dirigido por Antonio C. Guijosa, el montaje está protagonizado por José Vicente Moirón (Tito) y Carmen Mayordomo (la reina Tamora). Ambientado en la última etapa del Imperio Romano, momento en el que se encontraba en su mayor decadencia, la obra se inicia cuando el general Tito Andrónico regresa victorioso de su guerra contra los godos. Aunque su mayor deseo es recuperar la paz en su país, las constantes tensiones políticas y los desgraciados eventos que traerán consigo desatarán su lado más temible.

    Adaptado por Nando López, la producción corre a cargo de la compañía extremeña Teatro del Noctámbulo. Fundada en 1994, el grupo ha incluido a Shakespeare en su repertorio desde sus comienzos, empezando por El Sueño de una noche de verano para el Festival de Teatro Clásico de Mérida en 1999 y dirigida por Denis Rafter. En 2008, estrenaron Sólo Hamlet solo, una versión innovadora escrita por Miguel Murillo y bajo las órdenes de Jesús Manchón.

OBSERVACIONES CRÍTICAS

      por Julia Sáez-Angulo

     31/1/21.- Madrid.- El banquete final de Tito Andrónico, la obra más feroz y truculenta de William Shakespeare es uno de los más terribles de la literatura. La condición humana llevada al extremo por el escritor británico se hace patente en esta obra, que habla de la crueldad, la muerte y la venganza como un deus ex machina, que desencadena pasiones sin fin, imposibles en apariencia de cortar, donde cada cual tiene cierta responsabilidad en los hechos llevados en sus consecuencias al paroxismo, máxime cuando se recuerdan las cosas como pudieron ser y no fueron, porque se renunciaron a ellas.

La venganza es un plato muy sabroso si se sirve frío, parece recordar Shakespeare en la obra puesta en escena en los Teatros del Canal, pero sus frutos son amargos y dolorosos. Si no se corta la cadena de la venganza, el horror es imparable. La frontera entre la vida y la muerte transcurre en cuestión de una decisión voluntaria o caprichosa a partir de una humillación que encadena otras y otras…

Shakespeare sabe hurgar en el poder, sus celos y consecuencias. Y en Tito Andrónico lo lleva a sus máximas ponencias, no solo de la muerte por asesinato, sino por violación, mutilación, desgarro y más, reservado para el final, en suma, la barbarie extrema del hombre dejado levar de sus pasiones y el disfrute del poder.

Roma, cuna del Derecho occidental, tenía una devoción cruenta en sus leyes, dentro de un mundo en que Religión y Derecho conformaban la misma justicia, más allá de los sentimientos de los hombres. Tito Andrónicus cumple la ley y también la barbarie que incluían sus normas, más allá de lo descrito por Antígona de que hay leyes en el corazón de los hombres, en la conciencia, en definitiva, por encima de la ley positiva. Los tiempos traerían la piedad, la compasión y la magnanimidad, que en muchos ámbitos de la “civilizada” Roma no existían.

Tito Andrónicus es un espectáculo y una reflexión literaria y filosófica y cívica sobre el mundo de los valores entre los hombres. La degradación progresiva de los personajes alerta sobre la condición humana.

"Tito Andrónico" de W. Shakespeare. Versión: Nando López y Dirección: Antonio C. Guijosa en el Teatros del Canal

Del 27 al 31 de enero de 2021

Una coproducción del 65 Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Teatro del Noctámbulo

"Tito Andrónico", de Shakespeare

    L.M.A.

    25.11.2020 .- Triunfaron en Mérida el pasado año. Hay hambre de teatro. Nada mejor que este montaje que habla de un personaje voraz y alejado de la cordura. Jugoso y hambriento de emociones que le hacen débil en su fuerza.

