lunes, 8 de febrero de 2021

LUIS GORDILLO, SOBRE ‘MEMORANDUM’ DEL MUN: “ES UNA EXPOSICIÓN MUY LIBRE, HECHA A CAPRICHO”

La muestra  reúne los principales trabajos del artista sevillano realizados el siglo XXI, más del 70% inéditos, en diálogo con piezas y series emblemáticas de su trayectoria 

‘Memorándum’ se despliega en planta 0 y la sala Torre del Museo Universidad de Navarra y puede visitarse hasta el 12 de septiembre

Presentación exposición de Luis Gordillo en el MUN

L.M.A.

    Pamplona, 3 de febrero de 2021- Innovador, vitalista, incansable, prolífico e inclasificable. Un auténtico tótem cultural y referente del arte contemporáneo del último medio siglo. Así es el artista Luis Gordillo (Sevilla, 1934), que este jueves inaugura Memorándum en el Museo Universidad de Navarra. La exposición, comisariada por Sema D’Acosta y producida por el propio centro, pone el acento en los principales trabajos del artista realizados en el siglo XXI, en diálogo con algunas otras piezas y series emblemáticas de su trayectoria anterior. 

De hecho, más del 70% de las obras que se exhiben son inéditas, desplegadas en la planta 0 y sala Torre del Museo. Además, reúne más de un centenar de dibujos y materiales del trabajo que permiten acercarse a su proceso creativo.

Gordillo, que ha participado en la presentación en Pamplona por videollamada desde su domicilio madrileño, ha destacado que está “muy contento” con la exposición, que se ha gestado de forma “muy libre, como capricho”. Desde la sede del Museo le han acompañado el comisario Sema D’Acosta y Valentín Vallhorant, director artístico del Museo junto a Rafael Levenfeld.

D’Acosta ha destacado que Luis Gordillo es “un artista que lleva en primera línea desde los años 70, que nos permite comprender el cambio que hemos vivido en este medio siglo. Un autor a caballo entre dos mundos muy distintos y que se siempre ha arriesgado, moviéndose en los límites. Y sigue muy activo”. 

PROYECTO EXCEPCIONAL Y ACTIVO

Asimismo, ha definido Memorándum como un “proyecto excepcional, el más ambicioso de Gordillo en la última década. Una exposición activa, que tiene en cuenta al artista, en constante diálogo con el Museo”. En este sentido, ha explicado que el espectador va a encontrar una muestra “que es lo contrario a un proyecto histórico o retrospectivo. Está cargada de afectividad”. Centrada en la producción del artista del siglo XXI, con especial hincapié en los últimos 5 años, la muestra también reúne piezas iniciales, como una obra de 1959, que convive, por ejemplo, con un trabajo de enero de este mismo año. Además, pueden verse trabajos del artista realizados durante el periodo de confinamiento.

El propio Gordillo ha explicado que la muestra permite observar “el desarrollo de la obra, como si se viera con microscopio, las moléculas de la pintura, cómo se hacen más complejas, cómo se une, cómo se fabrican cuerpos. En mi pintura cada día es más importante cómo aglutinar cuerpos pictóricos, cogiendo síntomas directos de la sociedad o míos, y mezclándolos. Es como si estuviera fabricando otro Gordillo paralelo. Creo que eso define muy bien lo que quiero hacer”.

Sobre el título de la exposición, el artista ha apuntado que alberga una intencionalidad: “Es un discurso público, como ir al notario a decir la verdad para que conste. Además de algo irónico, por la excesiva importancia de la palabra. Tiene también que ver con mi edad (86 años), no porque piense que no vaya a vivir más, sino porque te vas acercando a la sensación de que esto tiene algún fin. Es ese aroma”. 

En su intervención, el comisario también ha subrayado que Memorándum “permite considerar en profundizar las líneas de investigación más destacadas de su carrera, dando especial importancia a la constante retroalimentación entre fotografía y pintura, un territorio característico del autor. Las imágenes van saltando continuamente de los cuadros a la fotografía. Es un planteamiento dialéctico, con la intención de descubrir aspectos sintácticos, estructurales, que sirvan para entender los modos de funcionamiento del artista”.

