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viernes, 5 de enero de 2024

MANUEL ALCORLO y CARMEN PAGÉS, días de dibujo y libros de artista. Del grupo El Paso a la Movida Madrileña

Manuel Alcorlo y Carmen Pagés, artistas visuales

Carmen Pagés, pintora

Julia Sáez-Angulo

6/1/24 .- Madrid .- Reciben generosamente en la tarde de Reyes, en su amplio estudio, un ático de la calle Fuencarral, donde residió el escritor Benito Pérez Galdós y tuvo su cercana editorial, algo que se recuerda con un gran retrato del canario, en el portal de la casa. Manuel Alcorlo y Carmen Pagés, pintores de 88 y 82 años respectivamente en torno a una mesa camilla, donde Carmen hace leer a Manolo en voz alta, un libro de Antonio Machado, para que mejore su dicción, tras un Parkingon, que le afecta a la voz y a la movilidad de las piernas.

Carmen Pagés Valcarlos, buena conversadora, elogia el buen servicio de ayuda que tiene de los Camilos y de las cuidadoras que le envía la Comunidad de Madrid, para poder mover y atender bien al pintor, sentado en silla de ruedas.

“Manolo sigue dibujando, pero ya no tanto como antes”, me cuenta Carmen “y yo me dedico especialmente a hacer distintos libros de artista y me los va mostrando, principalmente sobre plantas, que a ella le encantan, como el de plantas mediterráneas, l cipreses o las hojas de ginkgo biloba, que algunos asocian con la longevidad, pero yo con la resistencia. Sobrevivieron a la catástrofe de Hiroshima, es un árbol mítico, que yo adoro, desde que estuvimos en Japón. Es un árbol mítico”. 

Los libros de artistas participan del dibujo, la pintura y el collage sobre tela, más bien lonetas, que se presentan a modo de acordeón. Otro de los libros de artista versa sobre retratos de distintos personajes. “A Manolo y a mí nos ha gustado siempre asistir por las tardes a exposiciones, conferencias o presentaciones de libros” y yo silueteaba a los personajes que actuaban y los he juntado a todos”.

        "Carmen tiene mucha agilidad y energía", me comenta Alcorlo en un aparte.

Carmen me muestra una amplia buena terraza llena de plantas y flores, que ella misma planta y cultiva, porque le produce un gran placer ese contacto con la naturaleza. “Esta terraza no sería nada si no contara con todo este verdor alrededor de ella”. Allí aparecen distintas variedades de plantas y verdes, y no falta un ginkgo, que se aclimató estupendamente.

Manolo Alcorlo, académico de Bellas Artes de San Fernando, nos escucha y nos mira con sus ojillos despiertos. De vez en cuando dice algunas frases cortas. “Afortunadamente está muy bien de cabeza”, comenta Carmen. “Nosotros hemos compartido siempre el estudio en casa, pero en ámbitos diferentes para no interferirnos”.

Hojeamos y ojeamos el catálogo titulado “Universo Manolo. Dibujos – Pinturas – Grabados – Libros de artista”, para la exposición que tuvo lugar en 2019, en la citada Academia de Bellas Artes. “Fue costeado por una convocatoria de crowfounding -micro-patrocinio-, que superó con creces el presupuesto del catálogo”. En sus páginas diversas fotos con Alcorlo tocando el violín, una de sus aficiones musicales que le definen.

“Como verás, la mayoría de las fotos son personales y familiares de Manolo, con su familia y sus hijos. Yo quise que así fuera, porque dan mejor idea de la persona. Hay fotos entrañables y tiernas de Manolo con su hijos y nietos, porque él es así. Prescindí de las fotos institucionales con el Rey, el presidente de Gobierno o con ministros, porque esas fotos son pasajeras y siempre me han dado cierta risa, cuando las veo publicadas en los catálogos de algunos colegas. 

“Seguramente mi reserva o rechazo a los ámbitos palaciegos y de alta burguesía ha podido perjudicar a Manolo, porque él no asistía a esas invitaciones, si no iba yo. Y sé que en estos ámbitos se logran influencias. De todos modos, nosotros hemos vivido siempre del arte, de manera holgada y sobria. Manolo ha tenido coleccionistas muy fieles. Hemos podido dar buenos estudios a nuestros dos hijos y sobre todo hacer lo que nos gustaba, que era el arte, y eso es lo más importante en la vida”. 