    "Tito Andrónico" no es una obra inofensiva. Se dice que es la más violenta, la más brutal de Shakespeare. Lo es sin duda desde el punto de vista numérico: hay multitud de asesinatos, hay mutilaciones y también hay una violación. Pero lo que hace fascinante este texto no son los actos violentos, sino los mecanismos que llevan a esa violencia y la medida en la que se ejerce. Cómo sus personajes, especificados de sus motivaciones (o justificaciones), utilizar la violencia en el mayor grado que su ingenio y su circunstancia les permite. ¿Por qué no se detienen? ¿Por qué no buscan un mecanismo de justicia? Tal vez sea porque su dolor personal les hace perder la perspectiva, o tal vez haya un instinto más oscuro. Tal vez infligen todo ese dolor porque pueden.

REPARTO (por orden de intervención):  José Vicente Moirón; ALberto Barahona; Carmen Mayordomo; Alberto Lucero; José F. Ramos; Quino Díez; Lucía Fuengallego; Gabriel Moreno; Jorge Machín y Guillermo Serrano

Sinopsis : Tras diez años de guerra, Tito Andrónico regresa al fin a Roma, victorioso y con la reina goda Tamora y sus tres vástagos como prisioneros. Después de sacrificar, tal y como ordenan los ritos sagrados, al mayor de ellos, Tito solo aspira a buscar tranquilidad y reposo, pues bajo su duro gesto de general triunfante, vive también un hombre con el alma fatigada por la dureza de la contienda y la muerte temprana de la mayoría de sus hijos. Solo cinco quedan a su lado y, entre todos ellos, no puede disimular su devoción por Lavinia, en quien ve la esperanza de un futuro que pueda escapar de la violencia que ha acompañado a lo largo de su vida.

Poco durará, sin embargo, la calma: enseguida se verá obligado a interceder en las intrigas políticas entre Basiano y Saturnino, dos hermanos enfrentados por su derecho a la corona del Imperio. El voto de Tito a favor de Saturnino precipitará una cadena fatal de hechos que convergerán, siempre, en un instinto tan universal como peligroso: la venganza.

“Señor Ruiseñor”, obra crítico paródica de Joglars, con mucho humor en los Teatros del Canal de Madrid

 Teatros del Canal. 28003 Madrid

c/ Cea Bermúdez, 1 

Del 2 al 20 de septiembre de 2020

Julia Sáez-Angulo

            12/9/20.- Madrid.- ¡Que buenos cómicos, juglares y actores son Joglars! Se merecieron una prolongada ovación en el Teatro del Canal por Señor Ruiseñor, la tarde del 11 de setiembre. Una ovación serena, seca, sin gritos de ¡bravo!, que no quise soltar de mi garganta, por aquello de que iba a hacer una crítica- pero fue aplauso prolongado y sincero sobre el estado de la cuestión, en una tarde en que el separatismo catalán dividido hacía también su patética y estertórea puesta en escena.

La sinopsis de Señor Ruiseñor sería: Un jardinero de Parques y Jardines debe dejar el trabajo por culpa del reuma y le ubican en el Museo Rusiñol, donde hará de Santiago Rusiñol (1861-1931) presentando las visitas teatralizadas del Museo. Pero al cabo de un tiempo, cuando él se ha enamorado del pintor, deciden transformar el Museo Rusiñol en el Museo de la Identidad. A partir de aquí se crea un conflicto entre los dos mundos: el de Rusiñol y el de los que defienden la identidad, a los que llamamos bárbaros. La obra es una reivindicación del arte como patria universal, a partir de Rusiñol, contra las patrias identitarias.

La obra Señor Ruiseñor es una ingeniosa parodia del separatismo racista y supremacista con motivo de una reestructuración del Museo Rusiñol, para convertirlo en Museo de la Identidad (catalana), frente al discurso de un artista que pintó como nadie los jardines de España.

