martes, 16 de marzo de 2010

Dolores Tomás, coleccionista del Arte Ruso del siblo XX, expone sus obras en Barcelona


Dolores Tomás en una exposición de su colección


Julia Sáez-Angulo

Dolores Tomás es una coleccionista española que ha articulado su colección en torno al arte ruso, sobre todo pintura, del siglo XX, toda ella adquirida por las distintas escuelas de Bellas Artes de aquel país, durante más de veinte años. La coleccionista lleva a cabo distintas exposiciones por diversas ciudades, estableciendo diversos conjuntos de piezas de la colección. En el último trimestre del año 2010 lo hará en Barcelona.

-¿Qué es el arte para usted?- El aire en el que he respirado desde que nací. Para mí algo necesario y el amor a él, la mejor herencia que he recibido.

-¿Por qué decidió hacerse coleccionista?
-Fueron las circunstancias de un momento histórico irrepetible y las posibilidades que se me presentaron las que me llevaron a la obligación ética de reunir, conservar y difundir una obra escondida, que relataba la autentica vida de un pueblo , y que parecía destinada a su desaparición.

-¿Cuáles son los fondos de su colección?
-Hacia las 4.500 obras.

-¿Qué va a exponer en Barcelona?
-130 obras pictóricas, 20 de ellas inéditas y parte de la Colección de iconos, huevos pintados y cajas lacadas.


-¿Qué actividades acompañan a la exposición?- Conciertos, conferencias, prácticas universitarias de Museografía y Gestión Cultural, Talleres infantiles, Visitas especiales para minusválidos, etc

-¿Qué museo ruso recomienda?- En Moscú la Galería Tretiakov (únicamente pintura rusa) y el Museo Pushkin. En San Petersburgo El Hermitage y su Museo Ruso

-¿Qué cuadro le ha fascinado más?-Fascinado, en general la obra de Repin. Impactado: “Iván el terrible con su hijo muerto”.

-¿Qué artista ruso le conmueve?
- Sedov, Repin, Surikov....


-¿Qué aporta como singularidad el arte ruso?-La carga emocional

-¿Qué conoce el publico español del arte ruso?
- Muy poco, desgraciadamente. Lo convencional, no lo mejor. Lo que quedó fuera de su frontera después de la Revolución. Hay un paréntesis desconocido de varias décadas. Afortunadamente su literatura y su música fueron capaces de volar.

-¿Qué destino le gustaría que tuviera su colección?-Un centro en el que se pueda visitar y conservar. Un Centro "vivo" donde tenga cabida y encuentro con otras culturas la literatura, la danza, la música y la ciencia. Este proyecto existe sobre papel, y con acuerdos ya hechos en todos estos campos
.

Idridro Blasco, Exposición retrospectiva del escultor bajo el título "Aquí Huidizo"

"

Aquí huidizo"
Isidro Blasco
Comisario: José Manuel Costa
Sala Alcalá, 31. Madrid
Del 16 de marzo al 16 de mayo de 2010


L.M.A.


La Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid exhibe desde

mañana Aquí Huidizo, la obra de Isidro Blasco, artista madrileño afincado

en Nueva York considerado uno de los principales representantes de la

escultura contemporánea. La muestra, que podrá visitarse hasta el día 16

de mayo, fue presentada hoy por la directora general de Archivos, Museos

y Bibliotecas, Isabel Rosell, que estuvo acompañada por el propio artista,

el comisario de la muestra, José Manuel Costa, y el asesor de Cultura de

la Diputación de Huesca, Juan José Javierre.


Isidro Blasco (Madrid, 1962) constituye uno de los mejores

exponentes de una nueva manera de concebir lo escultórico. El artista,

afincado desde hace años en el barrio de Queens, en Nueva York,

combina arquitectura, fotografía y escultura para mostrar su reflexión

sobre nuestra forma de mirar y contextualizar los lugares, muchas veces

determinada por la manera en la que vemos las cosas a través de la

pantalla del ordenador o del televisor. La obra de Blasco ha visitado

ciudades de todo el mundo, como Sydney, Shangay, Viena, Londres o

Atlanta.


