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domingo, 3 de agosto de 2025
lunes, 26 de mayo de 2025
EXPOSICIÓN TESOROS ILUSTRADOS. Del manuscrito iluminado a la impresión moderna
L.M.A.
27/5/25.- Madrid.- Desde el próximo martes, 27 de mayo, y hasta el domingo 1 de junio, la Fundación Carlos de Amberes acoge la exposición TESOROS ILUSTRADOS: Del manuscrito iluminado a la impresión moderna, organizada por la Sociedad de los 100 Bibliófilos y comisariada por Pedro Cátedra, Real Academia Española, y María Luisa López-Vidreiro, exdirectora de la Biblioteca Real. Más información
exposición propone un interesante recorrido a través de 36 destacadas piezas bibliófilas, desde un Salterio del Monasterio de el Paular de 1460 hasta los Sonetos del amor oscuro de Federico García Lorca ilustrado por Joaquín Capa en 2024. Entre las obras más destacadas hay una ejecutoria de hidalguía de Pizarro, Marqués de la Conquista y cuatro libros incunables incluyendo Aquí comiença el libro de los trabajos de Hércules de Enrique de Villena publicado en 1483. Otro notable incunable es la traducción al castellano De las mujeres ilustres en romance de Giovanni Boccaccio de 1494.
Desde el próximo martes, 27 de mayo, y hasta el domingo 1 de junio, la Fundación Carlos de Amberes acoge la exposición TESOROS ILUSTRADOS: Del manuscrito iluminado a la impresión moderna, organizada por la Sociedad de los 100 Bibliófilos y comisariada por Pedro Cátedra, Real Academia Española, y María Luisa López-Vidreiro, exdirectora de la Biblioteca Real. Más información AQUÍ.
La exposición propone un interesante recorrido a través de 36 destacadas piezas bibliófilas, desde un Salterio del Monasterio de el Paular de 1460 hasta los Sonetos del amor oscuro de Federico García Lorca ilustrado por Joaquín Capa en 2024. Entre las obras más destacadas hay una ejecutoria de hidalguía de Pizarro, Marqués de la Conquista y cuatro libros incunables incluyendo Aquí comiença el libro de los trabajos de Hércules de Enrique de Villena publicado en 1483. Otro notable incunable es la traducción al castellano De las mujeres ilustres en romance de Giovanni Boccaccio de 1494.
viernes, 9 de febrero de 2024
miércoles, 8 de marzo de 2023
JOSÉ LUIS FAJARDO. La Fundación Carlos de Amberes presenta su exposición tras diez años son exponer en Madrid
** Podrá visitarse en su sede del 10 al 31 de marzo de 2023
L.M.A.
08.03.2023.- Tras una década sin exponer en Madrid, José Luis Fajardo (La Laguna, 1941) presenta un amplio recorrido por su obra. El visitante podrá viajar a través de las formas abstractas que, entremezcladas con algunos elementos figurativos, como desdibujados rostros, ojos, manos o masas de anónimas caras, apelan a distintas sensaciones.
Óleos y dibujos conforman un viaje que, a menudo, evoca a uno de los grandes maestros admirados por Fajardo: Francisco de Goya y Lucientes. La obra del aragonés, y sobre todo sus deshechos fondos aprendidos de artistas como Velázquez, juegan una perfecta sintonía con la abstracción del pintor canario. A pesar de la deconstrucción de la realidad goyesca, en las obras de Fajardo aún se intuyen las figuras de sus célebres retratos, como los de la Duquesa de Alba.
José Luis Fajardo, natural de La Laguna (Tenerife), se trasladó a Madrid en 1964. Fue en la capital donde entró a formar parte del grupo Nuestro Arte, acercándose al expresionismo abstracto y a las directrices del Grupo El Paso. Tras una etapa expresionista dentro de la figuración, con figuras descuartizadas que denuncian la violencia de nuestra sociedad, su creación se centró casi exclusivamente en trabajos sobre planchas de aluminio, que cortaba y perforaba, en alusión a esa preocupación social que nunca abandonó su obra. Posteriormente, el canario retomó la figuración; y lo hizo con retratos imaginarios más serenos y abstractos.
Su obra ha sido del interés de importantes museos de arte contemporáneo, como el ARTIUM de Vitoria, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el de Arte Contemporáneo de Panamá, o la Colección Chase Manhattan Bank de Nueva York.
miércoles, 16 de diciembre de 2020
LA OBJETIVIDAD DE LA OBRA DE ARTE”, conferencia de Manolo Oyonarte,en la Fundación Amberes dentro de la Feria Artists Experience
Julia Sáez-Angulo
Fotos Peter Wall
17/12/20.- Madrid .- Manolo Oyonarte ha impartido una conferencia en la Fundación Carlos de Amberes, con motivo de la Feria Artists Experience, que tiene lugar en su sede y en la que participan entre otros, Mónica Jimeno, Héctor Delgado, Isabel de la O, Abraham Benzanzón, Mariola Naranjo, Rafael Canogar, Dunia Vera, Kike Gordillo, Juan Galindo, Noemí Carrasco, Abel Cuerda, María Otero, Juan Fernández, Belén Elorrieta, Teófilo Buendía, Roberto Duarte, Irene Cantalejo, Julio Cesar Ovejero, Elisa de la Torre...
