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jueves, 2 de marzo de 2023

BRUNO MUNARI. El Museo de Arte Abstracto Español presenta en Cuenca la primera retrospectiva en España

• Tras su paso por Madrid, Alicante y Palma, el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca presenta una versión adaptada a sus espacios de la primera retrospectiva dedicada a Bruno Munari en nuestro país.

• La muestra está dedicada a una de las figuras culturales más significativas del siglo XX: el artista, diseñador y pedagogo Bruno Munari. Fue nombrada mejor exposición de 2022 en España  por el suplemento El Cultural. 

• Más de 130 obras ponen de manifiesto la amplitud de medios que utilizó el artista en su investigación plástica y visual, siempre experimental e innovadora.

• La exposición llega al museo una vez concluidas las reformas de climatización. Esta renovación de las instalaciones se presentará al público el 16 de marzo en rueda de prensa.

 


 

     L.M.A.

Cuenca, 2 de marzo de 2023. El Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca presenta una versión adaptada a sus espacios de la primera retrospectiva dedicada a Bruno Munari en nuestro país, que tuvo lugar en Madrid entre febrero y mayo de 2022. Concebida y organizada por la Fundación Juan March, la muestra viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, al Museu Fundación Juan March en Palma y llega ahora al Museo de Arte Abstracto Español. Permanecerá abierta hasta el 11 de junio.

Un “Leonardo de nuestro tiempo”. Así describió Picasso a Bruno Munari (Milán, 1907-1998), una de las figuras más significativas del diseño y la comunicación visual del siglo XX, y sin embargo no lo suficientemente conocida. En febrero de 2022, la Fundación Juan March inauguró en Madrid la muestra que ahora llega a Cuenca: la primera retrospectiva en España dedicada a este artista, diseñador y pedagogo que buscó la esencia del arte y el diseño en el equilibrio entre el rigor y la ligereza, utilizando siempre el juego, el humor y la ironía. Bruno Munari fue la mejor exposición de 2022 en España, según el suplemento El Cultural.

La exposición llega al Museo de Arte Abstracto Español una vez finalizadas las reformas de climatización, iniciadas en 2016 con motivo de su 50º aniversario e interrumpidas durante la pandemia. La conclusión de este proceso y la renovación de las instalaciones se presentarán en rueda de prensa el día 16 de marzo.

Concebida como “una muestra colectiva de Bruno Munari” (subtítulo que él mismo otorgó a una de sus muestras), la muestra ha sido comisariada por un equipo curatorial formado por el comisario invitado, Marco Meneguzzo, junto con Manuel Fontán del Junco y Aída Capa (Fundación Juan March). A través de una selección de más de 130 obras –entre pinturas, dibujos y esculturas, proyecciones y juegos de luz, piezas de diseño gráfico e industrial, ejercicios tipográficos y escritos y libros infantiles– la exposición pone de manifiesto la amplitud de medios utilizados por el artista en su investigación plástica y visual, siempre experimental e innovadora. 

Al igual que la exposición de Madrid, la muestra y el catálogo, que abarcan desde las primeras obras de Munari –vinculadas al futurismo y al diseño gráfico– hasta sus últimos experimentos de los años 90, se organizan en torno a cinco conceptos metodológicos esenciales en su obra: tiempo, método, ligereza, experimentación y contemplación.“Ser en el tiempo”; “De las dos a las cuatro dimensiones”; “El método como método”; “Superar el límite”; “Anular el tiempo”; y, por último, “Descubrir el mundo” son los nombres de las seis secciones de la exposición. En estos procesos subyace lo que él llamaba “método”: “el secreto -escribió- es que siempre parto de la técnica, no del arte [...] Si se parte de la técnica, se sabe hasta dónde se puede llegar”.

La presente muestra incluye un espacio inspirado en la exposición, que ofrecerá talleres creativos destinados al público familiar y educativo. Además, se podrá ver proyectado el documental de La Cara B Munari, ¿se puede hacer de otra manera?. La exposición se completa con un catálogo de cerca de cuatrocientas páginas que contiene un ensayo sobre la exposición firmado por el equipo curatorial de la muestra, diez ensayos de algunos de los principales especialistas en Munari y su obra, y un amplio aparato crítico. Además de ser una de las exposiciones más completas dedicadas al artista fuera de Italia, se trata de la primera publicación completa dedicada a Munari en español.