Asimismo, ha valorado que, en un momento tan difícil como el actual, este proyecto es “un ejemplo para todos porque es necesario asumir responsabilidades y compromisos con la cultura y la sociedad”.

Por su parte, Vallhorant ha subrayado que Memorándum es “un proyecto que revela los procedimientos que Gordillo utiliza para la fabricación de sus imágenes y que ofrece luz para comprender su proceso artístico”. En este sentido, ha resaltado que “el Museo es un centro investigador que pone el foco tanto en facilitar la experiencia del arte para el visitante y el estudioso, como para establecer canales que posibiliten el acceso al trabajo de los artistas. El resultado de la investigación de este proyecto es excelente, novedoso y ofrece una perspectiva nueva sobre el trabajo de uno de los pintores vivos más importantes de España”.


“Relatos faunescos”, por Fernando Mansilla, ilustrados por José Luis Ágreda



Julia Sáez-Angulo

9/2/21.- Madrid.- Más de uno olvida que los hombres y mujeres pertenecemos al reino animal y eso aflora cada dos por tres en cada jornada. Fernando Mansilla nos lo volvió a recordar en su libro “Relatos faunescos”, publicado por la editorial Barret, con ilustraciones del sevillano José Luis Ágreda. 

    El libro lleva una presentación de Alex O´Dogherty en la que describe así al autor: “Fernando Mansilla: m. Hombre silla que sirve en Hombre de Piedra/ Señor con gabardina y sombrero/ Dibujante con palabras/ Rapero atípico/ Poeta no maldito. (…) Fernando Mansilla pinta cuando escribe. Su manera de escribir es describiendo.

    “Ahora hay menos olores, huele mucho menos, está todo domesticado”, se lee en el libro. Con todo, la escritura de Mansilla, nos lleva al lado salvajes de todos nosotros.

    El libro, al que extrañamente le falta un índice, lleva títulos como La dorada, La mosca I, II y III, Lindo gatito, El ángel del pavo, Aventura con un guepardo, 999 camellos, o, El tigre de Malasia.

Fernando Mansilla (Barcelona, 1956 – Sevilla, 2019) fue escritor, músico y dramaturgo de la escena independiente de Sevilla. Un hombre singular que nos dejó estos peculiares relatos faunescos con los que trata de representar la condición humana, a través de los animales como arquetipos de todos nosotros. Fue su primer libro de relatos publicado en 2017.


“De prisiones, putas y pistolas”, libro documental sobre el fin de ETA por Manuel Avilés

Libro publicado por la editorial Alrevés



L.M.A.

    8/2/21.- Madrid.- La historia de España también se escribe en las cárceles. El director de la cárcel de Nanclares de la Oca explica cómo se fraguó la vía Nanclares. Una historia necesaria para entender el principio del fin de ETA. La dispersión, que ideó Antonio Asunción, se demostró como un arma eficacísima contra ETA. En 1991 por primera vez, presos de ETA criticaban a la cúpula de la banda por sus últimas acciones terroristas y se manifestaban en contra de los atentados indiscriminados que tenían a los niños como víctimas.

    El libro saldrá a finales de este mes de febrero, publicado por la editorial Alrevés.

    “De prisiones, putas y pistolas" es la historia de una amistad y una promesa. De cómo dos amigos confabularon un plan y lo llevaron a cabo en las grises oficinas de los funcionarios anónimos, y consiguieron, sin que nunca nadie les otorgara una medalla, iniciar lo que parecía imposible: el comienzo del fin de ETA.

    Con una prosa descarnada y cargada de verdad, Manuel Avilés narra unas memorias imprescindibles para entender la desintegración y descomposición de ETA, un período de la historia de nuestro país sobre el que todavía quedaban estas páginas por escribir: la verdad de la vía Nanclares. 