En palabras del comisario de la exposición y presidente del Consejo

de Críticos de Artes Visuales, José Manuel Costa, la exposición que ahora

llega a la Sala Alcalá 31, “consiste en un conjunto de 46 piezas

escultóricas de madera, fotografía, cartón, material de ferretería, vídeo,

etc., exentas y de pared, realizadas entre los años 1999 y 2010, que

pretende tener al mismo tiempo, un carácter retrospectivo y actual

mostrando trabajos de todas sus épocas. El trabajo de Blasco es

básicamente una referencia al espacio que nos rodea, el vacío como algo

espiritual y fundamental”.


La exposición en su espacio: Sala Alcalá 31 de la Comunidad

A lo largo de los años, y además de sus trabajos de tamaño medio o de

pared, Isidro Blasco ha realizado obras de gran formato e incorporado la

utilización del vídeo. When I Woke Up es uno de sus trabajos primerizos y

muy significativo, cuya monumentalidad queda relativizada por lo austero

de los materiales, esto es así hasta el punto de que la obra original había

sido casi destruida, de forma que para esta ocasión el autor ha decidido

rehacerla, no de manera mimética, sino conduciendo los impulsos que le

dieron origen a través de los nuevos prismas que ha adquirido con el paso

del tiempo. Desde el principio existía una intención clara de situar When I

Woke Up
en el primer espacio central, abriendo la exposición.


En el eje central se sitúa también Thinking About That Place (2004),

otra obra emblemática porque significó la entrada del vídeo en la obra de

Blasco, y tiene no sólo la importancia de su ambición, sino la de marcar de

manera muy icónica el despertar de Isidro Blasco en Nueva York.

Formando parte de la espina central de la sala, pero también

separada, se podrá ver un proyecto videográfico titulado Elusive Here

(Aquí Huidizo), creado ex profeso para esta exposición. Basado en unos

textos que el artista escribió en los años 90, el vídeo narra de forma

onírica experiencias sensoriales y fundamentalmente ópticas. En él hay

algo de casero, de íntimo y, al tiempo, mágico.


Otra producción realizada específicamente para la ocasión la

constituye la instalación “Site Specific” When The Time Comes (Cuando

llega la hora).


Relación de la escultura con la arquitectura y la fotografía


Desde sus inicios, es característica en los trabajos de Isidro la visión

fragmentada de sus obras y su relación con la arquitectura. Esto se refleja

en los dos trayectos de esta exposición: Fuera, mediante recorridos,

visiones casi cubistas de calles en Nueva York o Shanghai, y Dentro,

donde se plasman los interiores, los lugares que habitamos y a los que

aplicamos también el recuerdo de lo contemplado.

Otras piezas singulares son reflejos de otros momentos

significativos tanto en la vida como en el trabajo del artista: su viaje,

encuentro y permanencia en Nueva York o el descubrimiento de un

dinamismo diferente que transmite una ciudad como Shanghai. Una

interpretación muy parcial pero muy simbólica de Shanghai At Last (2008)

es que sus piezas se abren como abanicos (orientales) de posibilidades.

Finalmente, en la planta primera de la sala, Aquí huidizo muestra un

video sobre Arcadio Blasco, artista alicantino y padre de Isidro, sin cuya

influencia, quizá no se habría dedicado a la escultura.

En conjunto esta exposición se presenta como una macro

instalación en la que diversas piezas (cuadros, esculturas, fotografías,

etc.) nacidas en diferentes momentos y espacios, se reúnen tratando, no

solo de mostrarse a sí mismas, sino de mostrar nuestro mundo. Un mundo

en el cual, sin mucho esfuerzo, podemos imaginar nuestra propia mirada.

Como complemento, un catálogo español-inglés con textos de

Blasco, Costa, y de Mariano Navarro y Milena Z. Fisher mostrará la obra

expuesta, que viajará a la ciudad de Huesca en diciembre de 2010 fruto de

la colaboración entre el Gobierno regional y la Diputación Provincial de

Huesca.