 Un Leonardo de nuestro tiempo

Así definió Picasso a Bruno Munari (Milán, 1907-1998), uno de esos artistas que tanto influyeron en el arte y la cultura del siglo XX, pero cuyo conocimiento (paradójicamente) es sólo relativo. Munari se movía libremente entre diferentes disciplinas y lenguajes, los del arte, el juego, el diseño y la literatura, tratando de entender su funcionamiento y su capacidad de comunicación. El amplio abanico de medios que utilizó le llevaron a convertirse en un artista polifacético, con una actividad muy relevante no sólo como artista, sino también como diseñador gráfico y editor, además de como educador.

martes, 8 de octubre de 2019

“Picasso grabados. El taller del escultor” en el Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca


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Picasso Grabados
El taller del escultor
Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca
15 octubre 2019 - 16 enero 2020
SALA Z



            L.M.A.

            8/10/19 .- Madrid .- Desde el próximo martes 15 de octubre, y hasta el 16 de enero de 2020, podrá visitarse en el Museo de Arte Abstracto Español, en Cuenca, la exposición de pequeño formato “Picasso grabados. El taller del escultor”.
            Pablo Picasso (Málaga, 1881 ­­­- Mougins, 1973) concedió siempre una enorme importancia al grabado: desde 1899 hasta 1972 realizó más de dos mil, que constituyen casi un diario de su vida de artista.
            Esta exposición muestra una selección de 12 grabados de la Suite Vollard, una célebre serie realizada por Picasso entre septiembre de 1930 y junio 1936, compuesta de un centenar de estampas y en la que Picasso empleó, con innovación y maestría, diferentes técnicas de grabado, como las del aguafuerte, la punta seca, el buril o la aguatinta. Las obras seleccionadas responden a un motivo picassiano –“El taller del escultor”–, que gira en torno a las relaciones entre el arte y vida, encarnadas aquí en el vínculo entre el artista y su modelo.

Suite Vollard
La espléndida colección de grabados de Picasso conocida como Suite Vollard es una de las series más importantes de toda la historia del arte, sólo comparable en calidad y extensión a las realizadas anteriormente por Rembrandt y Goya, y toma su nombre del marchante Ambroise Vollard para quien grabó Picasso estos cobres. Esta serie, realizada entre septiembre y junio de 1936, consta de cien grabados ejecutados con diversas técnicas como buril, punta seca, aguafuerte y aguatinta al azúcar, que son utilizadas de manera novedosa y sorprendente al aplicar Picasso los ácidos con pincel para conseguir asombrosas veladuras o utilizar la simple línea pura, dotando así a las estampas de un naturalismo sensual. Con estas conquistas expresivas Picasso demuestra ser el maestro de las técnicas calcográficas.
En el conjunto de la Suite Vollard se pueden apreciar claramente cuatro temas: El taller del escultor, El minotauro, Rembrandt y La batalla del amor, más tres retratos de Ambroise Vollard realizados en 1937


miércoles, 1 de junio de 2016

EL MUSEO DE ARTE ABSTRACTO ESPAÑOL EN SU CINCUENTENARIO: UNA MEJORA INTEGRAL


EL PROXIMO VIERNES 3 DE JUNIO, A LAS 13:00 HORAS, LA FUNDACIÓN JUAN MARCH PRESENTA, EN CUENCA, LA AMPLIACIÓN Y LA REFORMA Y RACIONALIZACIÓN DE ESPACIOS QUE HA EMPRENDIDO EN EL MUSEO DE ARTE ABSTRACTO ESPAÑOL, COINCIDIENDO CON SU 50 ANIVERSARIO

EN UN SEGUNDO ACTO, EL 4 DE NOVIEMBRE, SE PRESENTARÁ LA COLECCIÓN REORDENADA Y SE ABRIRÁN NUEVOS ESPACIOS AL PÚBLICO

UNA VUELTA A LA ESENCIA DE UN MUSEO DE ARTISTAS HECHO POR ARTISTAS


L.M.A.