Del grupo El Paso, en los 60, a la Movida

Madrileña en los 90, hay artistas olvidados

La pareja de pintores cuenta con una amplia casa restaurada en el pueblo madrileño de Cadalso de los Vidrios, donde residieron varios años, para tratar de paliar el asma de su hija.

Manolo y Carmen son colegas de artistas como Eduardo Sanz, Isabel Villar, Carrilero, Zarco, Alfredo Alcaín… “Son artistas extraordinarios, un tanto olvidados, que merecen estar más arriba de lo que ya están”, comenta Carmen. “Del grupo El Paso a la Movida Madrileña, hay una generación de artistas que se merecen una valoración mayor de la que tienen. Gerardo Aparicio, por ejemplo, me parece un artista extraordinario que debiera de estar por encima de muchos que han obtenido fama. Pero este mundo del arte es muy complejo y no siempre justo”.

Carmen, buena lectora de prensa, recorta y guarda declaraciones de personas del circuito artístico que denuncian o ponen de relieve la situación del arte, en cuanto a los movimientos y manipulaciones del mercado, sin que el precio tenga nada que ver con la obra y su valor, como pone de relieve la artista argentina Liliana Porter. “Marchantes y artistas recurren a hábiles operaciones de relaciones públicas para conferir valor a la obra”, señaló el escritor Luis Racionero y Carmen lo lee en voz alta.

“Nunca antes la crítica había sido tan ninguneada. Es el triunfo del capitalismo artístico”, señaló en su día el sociólogo Gilles Lipovetsky, de la Universidad de Montpellier. “Los museos están colonizados estúpidamente por artistas son interés, que creen que son modernos. Eso no ocurre en música o literatura, donde coexisten artistas de todo tipo. Hoy el arte está en manos de funcionarios”, señaló en su día el pintor Eduardo Arroyo. Estas y otras “perlas” las va leyendo Carmen Pagés en voz alta.

Carmen Pagés preside la Asociación de Artistas Plásticos sin Fronteras, que llevan a cabo distintas actuaciones solidarias y de reconocimiento, como el gran mural que se instaló en el Hospital Gregorio Marañón, para reconocer la labor de los médicos y enfermeras durante la pandemia del covid-19. En la actualidad, cien artistas preparan sus donaciones de obra artística, para un museo de arte contemporáneo en Zamora. “Ahora, con la parada del AVE ,será más fácil acceder a Zamora”.

El estudio de los pintores rebosa de grandes cuadros de Manolo en las paredes, algunos con autorretratos del pintor, como el que tiene junto al arquitecto Juan López Jaén, o los de sus hijos siendo niños o jóvenes. “Este estudio goza de una gran luz por el día y eso estimula el trabajo”.

Manuel Alcorlo, académico y pintor
"Madrid", desde la terraza del estudio, por Manolo Alcorlo
pintura de Alcorlo
Manuel Alcorlo y Juan López Jaén


jueves, 13 de abril de 2023

ISABEL BAQUEDANO: "El color del ensueño", exposición en Guillermo de Osma

 

Pintura de Isabel Baquedano



A partir del 17 de mayo

Lugar: Galería Guillermo de Osma (Calle Claudio Coello, 4 1.º izq.)
Horarios: Lunes - Viernes. 10-14h / 16:30 - 20:30h


L.M.A.

    13.04.2023.- Madrid.- La Galería Guillermo de Osma presenta, en colaboración con la bilbaína Carreras Múgica, una exposición dedicada a la obra de Isabel Baquedano (Mendavia, Navarra, 1929 - Madrid, 2018), que se inaugura en Madrid el 17 de mayo y se podrá visitar hasta el 23 de junio de 2023. Artista secreta con una fuerte y original personalidad como pintora y como persona, su obra se caracteriza por una figuración más libre y poética, donde la materialidad de la pintura es la protagonista. 