    Corrían tiempos aún difíciles, donde la historia de España continuaba escribiendo renglones torcidos, pese a estar ya en democracia. La lacra de la violencia terrorista permanecía entre nosotros. Y parecía que no existía el camino por donde cortarle el paso a los violentos. Pero lo había. Dos hombres, dos funcionarios de prisiones, uno secretario general de instituciones penitenciarias y otro director de una cárcel, planearon llevar a cabo una de las mejores estrategias de batalla, recogidas por la sabiduría popular durante siglos: Divide y vencerás. Y así, un buen día, de pronto, por sorpresa, nos asaltó la noticia de que, entre las filas de ETA, existían voces discordantes, que mostraban su más flagrante desacuerdo, respecto a muchas de las más pavorosas atrocidades que la banda armada seguía perpetrando contra civiles. Y por esa rendija entro la luz. Y comenzó a obrarse el milagro

    Manuel Avilés,  personalísimo narrador, nos ofrece vivir una aventura tan real como inimaginable, desde la que se explican algunos de los capítulos más desconocidos y sustanciosos previos al fin de ETA.Y lo hace sin contención ni contemplaciones, liberándose de todos esos secretos quejamás pensó contar, y poniendo su tripa, su particular manera de expresarse y su vocabulario -a veces carcelario y otras desgarrador- al servicio de este tesoro, que comparte con nosotros, en estas páginas.

Manuel Avilés Gómez (Granada, 1954) ejerció como funcionario del Cuerpo Especial de Instituciones Penitenciarias; subdirector de gestión del Centro de Fontcalent en Alicante y director del Centro Penitenciario de Nanclares de la Oca en Álava entre otras funciones. Colabora con el programa literario de Onda Cero Alicante desde hace más de veinte años. También ha colaborado con Diario Información y Diario de Mallorca.

“Territorios de investigación”, libro edición de los arquitectos Francisco Arques y Concha Lapayese




Julia Sáez-Angulo


7/2/21.- Madrid.- “Territorios de investigación”, libro de los arquitectos Francisco Arques y Concha Lapayese, es consecuencia de la creación de una estructura de investigación y docencia que centraba el debate arquitectónico y estudio del término “paisaje”, tanto desde el punto de vista de su interpretación como desde su construcción.

El proyecto tuvo lugar en la Escuela de Arquitectura de Madrid, vinculada con el Grupo de Investigación Paisaje Cultural de la Universidad Politécnica de Madrid, que recoge siete desplazamientos y 36 intentos de dar una respuesta a la pregunta enunciada por Darío Gazapo: ¿Desde donde… se construye el paisaje?

El paisaje es materia del proyecto de arquitectura y los emplazamientos elegidos por “Territorios de investigación” son: Paisajes extremos / Desierto de los Monegros-Bardenas Reales; Paisajes de frontera / Campus UPM Montegancedo; Paisajes de la periferia / El ensanche de Vallecas; Paisajes urbanos / Distrito de Tetuán, paisajes de la Energía / “El jardín atómico” El Encín, o, Paisajes culturales / El Cerro Almodovar. 

Un libro de investigación curioso, singular, sugerente…


“Siempreviva”, obra de Don Delillo sobre la eutanasia en Matadero Madrid


"Siempreviva" (Foto Teatro Español)


    Julia Sáez-Angulo

8/2/21.- Madrid.- 

    Nacido en el Bronx, en el seno de una familia católica de origen italiano, Don DeLillo (1936) es uno de los novelistas vivos más importantes de Estados Unidos. Admirador confeso de Norman Mailer, Franz Kafka y de Thomas Bernhard, recibe de ellos en su estilo, el análisis de la psicología del individuo y la observación de su condición moral, la crítica mirada hacia la sociedad contemporánea y el uso de un particular sentido humor, que unas veces afloja y otras comprime.

    "Siempreviva", nombre común de la flor a la que hace referencia el original Love-lies-bleeding, lanza desde su título un guiño macabro al tema tan recurrente en la obra del autor: la muerte en la sociedad contemporánea, en esta ocasión tratado como una aproximación en forma de debate moral sobre la muerte asistida y el momento en que la vida deja de tener sentido.

