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sábado, 20 de abril de 2024

LUZ GONZÁLEZ RUBIO, autora del libro “Mujeres en la Historia de Cuenca. Las olvidadas del callejero”




Julia Sáez-Angulo

20/4/24.- Madrid.- Luz González Rubio es la autora del libro “Mujeres en la Historia de Cuenca. Las olvidadas del callejero”, publicado por Almud Ediciones de Castilla-La Mancha. La autora ya publicó un primer libro sobre las mujeres que sí figuraban en el callejero de la conquense y quiso completarla con este segundo, que pone de manifiesto nombres femeninos relevantes de la historia local o nacional, que quedaron fuera. El libro, con bibliografía e ilustraciones, lleva un prólogo de Lourdes Luna, Directora del Instituto de la Mujer de Castilla-La Mancha.

Luz González Rubio pertenece a la Asociación de Escritores de Castilla-La Mancha, que este año 2024 cumple 25 años de su fundación y está presidida por el escritor Alfredo Villaverde Gil.

Entre los 40 nombres dignos de destacar de la selección de mujeres llevada a cabo por Luz González, se encuentran: Beatriz de Suavia. Milagro de su curación en Cuenca; María de Molina; Beatriz de Bobadilla, marquesa de Moya, amiga de Isabel la Católica; Juana de San Miguel, fundadora de las Concepcionistas de la Puerta de Valencia; Ana de Mendoza, escritora satírica del siglo XVI; Catalina de Cardona. De la Corte a la cueva en La Mancha conquense; Elena de Céspedes. Primera mujer cirujana que ejerció en cuenca con nombre masculino; Antonia Eslava, poeta conquense del Siglo de Oro; María Rodríguez de la Puente. Maestra vidriera. Una huelga contra la brecha salarial en el siglo XVI; María Albaicín; Adelaida Las Santas; Pilar de Cavia; Carmen Bravo Villasante; Aurora Auñón; Paz Muro…  

      Luz González Rubio es una escritora conquense nacida en Villaescusa de Haro.Es autora de las novelas: En Kabul vuelan cometas, vida; Sangre de la luna; La casa de las conversas o el secreto de  la puerta azul; Querido hermano, cartas del confesor de la reina y La gruta de Diana, de Valeria a Segóbriga.

Ha publicado libros de relatos: De la República y la guerra, memorias de un pueblo en zona republicanaLa maldición del derviche y otros cuentos de Contrebia; Perseguidas y silenciadas, ellas hablan y Buena gente del campo.

Artículos suyos sobre mujeres del callejero de Cuenca, y de otras que merecerían estar ahí, aparecen en la sección Las conquenses ilustres, de la revista "Los Ojos del Júcar" y en el periódico "La Tribuna de Cuenca". 

 En su canal En Femenino Plural (You TubeIvoox y Spotify) rescata historias de mujeres olvidadas.

miércoles, 1 de junio de 2016

EL MUSEO DE ARTE ABSTRACTO ESPAÑOL EN SU CINCUENTENARIO: UNA MEJORA INTEGRAL


EL PROXIMO VIERNES 3 DE JUNIO, A LAS 13:00 HORAS, LA FUNDACIÓN JUAN MARCH PRESENTA, EN CUENCA, LA AMPLIACIÓN Y LA REFORMA Y RACIONALIZACIÓN DE ESPACIOS QUE HA EMPRENDIDO EN EL MUSEO DE ARTE ABSTRACTO ESPAÑOL, COINCIDIENDO CON SU 50 ANIVERSARIO

EN UN SEGUNDO ACTO, EL 4 DE NOVIEMBRE, SE PRESENTARÁ LA COLECCIÓN REORDENADA Y SE ABRIRÁN NUEVOS ESPACIOS AL PÚBLICO

UNA VUELTA A LA ESENCIA DE UN MUSEO DE ARTISTAS HECHO POR ARTISTAS


L.M.A.