Muy considerada por Antonio López, que repetidamente ha alabado su obra: “Tenía un talento para la pintura como el que más, pero también es muy singular, sólo hay una Isabel Baquedano en el mundo”. En concreto, Baquedano pertenece a la generación de pintores, como el mencionado Antonio López, Isabel Quintanilla o Alfredo Alcaín, que se formaron en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid en un momento donde la abstracción dominaba el panorama artístico, y se adentraron por los caminos de la figuración y el realismo. En ocasiones, practicando un realismo intimista, otras de contenido social y en otras atentos al arte pop de los años 60.

Su obra se inspira en los grandes maestros de la pintura. Como dice Antonio López: “otra cosa que me gusta mucho es que bebe mucho del arte antiguo, pero no se nota”. Se enfoca en la representación veraz del modelo, como los pequeños bodegones tomados del natural, con gran viveza de color y realizados en dos o tres sesiones, como si las escenas y los frutos hubieran sido fijados en el instante previo a su declive. Los dibujos manifiestan igualmente un buen dominio de la representación. Baquedano utiliza el grafito para conocer de antemano la forma de las figuras, que luego sintetizará en el lienzo con precisión, para que el color asuma el resto de la tarea.

El proyecto se divide en varios grupos temáticos, empezando por obras cercanas al pop, camareros y malabaristas, bodegones y cuadros religiosos. Estos últimos mantienen los caracteres formales de los malabaristas y toman una vía claramente simbolista. Cada uno de ellos trata un asunto específico dirigido a presentar el mensaje cristiano como si se tratara de un acontecimiento presente.

El Museo de Bellas de Artes de Bilbao organizó una gran antológica en 2019, que tuvo una gran acogida, y más tarde viajó al Museo Universidad de Navarra. En nuestra exposición se presentarán más de cuarenta obras, entre cuadros y dibujos, y se publicará un catálogo con un ensayo del artista y crítico Ángel Bados y una semblanza de Antonio López.

martes, 17 de enero de 2023

ALFREDO ALCAIN: "OBRA PICTÓRICA RECIENTE: 2018-2022" EN LA GALERÍA TIEMPOS MODERNOS

Pintura de Alcaín



L.M.A.

        17.01.2023.- Madrid.- Tiempos Modernos inaugura nueva exposición de Alfredo Alcain,  mañana 18 de enero. Tras sus exposiciones históricas, con obras de sus cincuenta años de carrera, Alcain inaugura “Obra reciente”, una muestra que presenta una selección de sus últimos trabajos, desde 2018 a 2022.

 La exposición se inaugurará mañana miércoles 18 de enero de 2023, a partir de las 18 horas. Contaremos con la presencia del artista.

 A sus 86 años, Alfredo Alcain está más activo que nunca. Cuando se cumplen setenta años de su entrada en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, Alcain sigue siendo un pintor joven. Sus obras, llenas de alegría, vitalidad, ingenio y profundidad nos dicen que, un año más, Alfredo Alcain está en su mejor momento.

 Empezó a desarrollar su carrera artística a partir de los años 60, como uno de los mayores exponentes del Pop Art español junto con Luis Gordillo o Equipo Crónica. Su pintura, no obstante, se desvincula de esa herencia Pop y adquiere un estilo propio y muy marcado, con todo su carácter. A la manera de Alcain.

 Nacido en Madrid, en el verano de 1936, Alfredo Alcain es pintor, grabador y escultor. En los años 60 y 70 fue uno de los exponentes más destacados del Pop Art español, que reaccionó contra el informalismo del Grupo El Paso. Su pintura ha oscilado entre el pop y el realismo crítico, y su continuada labor como creador le ha llevado desde la pintura a la escultura, a los collages, a las composiciones con objetos encontrados y a los grabados.

 “Alcain ha convertido el azul en un objeto”. La frase es de hace décadas, pero el gran crítico español podría haberla escrito para la nueva exposición de nuestro artista. Una muestra llena de geometría y color, de tintas planas y objetos que flotan en el espacio, llenando cada obra de alegría y vitalidad. Azul, negro, blanco, rojo… los espacios de Alfredo Alcain están llenos de objetos que flotan con ingravidez, creando constelaciones llenas de formas y colores.