El Museo creado por Fernando Zóbel en 1966, con la colaboración de sus amigos y artistas Gustavo Torner y Gerardo Rueda, –un Museo de artistas hecho por artistas– es casi único en su género, de modo que el proyecto en marcha no solo ha querido ser respetuoso con la idea original de su creador, sino que devuelve casi todos los espacios originarios del Museo a los usos que tuvieron durante sus primeros años de funcionamiento.


La Fundación Juan March, que renueva su compromiso con Cuenca desde que en 1981 aceptara la donación por parte de Zóbel de la Colección y se hiciera cargo del Museo, ha acometido una completa reordenación y modernización de los espacios, servicios y funciones esenciales del Museo.


La ampliación y reordenación de espacios del Museo se ha llevado a cabo en una parte del edificio del Mesón Casas Colgadas, propiedad del Ayuntamiento de Cuenca, que ha cedido su uso, el del antiguo comedor de la última planta del mesón, a la Fundación Juan March. El resto del edificio continuará albergando un espacio de restauración. Todas las mejoras han sido costeadas por la Fundación Juan March.


La percepción exterior de los edificios se mantiene, mientras que la morfología interior y las conexiones existentes entre las distintas plantas y edificios se han modificado sutilmente para mejorar la accesibilidad, los recorridos y la funcionalidad museística. La escala humana y las proporciones de los espacios no han sufrido modificación alguna.



1ª PRESENTACIÓN, EN JUNIO
El próximo viernes 3 de junio se presentará el resultado de la intervención, que amplía los espacios ya existentes y reordena de manera inteligente todos los espacios, para mejorar de forma sustancial la experiencia del visitante. En concreto,
           
AMPLIACIÓN DEL ESPACIO CON UNA NUEVA SALA
El antiguo comedor del Mesón de las Casas Colgadas se ha convertido en un nuevo espacio para la colección. Al aumentar su espacio expositivo, la Fundación Juan March ha incorporado ahora ya, en junio, a los fondos expuestos en el Museo en esta presentación obra mayor (lienzos) de artistas insertos en la tradición abstracta española, cuyo espíritu da identidad al Museo de Arte Abstracto Español. Entre ellos, cabe señalar pinturas y esculturas de artistas como Elena Asins, Eduardo Chillida, José Guerrero, Josep Guinovart, José María de Labra, Jorge Oteiza, Gerardo Rueda, Susana Solano, Soledad Sevilla, Gustavo Torner y Fernando Zóbel.
           
REORDENACIÓN INTELIGENTE Y MODERNIZACIÓN DE LOS ESPACIOS QUE YA ESTABAN ABIERTOS AL PÚBLICO
 El espacio dedicado hasta ahora a exposiciones temporales se ha reconvertido –una vez recuperados todos sus vanos a la luz natural de la hoz del Huécar– en un espacio multiusos, un pequeño auditorio donde podrán celebrarse actos y presentaciones públicas (conciertos, cursos, conferencias) y en el que se instalará la Biblioteca y el archivo y centro de documentación del Museo. Junto a él se encuentra el nuevo taller del programa educativo (por el que pasan más de seis mil escolares al año), con nuevas y amplias instalaciones.

El último de los espacios del recorrido del Museo lo ocupa ahora un nuevo espacio ampliado y técnicamente acondicionado en cuanto a iluminación, humedad relativa y temperatura, destinado a exposiciones temporales.

El Museo cuenta a partir de ahora con una nueva entrada principal y con otra con acceso directo a la Sala Multiusos y al taller del programa educativo, además de con una librería-tienda mejorada y con aseos modernizados.

La Fundación presentará también el próximo día 3 la nueva edición, corregida y aumentada, del catálogo del Museo; la reedición bilingüe, en colaboración con la Harvard University Press, del libro de Fernando Zóbel, Cuenca: Sketchbook of a Spanish Hill Town (publicado por primera vez en 1970); y un portfolio conmemorativo del cincuentenario con una selección de facsímiles de los cuadernos de viaje de Fernando Zóbel.


2ª Y ÚLTIMA PRESENTACIÓN, EN NOVIEMBRE

Los resultados de la intervención en los espacios del Museo destinados hasta ahora a servicios y que se dedican de nuevo a uso museográfico podrán verse en noviembre, una vez clausurada la exposición “Arte sonoro en España, 1961-2016” que, entre el próximo 16 de junio y el mes de septiembre, ocupará el Museo en su totalidad.