La Feria ha publicado un catálogo con todos ellos.
Resumen de la conferencia en la que se realiza un recorrido por los aspectos del ser humano implicados en el proceso creativo: la razón, los sentimientos y las vísceras, y de los elementos de valoración del arte asociados a ellos: el juicio del gusto, el gusto y el sobrecogimiento estético, para acabar concluyendo que sólo desde el último es capaz de acceder a la obra de arte objetiva.
En la conferencia pretendo demostrar que una obra de arte auténtico es objetivamente arte, con independencia del espectador y del momento histórico o del lugar cultural en que se observe.
La objetividad de su autenticidad proviene de que se haya creado desde lo objetivo del artista, de lo común que tiene con el resto de los seres humanos y probablemente con el mundo.
De esta forma surge el objeto mágico que llamamos obra de arte, que para poder ser observado como espejo de lo común del espectador con el artista y con el mundo, exige que la contemplación de la obra se realice desde la parte objetiva de la personalidad del observador.
La parte subjetiva de un ser humano constituye su ego, compuesto de la razón, lo subjetivo, y de los sentimientos, lo más subjetivo. La razón constituye el consciente y los sentimientos se ubican en el inconsciente próximo, para Freud el lugar donde anidan todas las experiencias conscientes que el consciente no ha sido capaz de asumir.
La parte objetiva constituye el resto de la personalidad del ser humano, su parte acultural, instintiva, lo que le pone en sincronía con los ciclos naturales y, posiblemente, con los cósmicos.
La experiencia estética objetiva tiene que partir, por tanto, de lo objetivo del espectador y del creador. De los instintos, de lo visceral, de la utilización schopenhaugeriana del cuerpo como herramienta estética. Supone que ambos dejen al margen la parte subjetiva de su personalidad.
La experiencia estética objetiva-perceptiva parte del juicio estético Kantiano, que supera las formas de acercamiento al arte anteriores. El gusto, aproximación sentimental a la obra, y el juicio del gusto, forma racional de establecer una normativa del gusto, dejan de tener vigencia desde entonces.
Hasta Schopenhauer no se produce avance significativo en el modelo de experiencia estética perceptiva, considera que la obra produce una admiración tal en el espectador que le anula la parte subjetiva, el ego. En esa situación se abandona a, lo que luego llamó Adono, el sobrecogimiento estético.
Tras Schopenhauer, Heidegger y sobre todo Adorno consiguen plantear un modelo de experiencia estética perceptiva que se explica en la conferencia de una manera pictográfica. La gran aportación de Adorno, que me permitió configurar el modelo, fue considerar que en la obra de arte significativa coinciden la esencia y la apariencia del objeto.
La obra de arte significativa se configura como un objeto mágico que, para un ser humano dispuesto a abandonarse a ella, constituye la única cosa del mundo cuya apariencia es ella misma.
La conferencia concluye con la explicación del modelo de experiencia estética objetiva-creativa, que he conseguido definir a partir del modelo perceptivo anterior y de mi experiencia personal en la pintura.
Por la Feria se vieron numerosos artistas como Lika Shkhvatsabaia, Adriana Zapisek, Ana Vivas, Carmen Lastra, Inga Ivanova, la marchante Iris Reichel o el empresario y mecenas artístico Mario Saslovsky.
Más Información
www.artistsexperience.com
miércoles, 17 de noviembre de 2010
Ciria expone sus “Cabezas y Cuadrículas" en el Círculo de Bellas Artes
“Ciria, Heads/Grids”
Comisario: Donald Kuspit
Círculo de Bellas Artes. Sala Goya
c/ Alcalá, 42. Madrid
Del 11 de noviembre de 2010 al 30 de enero de 2011
Julia Sáez-Angulo
17.11.2010.- Madrid.- Pocas veces como en esta exposición se ve de modo rotundo y diáfano la tensión del artista José Manuel Ciria (Manchester,1960) entre pintura abstracta y pintura figurativa, una tensión que refleja la que lleva a cabo la propia pintura desde mediados del siglo XX a nuestros días.