 Artista inquieto y prolífico, Alcain no suele repetirse. Sus casi 90 exposiciones están llenas de sorpresas. "A lo largo de 60 años que he cumplido como pintor, se producen muchos cambios, que nunca han sido cambios bruscos; pero, lógicamente, la forma de pintar se va cambiando y hay muchas fases a lo largo de esa trayectoria", afirma. Nuestro artista -sin duda el más importante representante del pop español, como le calificó Valeriano Bozal- ha creado un mundo propio, que imprime su estilo y personalidad a todas las obras.

Premio Nacional de Artes Plásticas 2003, Alfredo Alcain está representado en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Bellas Artes de Bilbao, Artium de Vitoria, Museo Bellas Artes de Ciudad Real, Círculo de Bellas Artes de Madrid, Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, Museo de Arte Contemporáneo de Villafamés, Museo Municipal de Valdepeñas, Biblioteca Nacional, y las colecciones BBVA, Campsa, Fundación Coca Cola, Fundación Antonio Pérez de Cuenca y Fundación Pablo Ruiz Picasso de Málaga, entre otros. En el verano de 2022, el museo Marco de Vigo le dedicó una gran retrospectiva.

Más información

https://lamiradaactual.blogspot.com/search?q=Alca%C3%ADn

sábado, 19 de febrero de 2022

Gema Guaylupo y Pablo Lanzas abren una galería de arte con el nombre de Espacio 75 en Madrid

Espacio 75. Madrid



Julia Sáez-Angulo

19/2/22.- Madrid.- Gema Guaylupo Villa y Pablo Lanzas abren una galería de arte con el nombre de Espacio 75 en el barrio de La Guindalera  de Madrid, perteneciente al distrito de Buenavista. Un proyecto conjunto y dinámico que contempla apoyar el arte y a los artistas que ellos conocen e irán descubriendo, siempre desde una mirada joven, entusiasta y ética, que cuente con el apoyo a las personas. La galería se abrió el 15 de enero en la calle Pilar de Zaragoza, 75.

Pablo Lanzas es el director de la galería, músico y buen conocedor del grabado, Gema Guaylupo, pintora y profesora de arte, cuentan además con el consejo y asesoramiento de  Said Messari, un artista marroquí que lleve cuarenta años en España y disfruta de un buen reconocimiento internacional. "Vive cerca de la galería y nuestro proyecto le entusiasmó", cuenta Pablo.

Todo vino a partir de dos proyectos artísticos on line que se desarrollaron principalmente durante el confinamiento y la pandemia: Retratos por la cuarentena y Retrarresto domiciliario. “Fue una manera de animar a los artistas y de dinamizar su trabajo. Se consiguió hacer más de dos mil quinientos retratos”, explica Pablo con satisfacción “Muchos buscaban la imagen de sus parientes fallecidos, otros de los médicos o enfermeras… Se colgaban en la red y eran muy animantes”. Retrarresto domiciliario amplió el campo del dibujo.

A través de estos proyectos conocieron a excelentes artistas. "Uno de los artistas, de los 11 proyectos que presentamos para el 2022, lo conocemos a través de retratos para la cuarentena. El resto son todo artistas que seguimos desde hace años y decidimos seleccionarlos por sus trabajos. Hemos visitados sus talleres y nos han ido  presentando sus propuestas en persona desde hace ya mucho tiempo. De hecho aunque la galería  lleve  abierta tan solo un mes, llevamos ya con este proyecto casi un año antes", explica Gema.

Ambos galeristas quieren hacer también un proyecto abierto al barrio de la Guindalera, porque en él residen varios artistas que ellos conocen y con quienes se relacionan: Alfredo Alcaín, Matías Quetglas, Said Mesari, entre otros. “Hemos colaborado igualmente con las librerías de la zona como La Felipa o Polifemo o el Espacio Bop de arquitectos. Somos también lugar de conferencias como la recientemente impartida por Javier Molina Jordá, sobre “NFT y Metaverso”. Estamos abiertos al videoarte o proyectos como los de Urban Scketcher o el apasionante proyecto de investigación sobre la prologanción de arte mudéjar a nuestros días, que lleva a cabo Samir Messari…