El Museo creado por Fernando Zóbel en 1966, con la colaboración de sus amigos y artistas Gustavo Torner y Gerardo Rueda, –un Museo de artistas hecho por artistas– es casi único en su género, de modo que el proyecto en marcha no solo ha querido ser respetuoso con la idea original de su creador, sino que devuelve casi todos los espacios originarios del Museo a los usos que tuvieron durante sus primeros años de funcionamiento.


La Fundación Juan March, que renueva su compromiso con Cuenca desde que en 1981 aceptara la donación por parte de Zóbel de la Colección y se hiciera cargo del Museo, ha acometido una completa reordenación y modernización de los espacios, servicios y funciones esenciales del Museo.


La ampliación y reordenación de espacios del Museo se ha llevado a cabo en una parte del edificio del Mesón Casas Colgadas, propiedad del Ayuntamiento de Cuenca, que ha cedido su uso, el del antiguo comedor de la última planta del mesón, a la Fundación Juan March. El resto del edificio continuará albergando un espacio de restauración. Todas las mejoras han sido costeadas por la Fundación Juan March.


La percepción exterior de los edificios se mantiene, mientras que la morfología interior y las conexiones existentes entre las distintas plantas y edificios se han modificado sutilmente para mejorar la accesibilidad, los recorridos y la funcionalidad museística. La escala humana y las proporciones de los espacios no han sufrido modificación alguna.



1ª PRESENTACIÓN, EN JUNIO
El próximo viernes 3 de junio se presentará el resultado de la intervención, que amplía los espacios ya existentes y reordena de manera inteligente todos los espacios, para mejorar de forma sustancial la experiencia del visitante. En concreto,
           
AMPLIACIÓN DEL ESPACIO CON UNA NUEVA SALA
El antiguo comedor del Mesón de las Casas Colgadas se ha convertido en un nuevo espacio para la colección. Al aumentar su espacio expositivo, la Fundación Juan March ha incorporado ahora ya, en junio, a los fondos expuestos en el Museo en esta presentación obra mayor (lienzos) de artistas insertos en la tradición abstracta española, cuyo espíritu da identidad al Museo de Arte Abstracto Español. Entre ellos, cabe señalar pinturas y esculturas de artistas como Elena Asins, Eduardo Chillida, José Guerrero, Josep Guinovart, José María de Labra, Jorge Oteiza, Gerardo Rueda, Susana Solano, Soledad Sevilla, Gustavo Torner y Fernando Zóbel.
           
REORDENACIÓN INTELIGENTE Y MODERNIZACIÓN DE LOS ESPACIOS QUE YA ESTABAN ABIERTOS AL PÚBLICO
 El espacio dedicado hasta ahora a exposiciones temporales se ha reconvertido –una vez recuperados todos sus vanos a la luz natural de la hoz del Huécar– en un espacio multiusos, un pequeño auditorio donde podrán celebrarse actos y presentaciones públicas (conciertos, cursos, conferencias) y en el que se instalará la Biblioteca y el archivo y centro de documentación del Museo. Junto a él se encuentra el nuevo taller del programa educativo (por el que pasan más de seis mil escolares al año), con nuevas y amplias instalaciones.

El último de los espacios del recorrido del Museo lo ocupa ahora un nuevo espacio ampliado y técnicamente acondicionado en cuanto a iluminación, humedad relativa y temperatura, destinado a exposiciones temporales.

El Museo cuenta a partir de ahora con una nueva entrada principal y con otra con acceso directo a la Sala Multiusos y al taller del programa educativo, además de con una librería-tienda mejorada y con aseos modernizados.

La Fundación presentará también el próximo día 3 la nueva edición, corregida y aumentada, del catálogo del Museo; la reedición bilingüe, en colaboración con la Harvard University Press, del libro de Fernando Zóbel, Cuenca: Sketchbook of a Spanish Hill Town (publicado por primera vez en 1970); y un portfolio conmemorativo del cincuentenario con una selección de facsímiles de los cuadernos de viaje de Fernando Zóbel.