“Ciria, Heads/Grids” es el título de la muestra en el CBA, lo que equivale a “CiriaCabezas/Cuadrículas”, que el artista madrileño, residente en Nueva York, presenta ahora, después de dos grandes exposiciones en la Fundación Amberes y en la Fundación FiART, también en la capital de España.
Pintor vital, intensivo, trabajador, prolífico, avasallador... la pintura de Ciria es como una furia sin fin en un mapa sin término. El gusto y el ánimo fogoso por la pintura se adivina en el modo de aplicar el color, en el gesto contenido sabiamente de vez en cuando por la geometría que ordena y articula la mano imparable del artista.
Cabezas rotundas en su delineación que se diluyen en las manchas cromáticas y en los gestos con que se aplican. El rojo, el blanco y el gris en su infinita capacidad de armonías vendrían a ser los colores base y definitorios de Ciria, pero no siempre los deja solos y es capaz de administrarles golpes de naranja y verdes en una secuencia feliz de impactos de brocha, pincel y retículas.
Un montaje cuidado y pensado
El montaje de la exposición en el CBA está ordenado y, al entrar, uno ve las manchas alternadas en cuadrículas del gran cuadro fondo, en diálogo armónico con los cuadros laterales. El célebre test de Rorschach late en esta visión y composición. El espectador ha de hacer su propio juego de interpretación ante las manchas de color que se mueven en distintas direcciones, sin perder en momento alguno la armonía del conjunto, tarea no siempre fácil más que para un maestro de la pintura como Ciria.
A la salida del fondo, uno se encuentra con un espectacular “políptico” de cabezas, ordenadas y diferentes con arreglo a las presencias cromáticas de distinto color e intensidad. Una geografía humana sobre el soporte de gran tamaño, que contrasta con las grandes manchas blanqui-grises de la otra pared, donde se encuentra el mismo Ciria pintor, con sus señas de identidad pero con distintos planteamientos.
Donald Kuspit ha hecho una buena selección para mostrar de modo inteligente a Ciria. Sabe que lo mejor enseña más que lo mucho, y lo concentrado, más que la abundancia. Una exposición modelo que debe ser tenida en cuenta.
martes, 27 de octubre de 2009
Exposición sobre "La Pax Hispanica y la Tregua de los Doce Años" en la Fundación Carlos de Amberes
Tiempo de paces 1609 - 2009
La Pax Hispánica y la Tregua de los Doce Años
Comisario. Bernardo García
La Pax Hispánica y la Tregua de los Doce Años
Comisario. Bernardo García
Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales
Fundación Carlos de Amberes. – c/ Claudio Coello, 99
28006 Madrid
Del 27 de octubre de 2009 al 31 de enero de 2010
Julia Sáez-Angulo
Parece que la Europa del XVII quiso buscar un respiro y estableció la Tregua de Doce años (1609 – 1621), entre España y los Países Bajos, entre la Monarquía de Felipe III, los archiduques y la República holandesa, que supuso un significativo paréntesis en la Guerra de Flandes (1567 – 1648).
“Había una necesidad de parar aquellos conflictos que tenían exhaustas a tropas y poblaciones. Había necesidad de llegar a acuerdos”, explica Bernardo García, comisario de la exposición que muestra una serie de cuadros y grabados, buena parte de ellos inéditos en España, como el anónimo holandés “Cucina, Opinorum (La Paz urge tolerancia a las iglesias católica, luterana y calvinista) , un significativo cuadro en el que se representa al Papa, a Lutero y a Calvino conversando, perteneciente al Rijksmuseum de Amsterdam o “La Paz se apoya en la Justicia coronada por el Amor”, alegoría de la paz de Câteau-Cambresis, del Museo Municipal de Châlons-en-Campagne y la “Alegoría de la Tregua de 1609 entre los Países Bajos del Sur y del Norte”, del Museo del Louvre en París.
La Guerra de Flandes fue muy mediática y se utilizaron grabados cultos para difundir la “maldad” del enemigo. No eran pasquines populares sino estampas conceptuales, quizás algunas de trazo grueso, como la del grabado en cuyo título figuran las palabras “cerdos españoles”, donde se observa como los holandeses censuran la sangre judía o islámica con la que se mezclaron los cristianos viejos de Castilla.
Lograr la paz pasaba por Francia e Inglaterra como garantes de la misma, pero Felipe III fue el verdadero artífice de la misma, aunque las paces siempre tienen saldos difíciles y la tregua se rompió antes de acabar los doce años, siguiendo distintos intereses por ambas partes. Hubo un cambio generacional en España y Flandes, lo que se hizo notar ostensiblemente. El retrato de Isabel Clara Eugenia, de Juan Pantoja de la Cruz, es otra joya expuesta.
Otros protagonistas de la Pax Hispánica fueron Enrique IV de Francia, Jacobo I Estuardo, los Archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia junto a los Papas Clemente VIII y Pablo V.