La exposición Aquí huidizo estará abierta al público de martes a

sábado, de 11.00 a 20.30, domingos y festivos de 11:00 a 14:00. Los

lunes, el día 2 de abril y el 1 de mayo permanecerá cerrada. Asimismo, se

realizan visitas guiadas gratuitas los miércoles a las 12:00, los sábados a

las 12:00, 13:00, 18:00 y 19:00, y los domingos a las 12:00 y 13:00

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Antiguos dioses en color, una experiencia novedosa

Museo Arqueológico de la CAM
Alcalá de Henares. Madrid
Plaza de las Bernardo
Hasta el 18 de abril de 2010


Dolores Gallardo López


Quedan pocos días para poder contemplar algunas estatuas del mundo antiguo de una manera similar a como las veían sus contemporáneos.

La mayoría de la gente cree que las estatuas, frontones de templos y similares originariamente eran sin color, como actualmente vemos los restos que de ellos nos quedan.

La distorsión que representa esta creencia es semejante a la que se produciría si pensáramos en nuestros los hermosos desfiles procesionales de pasos de Semana Santa, que ya se acerca, o en las imágenes que vemos en nuestra Iglesias en el color de la materia prima con la que se realizan. Evidentemente la impresión que tendríamos sería muy diferente a la realidad. Lo mismo ocurre con la estatuaria grecorromana.Al fin y al cabo la imaginería actual deriva –como tantas cosas de nuestro mundo actual- de la tradición anterior.

Sólo los expertos en el mundo clásico conocían que las imágenes tenían colores, además fuertes. Esta exposición, que acaba el 18 de abril, ha popularizado este dato.

Gracias a estas trazas de color ha sido posible estudiar como sería el total de cada obra y reconstruir el color original con muchísima aproximación.

El grueso de la estatuaria que nos ha llegado esta realizada en mármol, que en el transcurso del tiempo perdieron los colores originarios con los que fueron terminadas. Las esculturas en bronce prácticamente se perdieron, por el reciclado de la materia original; a las realizadas con otros materiales– madera, marfil, metales preciosos- por diversas razones sucedió lo mismo.

El Renacimiento, el Barroco y el Neoclasicismo miraron con delectación esa estatuaria en blanco como muestra perfecta de un clasicismo idealizado. Pero, como la realidad es tozuda, algunas estatuas recién desenterradas presentaban restos de policromía.

Estatuas en color

Algunos científicos prestaron atención al tema e hicieron ver que la estatuaria en blanco era una simple ilusión. Nuevos descubrimientos durante el siglo XIX llamaron definitivamente la atención sobre este tema, entre ellos el de las esculturas arcaicas de la acrópolis de Atenas.

Los estudios realizados modernamente con luz ultravioleta, la medición y valoración de los pigmentos en la epidermis del mármol y en general la aplicación de los métodos de las actuales tecnologías han acabado por evidenciar lo que ya se sabía en realidad hacía tiempo: las esculturas griegas y romanas estaban acabadas en colores, como ocurre con las imágenes de nuestras iglesias.

Esa misma tecnología moderna permite hoy día reproducir el aspecto originario de las estatuas.

Es lo que presenta las 40 reproducciones de famosas esculturas y relieves clásicos de esta exposición. Muestran la policromía que debieron tener hace siglos, cuando estaban recién acabadas.

Las reproducciones han sido realizadas por un equipo multidisciplinar dirigido por el Profesor Vinzenz Brinkmann, profesor de la Universidades de Frankfurt y Bochum. También es Director de la Stiftung Archäologie, que ha promovido esta hermosa muestra.

La muestra ha visitado, entre otros museos, la Glyptoteca de Munich, los Museos Vaticanos, la Glyptoteca de Copenhague, el Museo Nacional de Arqueología de Atenas, el Museo J. Paul Getty de Villa Malibú, o el Museo Arthur M. Sackler de la Universidad de Harvard.

En todas las sedes la exposición originaria se ha complementado con piezas propias del museo o país receptor. En el caso de España las piezas originales han sido cedidas por el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida, los Arqueológicos de Sevilla, Córdoba y Cádiz entre otros.