Actualmente expone en Espacio 75, Mónica Pascual, artista palentina afincada en Madrid, escultora monumental y ahora pintora, dibujante y con escultura de mediano formato. El magisterio de Pompó o de Miró late detrás de su obra. Ha estado diez años sin comparecencia artística, pero pasada la época de difícil conciliación familiar, vuelve con una obra alegre, luminosa, informalista, con grafismos y palabras… El título de la muestra es "cAlma", con el doble juego de calma y alma. “Lo suyo fue un parón físico, que no intelectual”, explica Gema Gaylupo. “La magia existía, era yo”, dice uno de sus grafismos dentro de la pintura. Mónica Pascual juega con las letras.

Gema Guaylupo me muestra un gran paisaje en blanco y negro, con suaves toques de color que acaba de venderlo a un buen coleccionista. “Me gustará verlo colgado al lado de nombres ilustres”, dice. Energías para dirigir el proyecto y pintar no les faltan a Pablo Lanzas y Gema Guylupo.

Más información

www.espacio75.com

https://www.youtube.com/watch?v=kUsvM1R4nBg&ab_channel=La8Palencia

Mónica Pascual ante su cuadro

Said Messari y Mónica Pascual

Gema Gaylupo y Julia Sáez Angulo



miércoles, 22 de septiembre de 2021

Exposiciones de Morandi y Judith Joy Ross en la Fundación Mapfre de Madrid

Resonancia infinita hace un recorrido retrospectivo por la obra de Giorgio Morandi, uno de los artistas más significativos e inclasificables en la historia del arte del siglo XX.

La muestra de Judith Joy Ross explora el archivo fotográfico que la artista ha ido desarrollando durante los últimos cuarenta años.

Pueden visitarse hasta el 9 de enero de 2022 en la Sala Recoletos, Madrid.

Pintura de Morandi


L.M.A.

        22.09.2021.- Madrid.- Fundación MAPFRE ha presentado hoy, 22 septiembre, en Madrid, dos nuevas exposiciones: Morandi. Resonancia infinita y Judith Joy Ross, que podrán visitarse desde el 24 de septiembre hasta el 9 de enero en la sala Recoletos, ubicadas en el Paseo de Recoletos, 23, en Madrid.

MORANDI. RESONANCIA INFINITA

Giorgio Morandi (Bolonia, 1890-1964), es uno de los artistas más significativos e inclasificables en la historia del arte del siglo XX.

Apenas viajó fuera de Italia y permaneció casi toda su vida en su casa-taller de la Via Fondazza en Bolonia. Allí abordó un trabajo en el que los objetos cotidianos, las flores y el paisaje se convirtieron en protagonistas.

En sus lienzos trata de captar la realidad de la manera más fiel posible a través de su personal poética, silenciosa y suspendida, que construye por medio de la luz, el color y los valores volumétricos. En este camino trabaja en obras en las que parece no haber nada más que lo que la pintura muestra: formas básicas y puras, lo que confiere una fuerte sensación de irrealidad a sus composiciones.

La exposición realiza un amplio recorrido por la producción morandiana a través de siete secciones en las que se abordan todos los temas queridos por el artista, fundamentalmente naturalezas muertas, paisajes y jarrones con flores. Al inicio del discurso que desgrana la muestra destacan Autorretrato (1925) y Bañistas (1915), dos de los escasos ejemplos de la representación de la figura humana en su producción.

A lo largo de los años Morandi ha sido reconocido internacionalmente como una de las figuras clave en el desarrollo del arte contemporáneo. Por este motivo, en el itinerario de la exposición se ha incluido una selección de obras de artistas contemporáneos que, desde distintos medios (fotografía, pintura, escultura y cerámica principalmente), han sabido establecer un diálogo con el lenguaje del pintor italiano. Entre ellos destacan Tony Cragg, Tacita Dean, Joel Meyerowitz, Luigi Ontani, Rachel Whiteread, Edmund de Waal, Alfredo Alcaín, Dis Berlín o Gerardo Rueda, por citar solo a algunos.