2ª Y ÚLTIMA PRESENTACIÓN, EN NOVIEMBRE

Los resultados de la intervención en los espacios del Museo destinados hasta ahora a servicios y que se dedican de nuevo a uso museográfico podrán verse en noviembre, una vez clausurada la exposición “Arte sonoro en España, 1961-2016” que, entre el próximo 16 de junio y el mes de septiembre, ocupará el Museo en su totalidad.

El 4 de noviembre el Museo presentará reordenada y ampliada su colección en todos los nuevos espacios, antes de uso privado y administrativo; además de la nueva sala con vistas a la hoz del Huécar –habilitada a partir de un antiguo almacén y que muestra parte de la viguería sustentante de las casas colgadas– que acogerá muestras de gabinete, los espacios con restos históricos, antes “escondidos” al visitante (artesonado, “cueva”) –remodelados y abiertos de nuevo al público–, acogerán las más de 2000 obras de la biblioteca donada por Zóbel a la Fundación Juan March (restauradas y catalogadas) y serán destinados a la exhibición de obra gráfica y de pequeños formatos de artistas de la colección, integradas en el recorrido de la colección permanente; también acogerán obras de diferente formato que completarán exposiciones temporales; y servirán para informar sobre la historia del Museo.

Las más de 600 piezas de la colección de dibujo, obra gráfica y libros de artista del Museo –que por la falta de espacio y condiciones han sido custodiadas desde hace años en la sede de la Fundación en Madrid– volverán al Museo, en cuyo seno, ya en los años 60 y con el impulso de Zóbel, tuvo lugar una intensa actividad, verdaderamente pionera, en campo del grabado y la estampación.

En noviembre se presentará también el portal “Zóbel/50 años del Museo de Arte Abstracto Español” (www.march.es), un portal de conocimiento en construcción, alojado en la web de la Fundación, que recogerá la digitalización del fondo bibliográfico especial Zóbel, los diarios y las más de 18.000 páginas de los cuadernos de dibujo de Fernando Zóbel (1948-1984), el archivo histórico del Museo, su fondo fotográfico, una completa cronología documentada del Museo desde sus orígenes hasta hoy, el archivo de prensa, el archivo de artistas abstractos españoles, los libros de firmas del Museo desde 1966 y toda la documentación de apoyo a la investigación sobre el Museo, su historia y la del arte abstracto español.


LA FUNDACIÓN JUAN MARCH, COMPROMETIDA CON CUENCA
Actividades durante el Cincuentenario

Durante el cincuentenario de la fundación del Museo de Arte Abstracto Español, la Fundación Juan March está teniendo –además de la inversión en la mejora integral del Museo y de las actividades aludidas– una especial presencia en la ciudad: el pasado marzo, Javier Gomá, director de la Fundación, impartió una conferencia sobre Cervantes en el marco de la 55 Semana de Música Religiosa; Manuel Fontán del Junco, director de Exposiciones de la Fundación Juan March y del Museo de Arte Abstracto Español, participó con una ponencia en las Jornadas sobre las CAAC (Colecciones de Arte Contemporáneo de Castilla La Mancha) celebradas en la Facultad de Bellas Artes durante el pasado mes de abril en Cuenca. Sin olvidar que la entrada al Museo es libre y gratuita desde el pasado mes de enero.

El 16 de junio se inaugurará la exposición “Arte sonoro en España, 1960-2016”, tras su paso por el Museu Fundación Juan March de Palma. En octubre, la exposición, ampliada, abrirá la programación de la temporada 2016/2017 en los espacios de la Fundación en Madrid.

lunes, 23 de marzo de 2015

TORNER ENTRÓPICO, exposición en la catedral de Cuenca




L.M.A.

El próximo martes, 31 de marzo, a las 20.30 h., tendrá lugar en las Salas de la Catedral de Cuenca, la inauguración de la exposición TORNER ENTRÓPICO, una exposición que coincide con las celebraciones, este año, del noventa aniversario de este fundamental artista.