Buena idea, para los que aún no hayan visto esta irrepetible exposición, sería aprovechar alguno de los días vacacionales que se acercan para visitar Alcalá de Henares y tener esta experiencia en el Museo Arqueológico Regional de la comunidad de Madrid, Plza de las Bernardas.

La Baronesa Thyssen abrió sus puertas al Arte en pro Haiti





Julia Sáez-Angulo

La Infanta Pilar, presidenta de honor de “Ayuda en Acción”, ha llevado a cabo un acto cultural solidario pro Haiti, junto al Grupo Pro Arte y Cultura, que ha donado sus obras de arte para su venta, cuya recaudación va a favor de los proyectos de restauración del citado país americano castigado por el terremoto.




El acto, que tuvo lugar en la Fundación Thyssen-Bornemisza y contó con la baronesa, Carmen Thyssen como anfitriona, ha tenido diversos patrocinadores empresariales como la revista “Hola”, Coca Cola, Porcelanosa, Aquilea, The Cook, ORCA, Pernod Ricard y Heineken.




El presidente de “Ayuda en Acción” Jaime Montalvo, acompañado de la embajadora de Haiti en España, agradeció a los presentes y coleccionistas que se interesaron por la adquisición de las obras artísticas.




Los artistas que expusieron y cedieron sus obras a favor de la causa fueron Mayte Spínola, líder del Grupo por Arte y Cultura; Ana de Orleáns, presidenta honaria del mismo; Carmen Zulueta, Pedro Sandoval, Aracely Alarcón, Álvaro Torroba, Peñuca de la Serna, Rocío Baez, Romeral, Hilario Ranera, Carmen Spínola, Carlos Alcázar, Mayte Barreiros, Juan Gómez Acebo, Nati Cañada, Fernando Garrido, Mercedes Lasarte, Paloma Porrero de Chavarri, Soler-Miret, Noel Vanososte, Manuela Picó y Rosa Gallego. Estas dos últimas hicieron de coordinadoras y directoras del montaje de la muestra junto a pedro Sandoval.




La duquesa de Alba, la baronesa Thyssen, buenas aficionadas a la pintura, además d coleccionista, presentaron dos pequeños cuadros en la exposición, que se vendieron de inmediato. Eduardo Guijarro, coordinador de "Ayuda en Acción" y Elena Benarroch, coodinadora del Museo Thyssen ha participado activamente en la organización dl acto, en el que también estuvo presente Guillermo Solana, conservador jefe de la pinacoteca.




Velada concurrida de celebridades




La velada estuvo muy concurrida de invitados célebres y famosos como el conde Orgaz; Gonzalo Anes, presidente de la Real Academia de la Historia; Pilar Citoler, presidenta del patronato del Museo Reina Sofía; Carmen Posadas, escritora y autora de un texto del catálogo; Simoneta Gómez Acebo; Sebastián Palomo Linares y su esposa Marina Danko; el galerista David Bardía y su esposa Marta; la diseñadora María Lafuente; el marchante de arte Christian Prevost; el abogado Mohedano; la procuradora de Tribunales, Elisa Sáez; el empresario Graciliano Barreiros; los directores de los Museos del Traje y de América, Rafael Serrano y Concha Sáinz respectivamente; la periodista Nieves Herrero; Miguel Báez, El Litri y su esposa Conchita Spínola...




Entre los adquirentes de obras se encontraban: Gonzalo Anes, presidente de la Real Academia de la Historia, que compró la acuarela de doña Ana de Orleans; la Fundación Coca Cola, que adquirió el cuadro de la baronesa Thyssen; Samuel Flores y su esposa, la pintura de Rocío Baez; El Litri que compró el de Mayte Barreiros; la señora de Colantes, un retrato de Nati Cañada; José María Gea, consejero delegado de Isla Marina Valdecañas; Hoteles Santos, el dibujo de J. Gómez Acebo; la Duquesa de Badajoz, el de Paloma Porrero de Chávarri; Encarna y Antonio Meneses, el tondo de Rosa Gallego; Ricardo Cisneros, el de Noel Vanososte; Íñigo López de la Osa, el de Carmen Spínola; la duquesa de Alba, el de Mercedes Lasarte, etc. Algunos coleccionistas se han interesado por algunas de las piezas no vendidas en la velada.