Exposición organizada por Fundación MAPFRE y Fundació Catalunya La Pedrera.

Comisariado: Daniella Ferrari, Beatrice Avanzi y Alessia Massi


JUDITH JOY ROSS



La muestra de Judith Joy Ross explora el archivo fotográfico que la artista ha desarrollado durante los últimos cuarenta años centrado exclusivamente en el retrato.

En 1966 Judith Joy Ross comenzó a fotografiar personas en su ciudad como modo de entender el mundo emocional de aquellos que la rodeaban. A partir de 1976, tras distintos viajes a Europa, Ross adquiere una cámara de 8 x 10 pulgadas con el fin de retratar a “gente corriente” en lugares públicos.

Influida por Lewis Hine, August Sander y Diane Arbus, se ha convertido en una de las artistas más influyentes en el género del retrato y ha demostrado que es capaz de capturar el presente, el pasado y el futuro de los individuos que se topan con su cámara.

Trabaja en base a un cierto impulso personal hacia la gente que conoce, sensación que luego queda reflejada en sus obras, pues en su mayor parte emanan una transparencia que tiene que ver con la relación que previamente se ha establecido entre artista y modelo.

Sus retratos suelen enmarcarse en el contexto de un tema previamente escogido: Eurana Park, los visitantes del Monumento a la Guerra de Vietnam, los miembros del congreso durante el escándalo Irán-Contra (Irangate), los niños de las escuelas de Hazleton y lugares concretos como Easton, en Pensilvania, donde nació, se crio y donde aún hoy vive.

El recorrido, compuesto por 200 fotografías y distinto material documental, se desarrolla a través de nueve secciones que, en sentido cronológico, muestran un amplio panorama de los principales proyectos de la artista. También incluye un número considerable de imágenes hasta ahora desconocidas y realizadas sin ningún proyecto concreto en mente. Todas las obras proceden de la propia Judith Joy Ross, que las ha prestado de forma altruista para esta ocasión.

Comisariado: Joshua Chuang

viernes, 29 de enero de 2021

Gran Mural de artistas visuales pro Trabajadores de la Sanidad en la galería Ra del Rey de Madrid

Antonio Támara, encargado de la galería Ra del Rey con la artista visual Adriana Zapisek



    L.M.A.

           29/1/21.- Madrid.- Después de aplaudirles a diario, los artistas plásticos han querido agradecer a todos los trabajadores de la sanidad su entrega total, profesionalidad y valentía  para salvarnos durante esta pandemia que padecemos. 

    Cada artista ha donado una obra de 50 x 50 cm.para construir con ellas un gran mural que perpetúe en el tiempo su valiente labor. La participación de más de 100 creadores, aunque esta exposición en la galería Ra del Rey sólo es una pequeña muestra.

    Entre los artistas presentes en el mural: Tomás García Asensio, Carlota Cuesta, Alcaín, Charo Rincón, Oscar Estruga, Paz Santos, Jorge Arranz, Manuel Alcorlo, María Jesús Aragoneses, Jesusa Quirós, Ramiro Tapia, Carmen Pallarés, Adriana Zapisek, Francisco López Soldado, Carmela Saro; Anxeles Penas; Elena Martín; María Guerra; Juan Bordes; Ángel Aragonés; Carmen Pagés; Antonio Santos; Emilio Zaldivar, Paz Muro,  Pablo Sycet, Concha Hermosilla, David Lechuga, Concha Gay, Jorge Arranz, Abel Cuerda, Concha Hermosilla, Arnulfo Muñoz, Manuela Picó, Ricardo Goñi, Monique Le Roux, Julio Ovejero,  Rosa Gallego, Lucrecio Oteiza, Consuelo Ortiz, Antonio Alvarado...

*****

Asociación                                                           Galería Ra del Rey.                           

Artistas Plásticos Sin Fronteras.                      Espacio para las Artes.

 Horario de la galería.

Martes, miércoles, jueves y viernes de 18:00 a 21:00 horas y sábados de 12:00 a 14:00 horas.

Mañanas previa cita. Teléfono: 667446559

Del miércoles 27 de enero al sábado 6 de Febrero.