La exposición, centrada en las vidrieras que realizó este artista en la Catedral, en los años noventa, fijará también su atención en el surgimiento del mundo abstracto, circa años cincuenta-sesenta.

Coincide esta muestra con el estreno mundial, en la Catedral de Cuenca, de la obra de Joan Magrané: “Tu solus qui facis mirabilis”, dedicada a Gustavo Torner, a cargo del grupo vocal Kea, con Enrique Azurza como Director.  Esta obra es un encargo de la Semana de Música Religiosa de Cuenca (SMR), en coincidencia con el aniversario de este artista.

Esta exposición, compuesta de unas sesenta y cinco obras, ha sido posible gracias al préstamo de instituciones y particulares.  Entre ellos, y además de algunas obras inéditas del propio artista, el MNCARS y la Fundación Juan March.   Se ha editado un catálogo bilingüe (español/inglés) que reproduce las obras expuestas.

jueves, 17 de marzo de 2011

TRES ACUARELAS Y DOCE AGUAFUERTES DE GIORGIO MORANDI EN CUENCA,



L.M.A.


Desde mañana viernes 18 de marzo y hasta el próximo 12 de junio, el Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, ofrece la exposición GIORGIO MORANDI. TRES ACUARELAS Y DOCE AGUAFUERTES, una pequeña pero representativa selección de la obra de Morandi (Bolonia, 1890-1964) sobre papel: doce grabados y tres delicadas acuarelas, datados entre los años 1927 y 1962. Todas estas obras comparten un foco temático común: la naturaleza muerta. Como sugirió en su día Julián Gállego, estos bodegones son “como pequeñas aldeas, que nos invitan a que las visitemos”. Esta misma exposición se ha podido ver previamente en Madrid, en la sede de la Fundación Juan March, y en el Museu Fundación Juan March, de Palma.

Giorgio Morandi nació en Bolonia en 1890, en el seno de una familia de clase media y, tras un breve período en el que trabajó en la empresa de su padre, estudió en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. En 1910 viajó a Venecia y Florencia, donde descubrió la obra de grandes artistas del Renacimiento italiano (Giotto, Masaccio, Piero de la Francesca, Paolo Ucello), pero quien más le influyó fue Paul Cézanne (aunque no visitaría Francia, concretamente París, hasta 1956), especialmente en su larga serie de bodegones.

En 1913, tras superar con ciertas dificultades el examen de aptitud para la enseñanza, Morandi consigue una modesta plaza de profesor suplente en escuelas elementales, que mantendrá hasta 1929 y que le llevará a pueblos perdidos de la región de Emilia. Sobre esta época escribe De Chirico: “Para mantener su obra en la pureza, de noche, en las aulas desoladas de alguna escuela elemental, Morandi enseña a los niños las leyes eternas del dibujo geométrico, el fundamento de toda gran belleza y de toda profunda melancolía”.

También en 1913, el pintor comienza a relacionarse con los futuristas por mediación de su compañero de estudios Osvaldo Licini, quien le pone en contacto con Marinetti, Russolo y Boccioni. En los meses siguientes, Morandi asiste con cierta frecuencia a las reuniones del grupo y presenta dos obras a la Primera Exposición Futurista Libre, celebrada en Roma en la primavera de 1914. Pero mantiene su independencia frente al movimiento liderado por Marinetti y, sin perder la impronta cezanniana, se va aproximando al cubismo. Morandi, que en 1912 había comenzado una importante actividad como grabador, ve su carrera interrumpida bruscamente por la Primera Guerra Mundial. Es llamado a filas en 1915, enferma gravemente y es internado en un hospital.

Aunque de esos años se conservan escasas obras –pinta poco y destruye la mayor parte de su trabajo-, los problemas de salud no le impiden llevar a cabo un profundo proceso de reflexión que desemboca en 1918 en el llamado período metafísico.

