Museo del Prado: "El Greco y la pintura moderna", del 24 junio - 5 de octubre

EXPOSICIÓN Laocoonte El Greco Óleo sobre lienzo, 137,5 x 172,5 cm h. 1608 - 1614 Washington, D.C., National Gallery of Art. Samuel H. Kress Collection. 1946.18.1 Edificio Jerónimos Exposición organizada por el Museo Nacional del Prado y Acción Cultural Española (AC/E) Con el patrocinio de Fundación BBVA Comisario: Javier Barón, Jefe del Departamento de Pintura del siglo XIX del Museo Nacional del Prado El Museo del Prado, Acción Cultural Española (AC/E) y Fundación BBVA presentan “El Greco y la pintura moderna”, la primera exposición que, con motivo del IV Centenario del fallecimiento del Greco, aborda de un modo integral la influencia del maestro cretense en el desarrollo de la pintura moderna y a la que contribuyen los préstamos de alrededor de setenta instituciones y colecciones privadas tanto españolas como extranjeras. Una selección de veintiséis obras del Greco –de las cuales tan solo siete han participado en la ya clausurada exposición “El Griego de Toledo- se une a cincuenta y siete pinturas y veintitrés dibujos y grabados de Manet, Cézanne, Picasso, Chagall, Modigliani, Kokoschka, Pollock y Saura, entre otros destacados artistas. Un total de ciento seis obras que, junto a trece libros e impresos, ponen de manifiesto cómo la huella del Greco tuvo una especial relevancia para la evolución de la pintura en el último tercio del siglo XIX y a lo largo de buena parte del XX. L.M.A.

Mañana, 24 de junio, el Museo del Prado abrirá al público la exposición “El Greco y la pintura moderna” coorganizada con Acción Cultural Española (AC/E) que será inaugurada oficialmente esta misma tarde por S.M. la Reina.  La muestra, que cuenta con el patrocinio de la Fundación BBVA, está compuesta por un amplio conjunto de obras que evidencian la determinante influencia del Greco en el origen de la pintura moderna. Entre ellas destacan el Laocoonte y La visión de san Juan del Greco, ambas procedentes de Estados Unidos y que no han participado en la exposición en Toledo, el Entierro de Casagemas de Picassoy la versión que hizo Cézanne de la Dama del armiño del Greco, que viaja por primera vez a España. El recorrido por los ocho ámbitos de la exposición revela la complejidad y riqueza de la influencia del Greco partiendo de la fascinación ejercida por el maestro cretense en los artistas franceses más renovadores, como Manet y Cézanne, y en destacados pintores españoles, Rusiñol y Zuloaga, entre otros. Un itinerario que, también, analiza el constante influjo que ejerció el Greco sobre el protagonista y creador de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, Pablo Picasso, y presenta obras de otros artistas que, a partir de su relación con el cubismo, evolucionaron hacia otras propuestas, como André Derain, Robert Delaunay, Diego Rivera y Amedeo Modigliani. La exhibición de las publicaciones que favorecieron la difusión de la obra del artista cretense - obras de Manuel Bartolomé Cossío, August Mayer, Julius Meier-Graefe y Maurice Barrès, entre otros- ofrecen al visitante el contexto del redescubrimiento del Greco. Expresionistas como Beckmann, Macke y Kokoschka; los artistas judíos vinculados a París como Soutine y Chagall; y las poéticas surrealistas de Masson y Domínguez aparecen en la muestra con obras marcadamente influenciadas por la pintura del Greco. El recorrido aborda, además, la especial relevancia del cretense en la configuración de la pintura moderna en América, donde sus aspectos más expresivos ejercieron una gran fascinación en el mexicano José Clemente Orozco y los estadounidenses Benton y Pollock. Para finalizar, la muestra explora el impulso transformador del Greco como referencia en las angustiadas figuraciones expresivas de la posguerra europea, según manifiestan las obras de Alberto Giacometti, Francis Bacon y Antonio Saura, algunos de los cuales realizaron homenajes explícitos al artista.

Zürich, dos catedrales con nuevas vidrieras de Chagall, Giacometti y Polke

Julia Sáez-Angulo

         Zurich cuenta con dos interesantes catedrales la Grossmünster y la Fraumunster o catedral de las monjas, dos recintos sagrados reformistas que recientemente han restaurado la figuración en sus vidrieras encargándolas a artistas modernos o contemporáneos como Augusto Giacometti, Marc Chagall o Sigmar Polke.

         El puritanismo de la Reforma protestante en Centroeuropa llevó a destruir la pintura, escultura y vidrieras de buena parte de sus catedrales e iglesias. Huldrich Zwinglio (1484 – 1531) fue uno de los reformadores más radicales y el patrimonio artístico sacro de ciudades como Zurich quedó arrasado. Heinrich  Bullinger fue el pastor sucesor más moderado que sucedió a Zwinglio y la Reforma se contuvo en una situación más razonable que agradecieron los ciudadanos. Una estatua lo honra a la salidad de la Grossmünster.