La obra pone de manifiesto como se hace la construcción de un relato del pasado y el presente independentista, a base de secuencias hilarantes sobre la Historia real, el ensalzado de lo propio, el obviar la realidad no pronunciando su nombre o sancionando por hacerlo. No se escapa nadie, ni la ridiculez insensata de las instituciones y políticos, el clero, la codicia, el lavado de mentes con unos mantras para que a base de repetir se conviertan en verdades impuestas, en los charnegos adoctrinados que dicen sí señor para integrarse, en TV3 como Gran Hermano aleccionador, en el público ciego y nipón que no entiende ni actúa…

            Todo confluye al fluido montaje escénico, con efectos especiales de todo tipo, desde las proyecciones a la música de Doña Francisquita y Los sitios de Zaragoza a En el frente de Manresa… a los acentos regionales en el habla, los sombreros y las barretinas, las esteladas y la camiseta del Barça para dar vida al cuento universal El rey desnudo, con desnudo integral masculino… Todo a un ritmo fluido e imparable.

            Después de ver esta obra de El Joglars, conociendo las anteriores, solo cabe esperar la siguiente para ver por donde salen estos ingeniosos cómicos y actores catalanes, que rezuman amor con humor, llevan a Cataluña en el corazón y por eso parodian su falta de seny y sensatez en algunos sectores contra otros, y apuntan con melancolía la dificultad de abrirse camino en medio el gran “chapapote” -palabra utilizada en escena- que se ha formado en su convivencia.

            Yo eché de menos esa preciosa canción o melodía catalana que se titula Rusignol y que me pareció escuchar algunos acordes al principio, en la deliciosa danza de los ruiseñores con que abre la obra de teatro Señor Ruiseñor. Quizás es demasiado bella y melancólica para el trazo grueso del chapapote.

DIRECCIÓN

Ramon Fontserè Sidera

ACTORES

Ramon Fontserè
Pilar Sáenz
Dolors Tuneu
Xevi Vilà
Juan Pablo Mazorra
Rubén Romero

EQUIPO ARTÍSTICO

Dirección: Ramon Fontserè Sidera
Dramaturgia: Ramon Fontserè con la colaboración de Dolors Tuneu y Alberto Castrillo-Ferrer
Dirección de escena: Alberto Castrillo -Ferrer
Espacio escénico: Anna Tusell
Diseño de iluminación: Bernat Jansà
Proyecciones: Manuel Vicente
Diseño de vestuario: Pilar Sáenz Recoder
Diseño espacio sonoro: David AnguloDirección técnica: Pere Llach

Producción: Els Joglars

La presentación en los Teatros del Canal La Comunidad de Madrid presenta el ciclo ‘Nadie sabe todavía de lo que un cuerpo es capaz’

El ciclo es una colaboración entre los Teatros del Canal y el Centro de Arte Dos de Mayo

L.M.A.

23 de enero de 2019.- La Comunidad de Madrid ha presentado hoy en los Teatros del Canal el ciclo ‘Nadie sabe todavía de lo que un cuerpo es capaz’, un proyecto puesto en marcha en colaboración con el Centro de Arte Dos de Mayo y formado por tres obras, que pone de manifiesto un espacio de trabajo común: el cuerpo entendido como una construcción permanente y, por lo tanto, en permanente conflicto.

La Sala Negra de los Teatros del Canal acogerá dos de los montajes: Archive, de Arkadi Zaides / Institut des Croisements, hoy 23 y mañana 24 de enero; y Displacement de Mithkal Alzghair / Hek-Ma, los días 26 y 27 de enero. Y en el CA2M de Móstoles se representará, el 31 de enero, Farci.e de Sorour Darabi.

El contundente solo Archive, del polémico creador israelí Arkadi Zaides, parece ilustrativo. Como casi toda su obra, esta nueva creación tiene que ver con la tensión permanente entre israelíes y palestinos. En esta ocasión el creador hizo alianza con el Proyecto B’Tselem, una iniciativa del Centro de Información Israelí para los Derechos Humanos, que desde 2007 distribuye cámaras de vídeo entre palestinos que viven en zonas de alto conflicto para documentar las violaciones de derechos humanos. Zaides analizó 4.500 horas de vídeo y extrajo todo un vocabulario corporal que, acompañado de sonidos guturales, él reconvierte en frases coreográficas que pretenden trascender lo geopolítico y convertirse en un catálogo universal de gestos de odio y violencia.

