miércoles, 16 de marzo de 2011

Letizia Arbeteta, Conferencia sobre las Joyas Reales en el Instituto de Minas






Julia Sáez-Angulo



La conservadora de museos Letizia Arbeteta, experta máxima en joyas, ha impartido una conferencia en la Escuela de Minas de Madrid, dentro de un ciclo establecido sobre gemas. Joyas Reales fue el tema explicado por la experta, hoy conservadora del Museo de América.

Partiendo de un grabado sobre Constantino en el que se aprecian los atributos del poder y del Imperio en la corona, el cetro y la esfera del mundo, Arbeteta explicó del significado de cada uno de ellos: el poder, el mando militar y el orbe del universo. Reyes, príncipes y emperadores eran intermediarios entre Dios y su pueblo y habrían de simbolizar en ellos mismos las virtudes.

La primera diadema habría de ampliar su altura hasta devenir en aros cilindricos más o menos pesados de diferentes metales. Seguidamente hizo una rica exhibición teórica y visual de la tipología de coronas reinantes en Europa fundamentalmente, a través de pinturas, grabados, dibujos y ejemplares de las mismas en diversos museos o catedrales.

De España destacó las coronas del tesoro visigodo de Guarrazar, en parte custodiado en el Museo de Arqueología Nacional en Madrid, con aro cilíndrico de cierta altura y subrayó la importancia en Europa de la famosa corona férrea, hoy custodiada en la catedral de Monza, con la que se coronaron diversos reyes y emperadores desde Carlomagno a Napoleón. La corona de placas engoznadas es una constante tanto para la realeza como para las Vírgenes coronadas. La corona de Sacro Imperio Germánico fue otra de las más celebres en Europa.

Los aros de las coronas van ganando progresivamente en ornamentación con pedrerías, florones o elementos genealógicos, así como ampliándose en tiaras o aligerándose en líneas metálicas, algunas para lucirse encima de los yelmos guerreros. El ejemplar de Martín el Humano se presentó en una ilustración como corona-yelmo. No hay que olvidar que los grandes acudían a la guerra ataviados con sus mejores galas, entre otras razones porque si caían prisioneros, se podía pedir un elevado rescate por ellos.

La conferenciante habló de las distintas coronas utilizadas por la realeza en España en principio hasta el siglo XIX, de acuerdo con los distintos testimonios escritos y visuales, entre ellas las fotografiadas por Laurent, como la corona de San Fernando con el águila bicéfala, probablemente venida de Beatriz de Suabia, descendiente de los Hohenstauffen, que es corona nupcial, por cuanto de los pico de las águilas cuelgan un anillo de esponsales. Estuvo guardada en el tesoro de los Reyes en la catedral de Sevilla.

Un cuadro sobre el rey Alfonso el Casto muestra un ejemplar entre corona y tiara.Las coronas de don Alfonso y su esposa Leonor están sobre los colores, rojo, que simboliza la caridad y el azul, la Jerusalén celestial.


Piedras reutilizadas venidas de Roma


Muchas de las piedras, venidas en su mayoría de oriente, eran romanas horadadas y por tanto reutilizadas. Arbeteta habló tambén de la posible cruz juradera que apareció en la tumba del hijo natural de Fernando el Católico, y el collar con el denominado rubí de Salomón en el centro, que perteneció a la Corona de Aragón, piedra denominada también “codol magno”, probablemente un gran cabujón pulido. Tanto Fernando como Isabel lucieron igualmente grandes collares de hombros, y esta joya protegió al rey en el atentado de Barcelona. También mostró las joyas en las vestiduras cortesana.

El sello o anillo era también una joya real habitual y se subrayó el que se unía al nudo gordiano. El joyel de Santiago, que luce Isabel la Católica en los cuadros, se componía de una cruz y una venera. La Corona rica de Isabel I de Castilla se describe minuciosamente en los inventarios reales y resulta parecida a otra rica corona que se encontró en Polonia.

Los retratos de Isabel II la muestran con la corona tumular de Isabel de Farnesio y un cetro. Arbeteta relacionó también la tipología de la corona de Carlos II el Hechizado, según su retrato como gran maestre de la orden del Toison de Oro y la célebre de la Virgen del Sagrario de Toledo, robada o desaparecida.