         La idea de los reformistas radicales era que nada impidiera la escucha de la Palabra de Dios, frente a los católicos de Roma, para quienes las imágenes son, en primer lugar, catequéticas y, en segundo, ayudan a recoger los sentidos ante la predicación de la Sagrada Escritura.

         En el coro primero, separado por un arco de la nave central de la Grossmünster, se encuentran tres vidrieras alargadas de Augusto Giacometti (1847 - 1947), que cuentan con vivos colores las escenas de la Navidad y la Epifanía. Recordemos que la catedral del Colonia está dedicada a la adoración de los tres Reyes Magos.

Un pulpito soberbio de 1853 es una pieza tallada en medio de la catedral para proclamar desde allí la palabra reformada, así como la pila bautismal, que sirve de mesa para conmemorar la Santa Cena –en la iglesia de Zwinglio no existe altar para la Eucaristía.

        

         Las excavaciones han extraído algunas pinturas murales de la época románica para regocijo de los fieles, que han preservado una hornacina con la imagen de la Virgen María junto a una gruesa columna no lejos de la entrada. La leyenda e historia sagrada de Félix y Régula, que habrían pertenecido a la legión de Tebas, da cuenta de la fundación de la Grossmünster. Las reliquias de estos mártires se encuentran en la cercana catedral de Fraumünster.

         La puerta de bronce de la entrada a la catedral, creada por Otto Munch, ilustra ahora de modo catequético los distintos personajes bíblicos que llegan a la Trinidad de Dios Padre, Dios Hijo y Dios Espíritu Santo. Los diez mandamientos y los personajes de Caín y Abel también aparecen.

         En las vidrieras laterales es el artista contemporáneo Sigmar Polke (1941 – 2010) llevó a cabo las nuevas vidrieras de los muros laterales de la Grossmunter en 2009. Fósiles de piedras semi-preciosas y algunas escenas figurativas con animales como la cabra animan el color de sus trabajos.

         Marc Chagall (1887 – 1985), el artista ruso de religión judía y residente en Francia, fue el encargado de las cinco bellísimas vidrieras de la Fraumünster o catedral de las monjas de Zurich. Rojo, azul, verde, amarillo y anaranjado son los colores de fondo sobre los que se asientan los dibujos bíblicos del artista sobre el Antiguo y el Nuevo Testamento. Ciertamente son un gran atractivo para los visitantes de Zurich.

         El Museo de Le Corbusier, regido por la Fundación Haidi Weber, junto al Cabaret Voltaire son otros atractivos de interés artístico de la citada ciudad suiza, además de su río Littan y el lago Zürich.

        

         

Pintores y modistos colaboran en el diseño de trajes de Alta Moda

Julia Sáez-Angulo


Moda y Arte son dos géneros bien armonizados, máxime cuando muchos consideran la moda de alta creación como una derivación de las Bellas Artes. Después de la célebre escuela alemana Bauhaus, que buscaba hacer bello lo útil, para que la vida cotidiana subiera en valores estéticos; después de que las artes industriales pasaran a ocupar los museos importantes como el de Artes Decorativas de París, en los mismísimos palacios del Louvre, estaba claro que la Moda iba a subir enteros en su cotización de belleza y artes plásticas.

Los grandes diseñadores franceses lo vieron muy pronto en la capital del Sena, cuando ellos gobernaban la Moda a primeros del sigo XX y pidieron la colaboración de los grandes artistas de vanguardia. Es el caso de Elsa Schiaparelli – abuela de la modelo y actriz Marisa Berenson- que obtuvo, entre otros muchos, el trabajo de Dalí para que le pintara algunos guantes o de Cocteau para que le hiciera el diseño de algunos botones. Estas piezas se buscan hoy como tesoros para los Museos del Traje que han ido surgiendo a lo largo de estos últimos años, consagrando así la Moda como un arte más.

La pintora ucraniana casada en Francia, Sonia Delaunay, durante la década de 1920, se dedicó al diseño de ropa y a sus telas pintadas a mano con colores brillantes que revolucionaron el diseño textil. Sonia llegó a poner una tienda en Madrid y sus modelos se buscan con lupa como hitos de la colaboración arte-moda.

Yves Saint Laurent hizo lo contrario de Schiaparelli, en lugar de pedir su colaboración a los artistas, les hizo un homenaje en sus trajes y vestidos al contar con su estilo o grafía en las telas. YSL hizo vestidos con los cuadrados de Mondrian, estampados con las pinturas de Picasso, Bracque o Chagall. De hecho, la Fundación YSL que se encuentra cercana al puente de Alma –donde falleció la princesa Diana de Gales- hizo una exposición hace pocos años con esos vestidos que lo relacionaban con los grandes pintores de las vanguardias históricas de los años 20.

Weill, firma francesa de Moda, también hizo diseños inspirados en los célebres recortables de Henri Matisse, cuyos cuadros se conservan en el Museo de Arte Contemporáneo Georges Pompidou de París.