Su cuerpo es, entonces, el archivo del título. Zaides nació en Bielorrusia, en 1979. Vivió la diferencia al ser el único niño judío de su clase. Se mudó a Tel Aviv en 1990 y cayó seducido por la danza. Bailó para Yasmeen Godder y formó parte del potente equipo de la Batsheva Dance Company. Hoy, convertido en coreógrafo y bailarín independiente, vive en Francia donde desarrolla su trabajo con más libertad. Archive tuvo reacciones muy encontradas durante su estreno en Tel Aviv pero una enorme aceptación en París, presentándose en el mismo Teatro Chaillot donde, en 1948, se hizo la Declaración Universal de los Derechos Humanos. Con trabajos anteriores, Quiet y Solo siento, visitó el Mes de Danza de Sevilla y el Festival BAD de Bilbao. Dirección General de Medios de Co

Por su parte, Mithkal Alzghair (Siria, 1981) convierte en baile las ataduras del sistema colonial, militar y religioso: ofrece una revuelta bailada del cuerpo sirio exiliado, que también danza un duelo colectivo en curso. La festividad que supone el dabke, una forma de danza tradicional siria, es presentada en Displacement con una frialdad mecánica que la convierte prácticamente en una marcha militar.

A veces, también, en una danza de la desesperación. Intencionadamente, el bailarín y coreógrafo Mithkal Alzghair ha querido resaltar cómo el folclore, entendido como seña de identidad de un país, está condicionado por su devenir político, religioso, bélico y militar.

La inmigración forzada y la situación del exiliado, los efectos devastadores de la guerra y el desarraigo son temas que planean por Displacement, un díptico coreográfico compuesto por un solo y un trío masculino, en el que Alzghair ha querido bailar sus preocupaciones y las de miles y miles de inmigrantes que han salido de Siria huyendo despavoridos.

Alzghair estudió danza clásica y moderna en Damasco. Cuando se marchó a Montpellier (Francia) para estudiar un máster en danza sabía que su salida no tenía retorno, que era una huida como la de tantos vecinos y amigos. Por ahora, su obra permanece obsesionada con el tema de la identidad y en Displacement se manifiesta a través del cuerpo entendido como un instrumento folclórico, político y militar. La tercera obra llega de la mano de Sorour Darabi, un-una artista iraní autodidacta que vive y trabaja en París.

Tras trabajar en la red underground en Irán, estudió en el Centro Coreográfico Nacional (CCN) de Montpellier, Francia. ¿Qué sucede cuando creces con un idioma neutral, sin diferenciaciones de género, y llegas a un país donde todo lo tiene? ¿Cómo podemos hablar de identidad cuando un idioma ya determina qué es masculino o femenino? El-la joven artista iraní Sorour Darabi se enfrentó a esto cuando llegó a Montpellier para estudiar danza.

El farci, su lengua materna, no tiene formas masculinas o femeninas. El francés, por otro lado, constantemente le obliga a distinguir entre hombre y mujer, incluso en la búsqueda de su lenguaje de movimiento. Aceptar una palabra se convierte en una prueba física. Darabi se rebela contra esta forma violenta de autoridad. Farci.e (2016) es un solo andrógino que coquetea con los límites del género, el lenguaje y la sexualidad.

Más información:

https://www.teatroscanal.com/

El acercamiento documental y político de Olga de Soto a la danza contemporánea llega a Madrid tras 13 años de ausencia

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·      Su espectáculo reflexiona sobre el impacto que tiene en la memoria del público una obra políticamente comprometida como La mesa verde de Kurt Jooss, que profetizó en su día el auge y terror del nazismo.