El joyel con el “diamante del estanque” y la denominada “perla peregrina” o peregrina, visible en varios retratos de reinas españolas, mereció igualmente comentario de la conservadora y recordó que la Peregrina original estaba perforada por un pernio de oro, por tanto no debe confundirse con otras perlas periformes que han lucido tanto la reina Victoria Eugenia como la actriz Liz Taylor.
Lo más probable es que existieran varias perlas de buen tamaño en circulación. Por último habló del collar de chatones de diamantes y el de esmeraldas que luce la reina Victoria, que pertenecieron en su día a Isabel II, que fueron más tarde lucidas por la emperatriz Farah Diva, la última esposa del Sha de Persia.
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martes, 15 de marzo de 2011

“El arte de la belleza”, exposición de etiquetas, carteles, libros y prospectos en la Biblioteca Nacional



“El arte de la belleza”
Biblioteca Nacional
Comisaria: Rosario Ramos Pérez
Del 16 al 5 de junio




Julia Sáez-Angulo




En la singular sala hipóstila de la Biblioteca Nacional (B.N.) se muestra una singular exposición con las colecciones de etiquetas, prospectos, carteles, libros, revistas y todo tipo de materiales gráficos sobre la belleza a la que aspiran hombres y mujeres a través de la cosmética y la perfumería, siempre en contacto con la moda.

Los fondos de la B.N. son ricos en materiales de las primeras firmas de perfumerías francesas, en torno a dos grandes núcleos: Grasse en la Costa Azul y París. N España las grandes fábricas como Gal, Myrurgia, Puig y Parera aparecieron a primeros del siglo XX y de ellas se conservan igualmente rico material en papel, que es lo que compete al noble institución.

El Museo del Traje de Madrid conserva una rica colección de frascos de cristal de todas las marcas, que bien pudieron completar esta muestra, si bien el espacio no es excesivamente grande. Las salas mayores de la B.N. se reservan para una próxima exposición sobre el Bicentenario de la Independencia de las repúblicas hispanoamericanas que estamos celebrando en estos años.

Se trata en suma de formas de envolver o anunciar la belleza de jabones, colonias, industrias... Imágenes seductoras como corresponde a unos productos que buscan el ornato y la sofisticación de la naturaleza; se trata de invertir el hombre y la mujer naturales o salvajes en hombre y mujer sofisticados, después de todo, como señala la escritora Lourdes Ventura “la belleza es casi siempre impostada”.

La muestra de la B.N. se organiza en varios apartados. El primero se centra en las firmas españolas y otro recoge una amplia selección de etiquetas de productos de belleza, con motivos estéticos del momento: modernistas, decó... Los soportes publicitarios de almanaques, tarjetas y postales junto a anuncios de revistas que identifican el producto y lo introducen en la memoria individual y colectiva.

Despegue de la gráfica publicitaria

Francesc Fontbona, Enric Satué y Rosario Ramos Pérez escriben interesantes ensayos sobre el tema de esta belleza de los afeites y de su difusión en el catálogo de la exposición. El desarrollo de la gráfica publicitaria se generaliza a partir de finales del siglo XIX. Las marcas compiten en atractivo y belleza.

“La revista se convierte junto al cartel en el escaparate de exposición y difusión de los productos de belleza y perfumería que suelen utilizar las imágenes seductoras. El cartel publicitario alcanza una gran difusión en la década de 1890 a 1900”, explica la comisaria de la exposición.