La Fundación Arauco, que preside Carmen Spínola, prepara una exposición monográfica del pintor Guillermo Muñoz Vera en favor de Chile, país natal del artista, cuyas ventas irán igualmente al cien por cien para los damnificados del terremoto en el país andino.




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Teresa Ahedo, Mural sobre el maltrato a la Mujer en Basauri




Julia Sáez-Angulo


La pintora bilbaína Teresa Ahedo es la autora encargada del gran mural sobre el maltrato a mas mujeres que se inaugurará en el Instituto de la Mujer de la localidad vizcaína de Basauri. El proyecto llenó de interés a la autora porque “sin ser una mujer maltratada conozco bien la situación en la sociedad por información y casos cercanos”.

En la iconografía de Teresa Ahedo (Carranza, Vizcaya, 1941) domina el tema de la mujer, reinterpretada una y otra vez en sus infinitas variantes posibles. Sus desnudos femeninos ofrecen la imagen de la mujer ubérrima y generosa que abre a quienes le rodean.

Hija, nieta y sobrina de maestros, como a ella le gusta recordar, la autora vizcaína ha hecho del dibujo una constante en su obra y lo ha trasladado al lienzo con la fuerza del gran trazo. Con una intuición audaz, desde los años 80, Ahedo ha sabido levar el dibujo a la categoría de pintura a gran escala, algo que hoy se reconoce dentro del arte contemporáneo.

En cuadros de gran formato, la autora ha representado sus “gordas” –muy distintas a las del colombiano Fernando Botero- dando una imagen rotunda de la presencia femenina, a la manera renovada de las Venus de Willendorf o Brassenpouy en el neolítico. Una suerte de reinterpretación de la escultura primitiva en la actualidad de la nueva pintura.

Fragmentación y dibujo a gran escala

La fragmentación es otra de las características del trabajo figurativo de Teresa Ahedo. Mujer incansable en el arte de dibujar y de pintar, sus series anatómicas nos ofrecen cuerpos, rostros, piernas, pubis... en un ejercicio continuo de indagación y estudio de formas.

En el expresionismo de la pintora, la mujer aparece con frecuencia sonriente o irónica en un guiño ante la vida que se impone. Códigos y mensajes se concentran en esta relación de damas exuberantes, maternidades exultantes, de vientre amplio y pechos prominentes. Una mujer que viene de lejos y se perpetua en el género humano.

En los últimos años, a partir del 2008, la figuración de Ahedo se abre a un mayor esquematismo, a una cierta interpretación más informalista de las propias referencias, en muchos casos porque es el detalle el que gana en escala. Esto mismo hizo en su día con las flores, hermanándose de alguna manera con la norteamericana Georgia O´Keeffe.

Más información: 
www.teresaahedo.com




lunes, 15 de marzo de 2010

"Mujeres de vida apasionada", libro apasionante de Pilar Queralt


        “Mujeres de vida apasionada” María Pilar Queralt del Hierro Editorial La Esfera de los Libros Madrid, 2010 (249 pags) 