La manera que tiene Olga de Soto de explorar el pasado, de interrogar a testigos y presentar documentos y fotografías, es a la vez tan inesperada y tan sensible, tan inteligente y tan melancólica, que consigue insuflar una vida nueva a esas obras maestras que impactaron a sus contemporáneos y que siguen emocionándonos hoy en día, de tal manera que su fuerza parece eterna.

Raphaël de Gubernatis. Le Nouvel Observateur (FR)

L.M.A.
https://www.youtube.com/watch?v=2Kqv14ie8Ks

05.03.18 .- MADRID .- Instalada en Bruselas y tras 13 años de ausencia, la coreógrafa, bailarina, investigadora y docente española Olga de Soto, una artista pionera en el acercamiento documental a la danza, vuelve a pisar los escenarios madrileños en la Sala Negra de los Teatros del Canal los días 9 y 10 de marzo para presentar su espectáculo Una introducción. En él, sigue las huellas de La mesa verde, una de las piezas más míticas, políticamente comprometidas, valientes y visionarias de la danza contemporánea que alzaron la voz para denunciar el nazismo y presagiaron el horror que estaba por venir. En 2013, Olga de Soto recibió el Premio de la Sociedad de Autores en Bélgica por su trabajo de investigación y de creación en torno a esta pieza fundacional de la historia de la danza, así como por el conjunto de su trayectoria.

La Mesa Verde está considerada como uno de los espectáculos de danza políticamente más comprometidos y visionarios jamás puestos en escena. Estrenada en 1932, pocos meses antes de la llegada de Hitler al poder en Alemania, en ella se denuncia de manera directa el auge del fascismo y la guerra. Esta obra del coreógrafo alemán Kurt Jooss - maestro de Pina Bausch y de Susanne Linke - anticipó la oscura realidad en la que Europa se sumiría y es una referencia esencial en el canon de la historia de la danza contemporánea.

Tomando como punto de partida la obra de Jooss, y tras haber desarrollado un extenso trabajo de documentación, Olga de Soto decide ir en busca de espectadores que hayan visto y de bailarines que hayan interpretado la obra en diferentes momentos de la historia, en diferentes países, siguiendo las huellas del autor. En Una Introducción la autora se centra en el antes y el después de la primera actuación de La mesa verde, es decir, en el proceso de creación y en la huella dejada por la obra. De esta manera, Olga de Soto continúa con su trabajo de investigación y creación sobre la historia y la percepción de la danza  iniciado en 2002. De Soto está considerada como una pionera en el acercamiento documental a la danza y precursora del trabajo con fuentes orales, como hizo en 2004 en su obra historia(s) (Kunstenfestivaldesarts, Bruselas), creada a partir de los recuerdos de los espectadores que asistieron en 1946 al estreno de El Joven y la muerte, uno de los ballets más célebres de Roland Petit y de Jean Cocteau.

Reconstruyendo la historia de la danza contemporánea: fuentes, memoria, rastro y 67 horas de grabación de entrevistas

En Una introducción, Olga de Soto se pregunta qué se recuerda de una obra escénica realizada hace mucho tiempo, cómo se transmite, qué sitio ocupan y qué papel juegan los bailarines en la historia de la danza, cómo evoluciona una obra dentro de su propia historia y en el seno de la Historia y qué impacto tiene en la memoria del público una obra comprometida políticamente, teniendo en cuenta que esa obra denunciaba algo que sucedió después.

Una Introducción es la primera pieza creada por Olga de Soto a partir de su investigación intensiva en torno a la obra de Jooss, sobre la que ha registrado un material extraído de fuentes orales que consiste en 67 horas de entrevistas a más de treinta personas vinculadas a este espectáculo. En esta pieza, De Soto se centra, concretamente, en los testimonios de Dominique Dupuy (espectadora) que vio la obra en 1934 y de Michèle Nadal (bailarina) que trabajó con Jooss en Alemania a comienzos de los años 1950.