El 4 de noviembre el Museo presentará reordenada y ampliada su colección en todos los nuevos espacios, antes de uso privado y administrativo; además de la nueva sala con vistas a la hoz del Huécar –habilitada a partir de un antiguo almacén y que muestra parte de la viguería sustentante de las casas colgadas– que acogerá muestras de gabinete, los espacios con restos históricos, antes “escondidos” al visitante (artesonado, “cueva”) –remodelados y abiertos de nuevo al público–, acogerán las más de 2000 obras de la biblioteca donada por Zóbel a la Fundación Juan March (restauradas y catalogadas) y serán destinados a la exhibición de obra gráfica y de pequeños formatos de artistas de la colección, integradas en el recorrido de la colección permanente; también acogerán obras de diferente formato que completarán exposiciones temporales; y servirán para informar sobre la historia del Museo.

Las más de 600 piezas de la colección de dibujo, obra gráfica y libros de artista del Museo –que por la falta de espacio y condiciones han sido custodiadas desde hace años en la sede de la Fundación en Madrid– volverán al Museo, en cuyo seno, ya en los años 60 y con el impulso de Zóbel, tuvo lugar una intensa actividad, verdaderamente pionera, en campo del grabado y la estampación.

En noviembre se presentará también el portal “Zóbel/50 años del Museo de Arte Abstracto Español” (www.march.es), un portal de conocimiento en construcción, alojado en la web de la Fundación, que recogerá la digitalización del fondo bibliográfico especial Zóbel, los diarios y las más de 18.000 páginas de los cuadernos de dibujo de Fernando Zóbel (1948-1984), el archivo histórico del Museo, su fondo fotográfico, una completa cronología documentada del Museo desde sus orígenes hasta hoy, el archivo de prensa, el archivo de artistas abstractos españoles, los libros de firmas del Museo desde 1966 y toda la documentación de apoyo a la investigación sobre el Museo, su historia y la del arte abstracto español.


LA FUNDACIÓN JUAN MARCH, COMPROMETIDA CON CUENCA
Actividades durante el Cincuentenario

Durante el cincuentenario de la fundación del Museo de Arte Abstracto Español, la Fundación Juan March está teniendo –además de la inversión en la mejora integral del Museo y de las actividades aludidas– una especial presencia en la ciudad: el pasado marzo, Javier Gomá, director de la Fundación, impartió una conferencia sobre Cervantes en el marco de la 55 Semana de Música Religiosa; Manuel Fontán del Junco, director de Exposiciones de la Fundación Juan March y del Museo de Arte Abstracto Español, participó con una ponencia en las Jornadas sobre las CAAC (Colecciones de Arte Contemporáneo de Castilla La Mancha) celebradas en la Facultad de Bellas Artes durante el pasado mes de abril en Cuenca. Sin olvidar que la entrada al Museo es libre y gratuita desde el pasado mes de enero.

El 16 de junio se inaugurará la exposición “Arte sonoro en España, 1960-2016”, tras su paso por el Museu Fundación Juan March de Palma. En octubre, la exposición, ampliada, abrirá la programación de la temporada 2016/2017 en los espacios de la Fundación en Madrid.

miércoles, 10 de marzo de 2010

Libros de Artistas en el Museu Fundación Juan March de Palma



L.M.A.


     10/3/10 .- Mañana se inaugura en Palma, en el Museu Fundación Juan March, la exposición "Un coup de livres"(Una tirada de libros). Libros de artista y otras publicaciones del Archive for Small Press&Communication, que muestra 150 obras, en su mayoría libros, múltiples, revistas, ephemera y audiovisuales, una selección de los trabajos de 24 artistas representativos de distintos movimientos artísticos que aparecieron desde el inicio de los años 60, como pueden ser los movimientos Conceptual, Minimalista, Fluxus o el Arte Pop.

La idea de esta exposición, que se estará en Palma hasta el próximo 5 de junio y que se exhibirá posteriormente en Cuenca, entre el 18 de junio y el 31 de octubre, en el Museo de Arte Abstracto Español (Fundación Juan March), parte del concepto de que el llamado libro de artista no es un libro sobre arte, sino una obra de arte, un medio artístico independiente que constituye uno de los aspectos más esenciales en el arte del siglo XX.