Julia Sáez-Angulo 

   15.03.10.- Madrid.- Aunque los ordenamientos jurídicos masculinos pretendían dejarla atrás, ellas, las mujeres avanzaban por mor de su inteligencia y voluntad a un protagonismo intenso que se traducía con frecuencia en vidas apasionadas, al tener que utilizar los mecanismos del hombre para llegar a sus objetivos. “Mujeres de vida apasionada” es un libro que lo pone de manifiesto. 
     Desde Juana de Arco hasta Diana de Gales, por el libro desfilan los nombres de Inés de Castro, Ana Bolena, María Estuardo, Mariana Pineda, Olimpia de Gougew, Diane Fossey Grace Nelly, Astrid de Bélgica o Mata Hari. Todas han tenido una pasión en su vida, unas dificultades ante circunstancias adversas y más de una ha tenido que pagar con su vida por su osadía ante lo establecido. No todo son historias de amor, la pasión también recorría un empeño filosófico o ideológico. Algunas son reinas, casi siempre consortes, que no tenían ni siquiera derecho a escribir sus vidas, memorias o diarios, tal le sucede hoy a Letizia Ortiz como princesa de Asturias. Son mujeres que pagan un precio por amor, ambición o posición en el cargo. 
     El libro va ilustrado con bellas fotografías en papel satinado, con imágenes de Agripina la joven, santa Lucía, santa Juana de Arco, Almodís de la Marca, Leonor de Guzmán, Beatrice Cenci, Brujas de Salem, marquesa Leonor de Távora, María Antonieta, Mary Wollstonecraft, Sissi Emperatriz, o Isabel de Baviera, Draga de Servia, Rosa Luxemburgo, Isadora Duncan, Clara Petaci o Indira Gandhi. Muchas de estas ilustraciones son cuadros o fotografías, pero lamentablemente el libro no nos informa sobre su autor. 
      Las lectoras buscan espejos en las vidas Nacer mujer es un destino y las lectoras –más numerosas que los lectores- quieren saber sobre sus congéneres, por eso María Borrás, editora, encargo este libro a Pilar Queralt. Las mujeres no escapan a la eterna lucha de los sexos ni a la épica de Eros y Thánatos. En este libro ameno se pone de manifiesto. La autora focaliza sus personajes en aquellos que tuvieron una muerte trágica o violenta, siguiendo el dicho italiano de que “una muerte digna honra toda una vida”.             Todos los seres humanos somos criaturas para la muerte, las mujeres seleccionadas y narradas por Queralt no escapan a ello. Lo importante es la huella y la memoria que dejaron en su existencia, porque el vivir es un pase del testigo que ha de situarse en las generaciones siguientes. Una nueva leva de mujeres del siglo XXI vive y se prepara para tomar el relevo de las mujeres apasionadas del libro de Queralt. Están aquí y han de seguir luchando porque si bajan la guardia estarán perdidas; el campo ganado será hollado de nuevo por el más fuerte. “La vida del hombre sobre la tierra es milicia” decía el santo Job y el versículo tiene aún más validez para la mujer.

domingo, 14 de marzo de 2010

La Peña Taurina de “El 7” abre su cátedra de actos culturales



Julia Sáez-Angulo



La Peña Taurina “El 7” ha comenzado su serie de actividades culturales en su sede madrileña (c/ Doctor Esquerdo, 3), donde se llevan a cabo conferencias, debates y homenajes a personalidades del mundo de los toros. La Peña “El 7” está presidida por Emilio Morales.

El periodista José Antonio Donaire Parga ha sido el conferenciante de hoy domingo, día 4 de marzo, sobre el tema “Los toros, tradicional feria de vanidades”. El conferenciante del próximo domingo será Cesar Nuño de la Rosa y López Bravo, que hablará sobre “¿Dónde está la afición taurina?”

En el debate coloquio intervino Paco García Fuentes, aficionado torrijeño a la fiesta taurina, que habló entre otras cosas del cuestionado transporte de los toros bravos a los cosos taurinos.

El pintor Alfonso Sebastián, por su parte, ha inaugurado la exposición de su pintura de gran formato titulada “Toro en el campo”, un cuadro al óleo resuelto en ocres terrosos para la bestia y verde primavera, para la hierba del campo.

Junto a la pintura de Sebastián figuraba un soneto de Alfonso Martínez Mena, escritorr murciano recientemente desaparecido, que alude a la fuerza y nobleza del toro.

Entre los asistentes a los actos estuvieron la escritora Angelina Lamelas, que ha publicado recientemente una antología de su narrativa breve titulada “Cuentos de la vida casi entera”.

También estuvieron presentes el pintor taurino Pablo Reviriego, sobre todo acuarelista, y la artista Mercedes Ballesteros, que ha dado nombre al Certamen de Pintura Rápida al Aire Libre organizado por el Ayuntamiento que tendrá lugar en Noblezas (Toledo) el próximo 9 de mayo de 2010. Ballesteros ha realizado el retrato del diestro taurino de Albacete, José María Arenas, torero que ha sido apadrinado por la peña de El 7. (Más información: www.mercedesballesteros.com
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