La coreógrafa se interroga también sobre la historia de La Mesa Verde, compartiendo con los espectadores aquello que por lo general es mantenido al margen, trazando un proceso de investigación complejo, lleno de interrogantes y de acontecimientos, de pistas esbozadas y seguidas durante este trabajo de documentación.

Este espectáculo plantea a la vez la cuestión del archivo y las fuentes, compartiendo parte de los documentos recogidos e insuflando así una nueva dimensión a esa materia. Hallazgos inesperados, recogidos a lo largo de un camino dramatúrgico rico que se articula en dirección de una memoria colectiva emocionante. Las creaciones de Olga de Soto oscilan entre el estudio de la memoria perceptiva, la investigación documental de la historia de la danza a través de diversas fuentes y el estudio de la memoria corporal.

Una introducción llega a Madrid tras haber sido presentada en el Teatro Central en Sevilla y en la Sala Hiroshima en Barcelona el pasado mes de noviembre. Su último trabajo, el solo (Elle) Retient se presentó el pasado mes de febrero en el Théâtre de Liège, en el marco del Festival Pays de Danses, en Lieja.

CRONOLOGÍA

Una Introducción fue estrenada en el Festival Tanz Im August, en Berlín, en 2010. Esta performance documental ha sido traducida a nueve idiomas y presentada en Alemania, Bélgica, Francia, Holanda, España, Portugal, Austria, Polonia, Brasil, Finlandia, Suecia, República Checa, Italia, México y Chile, en distintos teatros y festivales.

INFORMACIÓN SOBRE LA MESA VERDE

La Mesa Verde es un ballet en ocho escenas para dieciséis bailarines, inspirado en una danza macabra de la Edad Media y fuertemente influenciado tanto por el clima de posguerra como por el de entreguerras. Este espectáculo está considerado como una de las obras políticamente más comprometidas del siglo XX, siendo una obra de carácter pacifista en la que el autor denuncia el auge del fascismo, los horrores y las consecuencias nefastas de la guerra. Su estreno tuvo lugar el 3 de julio de 1932 en el Teatro de los Campos Elíseos en París, en una de las épocas más oscuras de la historia de la humanidad. Vio la luz pocos meses después de que Hitler obtuviera 30% de sufragios en la primera vuelta de las elecciones y pocos meses antes de su llegada al poder en Alemania, lo que ligado al mensaje de la obra y al carácter pacifista de la misma, le confiere a una enorme carga de significado.

BIOGRAFÍA

Olga de Soto es coreógrafa, intérprete e investigadora en danza. Nacida en España, pero residente en Bruselas desde 1990 tras formarse en danza clásica, contemporánea y solfeo en València y Madrid, Olga de Soto estudia becada por el gobierno francés en la prestigiosa escuela francesa, CNDC d’Angers.

Ha trabajado como bailarina, junto a coreógrafos como Boris Charmatz o Jérôme Bel, en numerosos espectáculos por todo el mundo y, en el año 1992, inicia su trabajo de creación, centrándolo en la investigación y la composición coreográficas, estrenando y presentado sus trabajos en escenarios emblemáticos entre los que se encuentran el Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), Bergen Internasjonale Teater (Bergen, Noruega), Centro Pompidou, Théâtre de la Bastille y Festival d’Automne (París), Biennale de la Danse (Lyon), Hebbel Theater (Berlín), Tanzquartier Wien (Viena), Mercat de les Flors (Barcelona), Springdance Festival (Utrecht), Dansens Hus (Oslo), Festival Transversales (México), Festival Panorama (Rio de Janeiro), NAVE (Santiago de Chile)…

Olga de Soto es invitada con regularidad a dar talleres y conferencias, interviene en seminarios, congresos y coloquios, compartiendo su metodología y su trabajo de investigación en multitud de lugares alrededor del mundo.