La elección del título de la exposición, Un coup de livres (“Una tirada de libros”) es un homenaje explícito a una de las obras esenciales del poeta francés Stéphane Mallarmé (1842-1898), Un coup de dés jamais n´abolira le hasard (“Una tirada de dados jamás abolirá el azar”), una obra que escrita y publicada en 1897, un año antes de morir, será a partir de 1914, al editarla la NRF (Nouvelle Revue Française), cuando adquiera la importancia que hoy tiene en la creación artística. Mallarmé concibió su obra como un libro en el que el espacio poético y el visual fueran indisociables.

Esta exposición parte también de la conocida reflexión del propio Mallarmé de que todo cuanto hay en el mundo existe para ir a parar a un libro, una idea que experimentó una cierta resurrección en el mundo del arte a partir de los años sesenta del siglo XX, que es precisamente el periodo artístico desde el que parte esta exposición, que puede verse ahora en Palma.

A partir de entonces, en las colecciones de los museos y en las exposiciones, pero sobre todo en la actividad de los artistas englobables en las corrientes más cercanas al arte conceptual, el libro empezó a presentarse en pie de igualdad con la obra de arte tradicional. El libro rompió los límites de su función de soporte material de un texto para “competir”, como “objeto artístico”, con las obras de arte.

Este proceso, que tiene ilustres antecedentes en los libros editados, ilustrados y diseñados por los artistas de las vanguardias históricas en los primeros compases del siglo XX, adquirió características propias durante los años 60 y 70: la concepción del libro como obra de arte modificó la forma visual de los libros, transformó algunos de ellos en documentos de acciones y performances y otros en objetos autorreferenciales o en espacios de experimentación conceptual, verbal y material. Este proceso tuvo evidentes consecuencias teóricas e institucionales: el libro de artista como obra de arte –reproducido, copiado, fotocopiado; multiplicado, en suma–, accesible a todos en cualquier lugar, se oponía, como un “múltiple democrático” (la expresión es de Johanna Drucker), a la comprensión tradicional de la obra de arte como un original único, conservado celosamente por instituciones que legitiman lo que es (o no es) arte. El libro de artista, por eso, ha acompañado especialmente el trabajo de los artistas conceptuales y el de quienes entendían al artista como un agente de cambio social.

24 artistas de los años 60 y 70

Esta exposición presenta una selección de “obras”–en su mayoría libros, por supuesto, pero también múltiples, revistas y piezas audiovisuales– de 24 artistas de los años 60 y 70 del siglo XX. Los préstamos proceden de los fondos del Archive for Small Press & Communication (ASPC) del Weserburg Museum de Bremen, el primer museo del mundo que ha dedicado una sección autónoma a los libros de artista y ha iniciado un centro de investigación especializado, con una colección de publicaciones de artista de los años 60 y 70 que representa el trabajo de cientos de artistas de más de veinticinco países, con más de 35.000 publicaciones y documentos que componen un panorama de todas las corrientes artísticas importantes desde los años 60: el Arte Conceptual, Fluxus, el Land Art, el Minimalismo
o el Pop Art.

Guy Schraenen, su creador, es el curador invitado para esta exposición. Editor, ensayista, cineasta y comisario de exposiciones, Guy Schraenen fue fundador del grupo Cela (1957-62), de la galería Kontakt (1965-78) y de la editorial Guy Schraenen éditeur (1973). A partir de 1974 estableció el Archive for Small Press & Communication en colaboración con Anne Marsily. Desde 1991 es comisario invitado del Weserburg Museum de Bremen y del Musée Royal de Mariemont (Morlanwelz, Bélgica); desde 2000, del Museo Serralves (Oporto, Portugal), el MACBA (Barcelona) y el MNCARS (Madrid).

La exposición, que estará presente durante 2010 en el Museu Fundación Juan March, de Palma, y en el Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, pretende introducir al visitante en los pormenores del encuentro entre el libro y la obra de arte contemporánea, y hacerle descubrir también la enorme variedad que presenta el libro de artista como obra de arte a lo largo de más de dos décadas

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