Titulo MASCOVID II (2021)
Autora: Adriana Zapisek
Tecn  MIXTA  s/lienzo
Med   50 x 50 cm
Obra de Carlota Cuesta
Obra de Charo Rincón

Cuadro de José Luis Simón
Adriana Zapisek ante su cuadro




miércoles, 13 de marzo de 2019

Juan Manuel Bonet: Conferencia sobre “Figuraciones, la otra Historia del siglo XX”


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 Juan Manuel Bonet



Julia Sáez-Angulo

            13/3/19 .- MADRID .- El crítico de arte Juan Manuel Bonet ha impartido la conferencia Figuraciones, la otra Historia del siglo XX, dentro del ciclo “Como acercarse al Arte Contemporáneo”, organizado por la Asociación Española de Críticos de Arte, AECA, que ha tenido lugar en el Centro Cultural Moncloa. El ponente ,que fue presentado por Tomás Paredes, presidente de AECA/Spain, quiso hacer una especie de “museo imaginario, siempre más fácil que el adquirirla.

            En contra de lo que afirman algunos críticos de arte o manifiestan los museos, la figuración en la pintura es un campo fértil tanto en el siglo XX como en el XXI, vino a afirmar Bonet en su exposición, en la que hizo un largo recorrido por la pintura figurativa de Europa y América. Destacó de modo especial la figuración metafísica, poética o enigmática, que ha dejado grandes obras en la pintura.

            Bonet fue recorriendo los nombres de pintores figurativos que han dejado enigmas luminosos en la pintura, desde los simbolistas y los nabis en Francia, como Bonnard, Vuillard, Mauris Denis o Felix Vallonton a los pintores españoles como Romero de Torres, sobre todo en ciertos cuadros y los actuales como Dis Berlin, Galano, Damián Flores y otros. Señaló que las galerías Siboney en Santander y Utopia Parkway en Madrid, acogen en general este tipo de obras figurativas.

            El conferenciante citó a Solana, Sunyer, Vázquez Díaz y Rafael Botí entre los figurativos españoles relevantes, a los que añadió Ucelay, Lugrís, Oramas, Luis Fernández, Ramón Gaya, Ortega Muñoz, Cristino de Vera, Zabaleta, Valls, Caneja o Luis Castellanos.

            En la amplia relación de nombres, el ponente mencionó a los más recientes de Alcaín, Soto Mesa, J.J. Aquerreta, Mezquita, Mateo Charris, Gonzalo Sicre, Pelayo Ortega, Carmen Laffon, Ponce de León, Sara Quintero...

            Bonet se detuvo especialmente en el movimiento italiano del novecento y la revista Valori Plasticci, donde “la vuelta al orden y al oficio” fue una rica manifestación de la pintura. Todos ellos han dejado en algunos de sus cuadros “enigmas luminosos” y supieron encontrar el misterio en la vida cotidiana"

            También elogió la figuración belga con nombres que van desde Magritte a Delvaux... Los nombres de pintores figurativos de interés fueron muchos los citados, entre ellos a Hopper –entre  los americanos- , Balthus o Zoran Music.

            La figuración de interés sigue existiendo y no es solo una corriente del pasado. Hay todavía muchos nombres que descubrir y, sobre todo, que exponer para conocer mejor su obra, concluyó Juan Manuel Bonet.
            En el coloquio se añadieron los nombres femeninos de la norteamericana Georgia O´Keef y la española Ángeles Santos.



           

viernes, 11 de enero de 2019

Alfredo Alcain. Autorretratos, 1954-2018. 17 de enero - 9 de febrero de 2019


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Alfredo Alcain. Pinturas, 2016-2018. 14 de febrero - 16 de marzo de 2019

 Alfredo Alcaín




L.M.A.