Olga de Soto ha sido artista asociada al Teatro Les Halles, en Bruselas, de 2009 a 2013.

En 2013 Olga de Soto recibe el Premio Nacional de la SACD — Sociedad de Autores y de Compositores Dramáticos belga, en la categoría de Artes Escénicas, por el conjunto de su trayectoria y en especial por su trabajo de creación y de investigación en torno a La Mesa verde.

Olga de Soto está subvencionada por el Ministerio de la Federación Valonia-Bruselas (2018-2022) y está en residencia administrativa en Charleroi danse — Centro Coreográfico de la Federación Valonia-Bruselas.

FICHA TÉCNICA

CONCEPTO, DOCUMENTACIÓN, TEXTO, CÁMARA, SONIDO Y PRESENTACIÓN Olga de Soto / CON LOS TESTIMONIOS DE (POR ORDEN DE APARICIÓN) Micheline Hesse, Brigitte Evellin, Suzanne Batbedat, Françoise Olivaux, Frederic Stern, Françoise Dupuy y Michelle Nadal / DIRECCIÓN VÍDEO Olga de Soto / MONTAGE VÍDEO Julien Contreau y Olga de Soto / VOZ EN OFF Kurt Jooss (fragmento de la entrevista Berghson Jooss, California 1974, con autorización de Tanzarchiv Köln) / SOFTWARE PELÍCULA CRÉDITOS Pierre Gufflet / DIRECTOR TÉCNICO Christophe Gualde / ILUMINACIÓN Thomas Walgrave / TÉCNICO LUCES Geni Diez / SONIDO Y VÍDEO Julien Lamaze / ASISTENTE INVESTIGACIÓN DOCUMENTAL ARCHIVOS DE COLONIA Katja Herlemann / ASISTENTE INVESTIGACIÓN DOCUMENTAL COMPAÑÍAS Karin Verbruggen / FOTOGRAFÍAS DE Kurt Hegel, Marian Reisman, Fritz Henle y fotógrafos desconocidos. Tres fotografías de “La Mesa Verde” de Albert Renger-Patzsch/Albert Renger-Patzsch Archiv – Ann und Juergen Wilde / VG Bild-Kunst, Bonn / SABAM, Bélgica 2010.

PRODUCCIÓN Niels (Bruselas), en colaboración con Caravan Production (Bruselas) / COPRODUCCIÓN Centre Chorégraphique National de Franche-Comté (Belfort, FR), Les Halles (Bruselas), Tanz im August (Berlín) / CON EL APOYO DE Ministère de la Fédération Wallonie-Bruxelles – Secteur danse, Jooss Archives (Colonia/Amsterdam) des Deutsches Tanzarchiv Köln (German Dance Archives). / BECAS DE INVESTIGACIÓN Dispositif d’aide à la recherche et au patrimoine en danse / Ministerio de la Cultura y de la Comunicación (Francia), Ministerio de la Federación Valonia-Bruselas – Sector danza. / RESIDENCIAS DE INVESTIGACIÓN Centre Chorégraphique de la Communauté française de Belgique – Charleroi danse (2006-2009), Centre National de la Danse – Pantin (2006).  Duración: 1h10  
   

Notas de programas facilitadas por los archivos de Ballet Arizona, Ballet du Rhin, Bayerisches Staatballett, Birmingham Royal Ballet, former Cleveland Ballet now San José, Cullberg Ballett, Deutschen Tanzarchiv Köln (for Folkwang Tanztheater, Ballets Jooss, Folkwang Ballet & Tanzforum Köln), Finnish National Ballet, Les Grands Ballets Canadiens, Het National Ballet, Israel Dance Library – Tel-Aviv (for Batsheva Dance Company), Joffrey Ballet, José Limón Dance Foundation, Malmo Stadsteater, Oakland Ballet, Richmond Ballet, Tanzarchiv Leipzig (for Deutsche Oper, Berlin), Winnipeg Royal Ballet & Zürich Ballet.