Destrucción del parte del patrimonio artístico holandés
Impresionante el cuadro sobre la Matanza de Amberes por las tropas españolas, que llevaban varios meses sin cobrar la soldada y arrasaron por completo el Ayuntamiento de la ciudad donde murieron varios centenares de personas. La “Alegoría De la rendición de Amberes” de Hans Vredeman de Vries, es un cuadro espléndido e sobrecogedor.
Interesantes también, en la ultima sala, pinturas como “La derrota de los españoles en Gibraltar” de Adan Willaerts; “La Tregua de los Doce Años (1609 – 1621)” o “La fecundidad o la Abundancia” de Jan Brueghell II, así como la custodia que el propio Felipe III regalara al Real Hospital de San Andrés de los Flamencos, hoy Fundación Amberes, con una soberbia pintura de Pedro Pablo Rubens, sobre el martirio de San Andrés.
Todas estas guerras de religión llevaron en Holanda a la destrucción de gran parte del patrimonio artístico, cuando la furia iconoclasta destruyó buena parte de las imágenes que se había realizado en los talleres de Gante. Hoy se encuentran fuera más que dentro pinturas y esculturas de aquella factura.
Fundación Carlos de Amberes. – c/ Claudio Coello, 99
28006 Madrid
Del 27 de octubre de 2009 al 31 de enero de 2010
Julia Sáez-Angulo
Parece que la Europa del XVII quiso buscar un respiro y estableció la Tregua de Doce años (1609 – 1621), entre España y los Países Bajos, entre la Monarquía de Felipe III, los archiduques y la República holandesa, que supuso un significativo paréntesis en la Guerra de Flandes (1567 – 1648).
“Había una necesidad de parar aquellos conflictos que tenían exhaustas a tropas y poblaciones. Había necesidad de llegar a acuerdos”, explica Bernardo García, comisario de la exposición que muestra una serie de cuadros y grabados, buena parte de ellos inéditos en España, como el anónimo holandés “Cucina, Opinorum (La Paz urge tolerancia a las iglesias católica, luterana y calvinista) , un significativo cuadro en el que se representa al Papa, a Lutero y a Calvino conversando, perteneciente al Rijksmuseum de Amsterdam o “La Paz se apoya en la Justicia coronada por el Amor”, alegoría de la paz de Câteau-Cambresis, del Museo Municipal de Châlons-en-Campagne y la “Alegoría de la Tregua de 1609 entre los Países Bajos del Sur y del Norte”, del Museo del Louvre en París.
La Guerra de Flandes fue muy mediática y se utilizaron grabados cultos para difundir la “maldad” del enemigo. No eran pasquines populares sino estampas conceptuales, quizás algunas de trazo grueso, como la del grabado en cuyo título figuran las palabras “cerdos españoles”, donde se observa como los holandeses censuran la sangre judía o islámica con la que se mezclaron los cristianos viejos de Castilla.
Lograr la paz pasaba por Francia e Inglaterra como garantes de la misma, pero Felipe III fue el verdadero artífice de la misma, aunque las paces siempre tienen saldos difíciles y la tregua se rompió antes de acabar los doce años, siguiendo distintos intereses por ambas partes. Hubo un cambio generacional en España y Flandes, lo que se hizo notar ostensiblemente. El retrato de Isabel Clara Eugenia, de Juan Pantoja de la Cruz, es otra joya expuesta.
Otros protagonistas de la Pax Hispánica fueron Enrique IV de Francia, Jacobo I Estuardo, los Archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia junto a los Papas Clemente VIII y Pablo V.
Destrucción del parte del patrimonio artístico holandés
Impresionante el cuadro sobre la Matanza de Amberes por las tropas españolas, que llevaban varios meses sin cobrar la soldada y arrasaron por completo el Ayuntamiento de la ciudad donde murieron varios centenares de personas. La “Alegoría De la rendición de Amberes” de Hans Vredeman de Vries, es un cuadro espléndido e sobrecogedor.
Interesantes también, en la ultima sala, pinturas como “La derrota de los españoles en Gibraltar” de Adan Willaerts; “La Tregua de los Doce Años (1609 – 1621)” o “La fecundidad o la Abundancia” de Jan Brueghell II, así como la custodia que el propio Felipe III regalara al Real Hospital de San Andrés de los Flamencos, hoy Fundación Amberes, con una soberbia pintura de Pedro Pablo Rubens, sobre el martirio de San Andrés.
Todas estas guerras de religión llevaron en Holanda a la destrucción de gran parte del patrimonio artístico, cuando la furia iconoclasta destruyó buena parte de las imágenes que se había realizado en los talleres de Gante. Hoy se encuentran fuera más que dentro pinturas y esculturas de aquella factura.
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