Los personajes confluyen alrededor del lecho de Alex Macklin, un artista de éxito que a los 70 años se encuentra cercano a la muerte en estado vegetal permanente. Los otros tres personajes decidirán su destino: Lia, su joven esposa, con la intención de permitirle una muerte natural, y su exesposa Toinette y su hijo Sean, que desean ayudarlo a dejar el mundo con dignidad, creyendo que él no hubiera querido terminar sus días entubado de tal manera.

“Una familia que afronta un dilema que, observado de cerca, ahí donde se cruzan antiguos conflictos e intereses creados, no trata tanto sobre la eutanasia como sobre la dependencia emocional, la lealtad y el amor en las vidas de estos personajes desencantados”, escribe Salva Bolta, el director de la obra en su presentación.

    “¿Cuándo se convierte en obsesión un acto de ternura, en algo incluso anormal, en cierto modo enfermizo?, nos pregunta uno de los personajes. El teatro de Don DeLillo, del mismo modo que sus novelas, nos aproxima a un lugar incómodo que no nos deja indiferentes. Sin duda”.


Crítica de la obra

La semántica nos encubre o nos delata, según se mire. La “muerte asistida” de la que habla el director es simple y llanamente eutanasia, que ya de por sí, si nos atenemos a la etimología es un “buen morir” y no precisamente un “buen matar”, que es el anverso o reverso de lo primero.

“Siempreviva” sí es una obra que habla de eutanasia, aunque Salva Bolta diga que no. Lógicamente se envuelve en memoria, recuerdos y emociones de quienes le rodean en última instancia y debaten sobre si hacerlo o no y de como convencer al cónyuge con poder legal en vivo. No se habla tanto de herencias, pero se podría presumir.

Es una obra dura, en la que el espectador está ansioso por ver como deriva la situación, sin convencen a la joven esposa, si gana o no grana el método de exterminio. Estado vegetal es duro; 70 años no son muchos en una época que toma los 80 como referente vital razonable. Un trío de actores que dilucidan una situación ante el cuerpo con vida. 

La eutanasia, al igual que la homosexualidad, son temas que vemos con frecuencia y vamos a ver más en los escenarios. La vida y el arte se conectan. La visión apreciación y aprehensión e imposición de los valores también. No todos están de acuerdo y conviene dejar fluir las conciencias sin llevarlas contra la pared con el arma de la palabra unilateral.

    Otro guiño macabro es que "Siemprviva" se represente en Mataderomadrid.


FICHA TÉNICA

VERSIÓN Y DIRECCIÓN: SALVA BOLTA

BASADO EN SANGRE DE AMOR ENGAÑADO, DE DON DELILLO

REPARTO: FELIPE GARCÍA VÉLEZ, MÉLIDA MOLINA, MARINA SALAS Y CARLOS TROYA

DISEÑO DE ESPACIO ESCÉNICO: PACO AZORÍN Y ALESSANDRO ARCANGELI

DISEÑO DE ILUMINACIÓN: LUIS PERDIGUERO

DISEÑO DE VESTUARIO: IKERNE GIMÉNEZ

COMPOSICIÓN DE MÚSICA ORIGINAL: LUIS MIGUEL COBO

AYUDANTE DE DIRECCIÓN: JUANMA ROMERO GÁRRIZ

RESIDENCIA DE AYUDANTÍA DE DIRECCIÓN: ÍÑIGO SANTACANA APAOLAZA

FOTOGRAFÍA CARTEL: ESMERALDA MARTÍN

FOTOGRAFÍA ESCENA: JESÚS UGALDE

UNA PRODUCCIÓN DE TEATRO ESPAÑOL

Fernando Piñana autor de tiras cómic en la prensa barcelonesas de los años 40 y 40 del siglo XX

Tiras comic para "La Prensa", periódico de Barcelona, de Fernando Piñana de la Fuente


Gema Piñana en las montañas del Líbano (2021)


Julia Sáez-Angulo

8/2/21.- Madrid.- Varios centenares de tiras cómic del pintor e ilustrador Fernando Piñana de la Fuente, conserva celosamente su hija Gema Piñana Alfonso (80 años), residente en París. La mayoría de sus tiras cómic, que llevaban sus propios textos narrativos, se publicaron en el diario “La Prensa” de Barcelona durante los años 40 y 50 primordialmente. Las historias abarcaban argumentos de espionaje durante la guerra fría, la novela negra, el western, etc. 