Entabla amistad con Giorgio de Chirico, por quien será también muy influido, y quien asociaba la obra de Morandi con lo que llamó “la metafísica de los objetos más comunes” Parte de la iconografía del pintor boloñés son vasos, botellas, etc., que, colocados sobre una mesa, se convierten en los principales protagonistas de sus cuadros. Morandi seguía así a su admirado Cézanne en la elección de los bodegones sencillos como medio de expresión de su pintura. En 1945 se celebra su primera exposición individual, en la galería Fiore de Florencia. Entre 1930 y 1956 fue profesor de grabado al aguafuerte en la Academia de Bellas Artes de su ciudad natal. Fue galardonado con el Primer Premio de la Bienal de Venecia de 1948 y con el gran premio de la Bienal de Sao Paulo de 1957. Giorgio Morandi falleció en Bolonia en 1964. En 2001 abrió sus puertas el Museo Morandi en una sección del Palazzo d’Accursio, sede del gobierno local de Bolonia.

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sábado, 6 de noviembre de 2010



"Las tres eras de la imagen”
Imagen-Materia, Film, E-Image
José Luís Brea
Akal/ Estudios Visuales
Madrid, 2010 (142 pags)




Julia Sáez-Angulo



Profesor de Estética y Teoría del Arte Contemporáneo de la Universidad Carlos III, José Luis Brea (1967-2010) ha dejado tras de sí una obra investigadora de las artes plásticas en nuestro tiempo. Entre sus libros este, el más reciente, de “Las tres eras de la imagen” Imagen-Materia, Film, E-Image, editado por Akal.

Estudioso de la simbología en el arte contemporáneo, en esta ocasión describe historias de pintura, de cine y de arte electrónico o imagen electrónica. El volumen se cierra con una interesante bibliografía.

“provenimos de una tradición que carga de “fuerza de creencia –de poder teológico- ” a las imágenes porque el núcleo de fe de la que tanto tiempo ha constituido su narrativa de saber central, el cristianismo tiene puesto el corazón secreto de su dogma principal de definición de lo verdadero del lado del mas alto valor del orden de lo “visible” más allá de lo decible, del “logos”, escribe Brea en la primera parte.

“Este es el tiempo de los hombres que sueñan que, detrás de las diferencias que reconocen entre sí, puede dibujarse un común, un escenario de pacificación, uno de libertad y realización secularizada de la vida de espíritu –todo ello fundado únicamente en el propio trabajo de la adquisición cognitiva, de la libre circulación en lo público del conocimiento, como fundamento del lazo social”, sostiene el autor en la segunda parte.

“Cada epocalidad –cada régimen técnico, cada programa civilizatorio, cada escenario del deseo realizaría en diferido lo más propio del que la precede -según una conocida tesis defendida por autores tan diversos como Freud, McLuhan, Benjamín o Hal Foster. El “régimen estético” que efectúa nuestro tiempo realiza en diferido el proyecto más crucial de la Ilustración; el alumbramiento de una forma del espíritu –la producción de una formación de subjetividad- autónoma y radicalmente secularizada, pensable desde la óptica del materialismo absoluta”, afirma en su último capítulo.

No existe ninguna “historia de la imagen” como tal que la afronte desde una perspectiva teórico-crítica atendiendo a cómo en ella se organizan las narrativas generales que regulan su fuerza simbólica más característica, por lo que el libro de Brea es esencial en este aspecto.

Para la crítica de arte Ana María Guashc “Brea creó un cuerpo de pensamiento interesado por la universalidad del conocimiento y las nuevas humanidades y por la intersección entre arte, ciencia y tecnología”.
José Luis Brea ha sido director de las revistas “Estudios Visuales” y la revista on-line”¡¡salonKritik::”. Era crítico de arte comisarió diversas exposiciones. Trabajó en el Ministerio de Cultura junto a Carmen Jiménez como subdirectora general de Exposiciones y comenzó como profesor en la escuela de Bellas Artes de Cuenca. “Noli me legere. El enfoque retórico y el primado de la alegoría en el arte contemporáneo” (2007) y “cultura-RAM. Mutaciones de la cultura en la hora de sus distribución electrónica (2007), son otros títulos del mismo autor.