11.01.18 .- MADRID .- Alfredo Alcain, nacido en Madrid, en 1936, siempre ha partido en su pintura de objetos sencillos y modestos, de temas ésos que están ahí a mano, a la vista de todos. También su temática es así, nada rebuscada ni grandilocuente: las cosas que le rodean, los géneros tradicionales de la pintura, los artistas que le han interesado. Quizás por eso, recordemos, varios cuadros incluidos en su anterior y primera exposición en Fernández-Braso en 2014 se titulaban Cositas de la vida, Recordando a Paul Klee... Quizá, también, porque más que el motivo o el tema a Alcain siempre le interesó la forma de pintar, la propia pintura. "En mi caso    - escribe en el breve texto del catálogo- , podría asegurar que desde mediados de los sesenta no he cambiado mi forma de pintar... Yo no me creo mucho, o no me creo nada, a los que a lo largo de su trayectoria cambian mucho su forma de pintar".

Alfredo Alcain, en 1954, a los dieciocho años y estudiando en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, dibuja el primero de los veintisiete autorretratos que el artista va a realizar a lo largo de su dilatada trayectoria, incluido el último pintado en 2018, presente también en la primera de las dos exposiciones que la galería Fernández-Braso dedicará de forma consecutiva al artista en estos primeros meses de 2019.

El escritor, poeta y ensayista Ignacio Gómez de Liaño recorre, en el texto de presentación del catálogo, la vida artística de Alcain y su "singular galería pictórica". "Pocos artistas han desarrollado de forma tan continuada una labor de auto-reflexión comparable. Diríase que el pintor ha necesitado retratarse para estar seguro de ser, de ser el que es, y eso a cada momento. Más aún, tan radicalmente pictórica es la personalidad de Alfredo Alcain que ha necesitado verse-retratarse para reconocerse hasta el día de hoy, y, de paso, para mostrarnos en la forma como se ha retratado la evolución de su intenso y variado estilo artístico". Porque recorriendo cronológicamente esta galería de autorretratos asistimos a la evolución y a los cambios no sólo físicos del artista, también a los diferentes episodios estilísticos que se han ido sucediendo a lo largo de la segunda mitad del siglo XX en España, de los más tradicionales academicismo, naturalismo,


realismo, simbolismo, surrealismo, expresionismo... hasta otros más experimentales y objetuales. El paso del tiempo y el estilo aplicado va transformando la apariencia y la actitud del artista ante su propia imagen. La seriedad y severidad de las primeras obras va naturalizándose a medida que surge un elemento que va a resultar primordial a lo largo de su trayectoria: el humor, latente en la mayoría de sus obras. La ironía y el juego mediante la cual presenta, altera, deforma y deconstruye su retrato. La ironía en la selección de objetos o símbolos utilizados, en los temas que representa y en los diferentes papeles que interpreta. Esos elementos son los que aportan singularidad y originalidad a sus obras, "de forma que lo vanguardista se da la mano con lo castizo, como escribe Gómez de Liaño, y cuyo " resultado es una imagen imprevista por su doble carácter de popular y culta".  

Después de la exposición dedicada a los autorretratos realizados entre 1954 y 2018, presentaremos una selección de la obra reciente del artista, un paso más en la realización de un lenguaje tan reconocible como coherente, configurado a base de líneas, dibujo, color, geometría y sobre todo, fantasía, juego e ingenio.

Alcain estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando entre 1953 y 1958; realizó estudios de Grabado y Litografía en la Escuela Nacional de Artes Gráficas entre 1957 y 1963, y de Decoración Cinematográfica en la Escuela Nacional de Cinematografía entre 1961 y 1964. Todos ellos en Madrid, ciudad donde expuso por primera vez en 1962. Desde ese año, ha expuesto de forma ininterrumpida en la mayoría de galerías y centros de arte de España. En 2003, recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas, y en 2010 el Premio Tomás Francisco Prieto –Casa de la Moneda, Madrid—. La primera vez que colaboró con la familia Fernández-Braso fue en 1971, en la exposición inaugural de la galería-librería Rayuela, en la calle Tutor de Madrid. Fue una exposición colectiva titulada "Una proposición realista", en la que participaron además los artistas Alberto Corazón, Gordillo y Orcajo.

La inauguración de Autorretratos, 1954-2018, contará con la presencia del artista y se inaugurará el jueves, 17 de enero, y se clausurará el 9 de febrero.

La inauguración de Pinturas, 2016-2018, contará con la presencia del artista y se inaugurará el jueves, 14 de febrero, y se clausurará el 16 de marzo.