Fernando Piñana de la Fuente (Barcelona, 1911-Fuengirola. Málaga, 1975) fue un dibujante muy activo y la Filmoteca Nacional de Cataluña ha llevado a cabo una reciente exposición sobre cartelistas de cine en Barcelona, en la que se incluían trabajos de Fernando Piñana.

    El ilustrador utilizaba con frecuencia su propia efigie o autorretrato para las tiras cómicas dibujadas sobre papel vegetal o cartulina blanca.

    Gema Piñana tiene intención de donar toda esta obra de su padre a a los Archivos de la Universidad de Navarra que se han interesado por ella.

Más información

https://lamiradaactual.blogspot.com/2014/08/fernando-pinana-de-la-fuente-cartelista.html






Gema Piñana, hija del pintor

domingo, 7 de febrero de 2021

Pablo Redondo Díez-Odnoder, escultor ascético/abstracto, expone "Ascensión.O Esculturas de luz" en O-Lumen



Escultura de Pablo Redondo Díez- Odnoder


Julia Sáez-Angulo

7/2/21.- Madrid.- Arquitecto de formación y escultor de vocación, Pablo Redondo Díez- Odnoder, expone sus obras más recientes bajo el título de “Ascensión. O Esculturas de luz” en O-Lumen de Madrid (c/ Claudio Coello, 141), en medio de un montaje limpio, espectacular y perfecto, en el que la iluminación reinventa el espacio y dramatiza las obras, poniéndolas en valor. Montaje realizado al alimón entre el arquitecto/escultor y el comisario.

Redondo Díez-Odnoder trabaja la madera con finura y elegancia, creando una suerte de módulo antropomorfo con el que va creando figuras y conjuntos de figuras que aluden a la Última Cena, la Ascensión (bellísima) o grupo de Mujeres tuaregs. Varios dibujos como bocetos previos a la escultura introducen al espectador a la exposición.


Eloy Martínez de la Pera Celada, comisario de la muestra, que permanecerá abierta hasta el 28 de febrero, escribe en el catálogo: 

“La Ascensión como metáfora de la representación de los planos espiritual y terrenal del ser humano y trasladada a la dimensión mística del arte. Piezas que recogen el concepto romántico de lo sublime, y que uniendo la energía espiritual y la narrativa artística buscan producir en el espectador la sensación de infinito, de eternidad y de misterio ante su contemplación. Un proyecto que refleja este retorno de lo espiritual en la esfera del arte actual, de un profundo proceso de resacralización de la experiencia estética. Más allá de religiones, dogmas y creencias, esta sensibilidad espiritual es una clave esencial para entender el arte de nuestro tiempo, el arte de Odnoder = Pablo Redondo Díez, y la luz que emana de cada una de las obras de arte que conforman esta exposición. Quizás se trate de considerar la practica artística misma como una experiencia espiritual, de cierta manera de vivir religiosamente sin admitirlo, de entender la obra de arte como sustituto de lo sagrado”. 

    (The Ascension is viewed as a metaphor representing both the spiritual and material planes of the human being and its transfer to the mystical dimension of art. Objects which represent the concept of romanticism found in that which is sublime which in conjunction with spiritual energy and artistic narrative seek to produce in the eye of the viewer a feeling of infinity, eternity, and mystery upon its contemplation. A project which reflects a return to spirituality within the sphere of present-day art and a profound process of resacralization of the aesthetic experience. Looking further beyond religions, dogmas, and beliefs, this spiritual sensitivity is an essential key in understanding art in our time: The art of Odnoder=Pablo Redondo Díez and the light that emanates from each and every one of the works of art that make up this exhibit. Perhaps it’s about considering the practice of art as a spiritual experience in itself and in a certain way, it’s also about living religiously without admitting it and also seeing the work of art as a substitute for that which is sacred).