La idea de pintar textiles lisos o en vestidos es antigua en Oriente, en particular sobre sedas de pañuelos y echarpes de la India. En España, el pintor Carlos Ortega reconoce que ha pintado más de dos mil trajes para la boutique de su madre Carmina Oyonarte. Uno de sus diseños para un traje de Nefertiti en Carnaval causó sensación en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

La última intervención artística que hemos visto en la pasarela Cibeles de Madrid ha sido la de los trajes de la diseñadora María Lafuente, con pinturas del artista venezolano Pedro Sandoval, residente en España, que practica una abstracción expresionista y matérica de gran belleza. Estos trajes provocaron grandes elogios de la crítica. María Lafuente piensa seguir con esta colaboración junto a pintores.

El pintor Pedro Castrortega, por su parte, también ha hecho su incursión en la moda, y llevó a cabo en la Universidad Francisco de Vitoria (Madrid) un desfile de sus modelos diseñados por él mismo, con claros guiños a los temas y formas de su pintura.

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Pepa Calvo, Pintora de diversos registros artísticos: murales y cuadros

Julia Sáez-Angulo

       08.12.09 .- Madrid .- La autora concibe el arte como una mirada total hacia la vida, la imaginación, los soportes y los materiales. Sabe que la Pintura viene de lejos, desde Altamira y Lascaux, desde el origen más reciente en la Grecia del mito de la caverna o del Corinto de Butades de Sición, cuando su hija perfiló el rostro del enamorado a la luz de una vela.

La pintora sabe también que las técnicas se renuevan al aire y el progreso de de los tiempos. Desde el primigenio fresco o temple de huevo, hasta el más reciente del óleo o el acrílico. Todo es médium para plasmar la caligrafía plástica de la artista, su materia y su gesto, su caligrafía cromática. En suma, sus señas de identidad.

Pepa Calvo Azcárate (Arnedo. La Rioja, 1942), residente en Madrid, trabaja indistintamente, con igual soltura la pintura mural o de caballete y, en ambas, deja su firma y su impronta. El muro o las grandes superficies le sirven para dar rienda a su dominio espacial, a su sentido ornamental para plasmar amplias escenas marinas o florales con su gran sentido ocupacional del espacio. Son numerosas las obras que, en este campo, ha llevado a cabo en la arquitectura.

En la pintura de caballete, a la autora le gusta trabajar por series para profundizar en un concepto, en un área donde puede indagar e investigar sucesivamente sobre la misma idea. El arte y su doble, que llaman algunos críticos. El arte y su aparente repetición, en la que profundiza para abarcar un ámbito donde tiene varios puntos de vista que expresar.

Dominio del dibujo y el manejo del color

“Los cosechadores de nubes” es el título de una sugerente serie que la autora comenzó en 2003 y en la que ha trabajado varios años. En este tema, la pintora implica al espectador en un relato abierto de unos personajes diminutos que se pasean por la infinitud de ámbitos casi siderales, a la caza, pesca o recogida de nubes algodonosas y gozosas.

Hay una hermosa historia narrada en estos cuadros de grande o mediano formato, que se tiñen con algunos acentos de Chagall o con ecos de ilustración fantasiosa... en definitiva de recia y sugerente pintura figurativa, en la que Pepa Calvo sigue dando muestras de maestría en el dibujo y de dominio del color.

El agua es el concepto que mueve con frecuencia la mente de la pintora a la hora de acercarse al lienzo, la tabla o el muro. Desde su admiración por el célebre cuadro “Ofelia” del prerrafaelita Millais, que representa la muerte sobre el lago del dramático personaje de Shakespeare, la autora ha seguido abundando en la idea del agua como origen, vida o causa final del hombre.

Con la figuración, la artista se hace pintora de misterios, recreadora de mitos, narradora de fábulas íntimas... con un gran poder de evocación y sugerencia, sin caer nunca en la impudicia de lo explícito. Hay que respetar el misterio del cuadro, la libertad de la mirada, el acercamiento libre y genuino del espectador al arte, sin que medie la plantilla de la interpretación definitiva.

Cultivo de la Abstracción

Junto a la figuración, la pintura de Pepa Calvo se recrea otras veces en la abstracción, para que el gesto y la geometría sean los solos parámetros de su trabajo artístico. Ella sabe que la pintura va más allá del tema, a un despliegue de mancha, trazo y color, de dibujo gestual y cromatismo definitorio, de expresividad de los materiales sobre el soporte –cada cual con su propia textura-, por eso juega con una rica paleta, para mostrar su capacidad combinatoria sin referencia alguna a un modelo real de la naturaleza aunque, como señalara Aristóteles, todo nos llega de una forma u otra a través de los sentidos.

El mundo de las "Performances" es otro capítulo digno de mención en el trabajo de esta pintora.

Pepa Calvo, tras una trayectoria artística que arranca en los 70, se revela como una artista de variados registros, con dotes para el dibujo, con talento para el color, con capacidad para llevar a cabo una obra plástica de envergadura en los distintos ámbitos donde se llama y se venera al arte.

Más información: http://www.pepacalvo.com/