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lunes, 14 de diciembre de 2009

Henry Moore, Obra Gráfica en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca


A partir del próximo viernes 18 de diciembre, y hasta el 14 de febrero de 2010, puede verse en el Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, la exposición "Henry Moore, Obra Gráfica" , que presenta tres series de grabados realizados por Henry Moore (Castleford, Yorkshire, Gran Bretaña, 1898 - Perry Green, Hertfordshire, Gran Bretaña, 1986). En ellos, el que es considerado como el escultor británico más importante del siglo XX explora algunos de sus temas preferidos: el desnudo femenino reclinado, las figuras de madre e hijo y los estudios de animales y otros seres vivos.

Moore ya había tratado esos temas en su obra escultórica, pero en la segunda parte de su larga vida lo hizo también y cada vez más en dibujos y en el grabado, el género menos conocido de su trabajo artístico. En esta exposición se muestran 12 litografías y 2 aguafuertes, en color y en blanco y negro, de la serie Meditations on the Effigy, publicada por la Marlborough Gallery de Londres con motivo del 70º aniversario del artista en 1968. Además, se presentan los 28 grabados al aguafuerte en blanco y negro, editados en 1970 por Gerald Cramer bajo el título Elephant Skull, y que se inspiran en el cráneo monumental de un elefante africano que le regalaron en 1966 el biólogo Sir Julian y Lady Juliet Huxley. El cráneo fascinó a Moore, y a partir de él creó esta serie de aguafuertes.

La serie titulada La poésie, editada en 1976 por la Asociación de Bibliófilos Art et Poésie en París, se compone de 8 litografías en color realizadas por Henry Moore en los Curwen Studios de Londres. El álbum le había sido encargado inicialmente para ilustrar los poemas de un grupo de poetas franceses elegidos por el entonces presidente francés, Georges Pompidou, pero como no recibió los textos a tiempo, Moore escogió los motivos libremente, recurriendo a sus temas preferidos: figuras de pie y reclinadas, retratos femeninos, ideas para esculturas, formas de piedra, etc. En esta serie Moore empleó la técnica llamada “litografía de diazo”, desarrollada por él junto con Stanley Jones: consiste en dibujar el motivo con tinta negra sobre una película y transferirlo luego sobre la piedra litográfica mediante luz ultravioleta. El mismo motivo se puede repetir sobre varias piedras con intensidades y tonalidad diferentes, según el tiempo de exposición a la luz ultravioleta.


Biografía del artista británico

Henry Moore (Castleford, Yorkshire, Gran Bretaña 1898 - Perry Green, Hertfordshire, Gran Bretaña, 1986) era hijo de un ingeniero de minas, en 1916 se ganaba la vida dando clases en la escuela elemental a la que había asistido de niño. En la Primera Guerra Mundial, en la que resultó herido, sirvió en el regimiento de Fusileros del Servicio Civil. En 1919 asistió a las clases de la Leeds School of Art, gracias a su pensión de excombatiente. Dos años después ganó una beca para estudiar en Londres, en el prestigioso Royal College of Art, donde fue profesor hasta 1931, año en el que se trasladó a la Chelsea School of Art, de cuyo departamento de Escultura fue director. En la década de los años veinte estudió las esculturas de otras culturas en el British Museum de Londres. También viajó a otras ciudades europeas, ampliando su formación. En 1926 celebró su primera exposición individual y en 1930 participó en la Bienal de Venecia. Tras suscitar duras reacciones de la crítica, que consideraba que sus esculturas distorsionaban las proporciones de la figura humana, en 1948 obtuvo el Premio Internacional de Escultura en la Bienal de Venecia de ese año, galardón con el que Moore fue reconocido internacionalmente. Sus esculturas de bronce y mármol tallado de gran formato contribuyeron a introducir una particular forma de modernismo en su país. Fallecido en 1986, Henry Moore es considerado hoy el escultor británico más importante del siglo XX, y uno de los más relevantes de esa centuria.