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lunes, 14 de marzo de 2011

FM. MORAL INTERPRETA EL PAISAJE DE SORIA



M. Dolores Gallardo López 

    14.03.11.- En Soria se presentó el pasado 11 de marzo la Exposición A Machado y a Soria del pintor jienense FM. Moral. La inauguración estuvo presidida por D. Jesús Bárez Iglesias, Concejal de Cultura del Exmo. Ayuntamiento de Soria. El escultor Juan Moral es el Comisario de la muestra. Familiares y numerosos amigos del pintor se dieron cita esa tarde en las hermosas salas del Palacio de la Audiencia, donde la exposición permanecerá hasta el día 31 de este mes. 
     Esta exposición muestra la interpretación del paisaje soriano que el pintor hace a través de los textos poéticos de Antonio Machado. Según cuenta el pintor su primer contacto con Soria fue hace más de 45 años, en su etapa de estudiante en Madrid. Muchos años después, en 2007, tras un viaje para enseñar Soria y sus alrededores a su esposa e hijas, le surgió la idea de interpretar el paisaje soriano en un homenaje conjunto a la ciudad, a sus campos y al que ha sido su más importante- que no único- cantor: Antonio Machado. Dicho y hecho: en 2010 estaban acabados los cuadros que hoy, cumpliendo su sueño, presenta en Soria. 
    El motivo que los ha inspirado son los nueve poemitas que integran Campos de Soria, incluido en la obra Campos de Castilla, segundo libro de poemas de Machado, publicado en 1917. El soporte de la pintura son tablones, de siete centímetros de espesor, de madera envejecida por todos sus lados. La elección de ese soporte pretende ser un homenaje a la propia Soria, a sus añosos y envejecidos chopos y álamos. La exposición tiene un tema central titulado ¡Machado!. Alrededor de este tema central y formando con él unidad, se incardinan diferentes paisajes sorianos. 
     El tema central ¡Machado! es un tablón gran formato en color negro, con diferentes texturas. La pintura está trabajada con las manos, sin ningún otro instrumento. La composición pictórica en esta obra es ciertamente original: En el centro vemos la representación que el pintor hace del alma del poeta: alma herida, alma dolorida por sus circunstancias personales, pero también- ¡qué duda cabe!- por las de la época que le tocó vivir. 
     Las restantes obras se engarzan con el tema central, para conformar una sola y única composición. Muestran la naturaleza que rodea Soria de acuerdo con las palabras que Machado ha desgranado sobre ella. Pese a que el pintor conoce por sí mismo la realidad soriana, prefiere acoplarse a las palabras del poeta. FM. Moral interpreta los campos, bosques, roquedales y colinas sorianos inspirándose en los versos de nueve composiciones que conforman el poema Campos de Soria,incluido en Campos de Castilla: Es la tierra de Soria árida y fría. Por las colinas y las sierras calvas, verdes pradillos, cerros cenicientos, la primavera pasa. Dejando entre las hierbas olorosas Sus diminutas margaritas blancas. (de Campos de Soria, I) O
He vuelto a ver los álamos dorados, álamos del camino en la ribera del Duero, entre San Polo y San Saturio tras las murallas viejas.
(de Campos de Soria, VIII) Machado, con versos tan limpios y hermosos como esos, supo hacer ir más allá de la realidad del paisaje soriano y lo transfirió al Arte literario. 
     Esas descripciones literarias son las que FM. Moral, enamorado de las palabras del poeta, ha traspasado a su pintura. Las colinas plateadas, los alcores grises, los álamos revestidos de colorido otoñal que se reflejan en las márgenes del río. Todo ello es mostrado por la paleta de FM. Moral de una manera idealizada, casi lírica. ¿De dónde procede esa idealización?
 La respuesta, en mi opinión, es clara: del propio poeta. En efecto, los paisajes sorianos que transmite los versos de Machado no son una descripción, sino una interpretación; muchos de los poemas en los que aparecen los escribió el poeta cuando ya vivía en Baeza, es decir desde el recuerdo emocionado de un tiempo querido que ya se fue. 
 El paisaje de Soria siempre estuvo ahí, pero Machado -también otros poetas: Bécquer, Gerardo Diego- lo ha elevado a la categoría de Arte, ha trascendido su imagen meramente fotográfica quintaesenciando los temas, utilizando las palabras adecuadas que transmiten su esencia. Algo parecido ocurre en la pintura idealizada, casi lírica, de FM. Moral. Sus trazos y colores nos transmiten una selección de imágenes pero en esas imágenes la realidad del paisaje soriano está doblemente trascendida: primeramente por la palabra de poeta, después por el pincel del pintor. 
    Acoplamiento diferido en el tiempo de una misma realidad: la que el poeta sintió, con frecuencia dolorosamente, y la que la mano del pintor, enamorado de las palabras de Machado y tomándolo como guía, traza de esa misma realidad. El lirismo sosegado de la pintura de FM. Moral transciende en cada una de las pinceladas que conforman las imágenes de sus cuadros en los que se fusionan, ya lo hemos dicho, elementos distintos: los que con su palabra transmitió el poeta y los que la mano del pintor transmite.

Exposición de Constructivimo Polaco en el Círculo de Bellas Artes de Madrid




“Un mundo construido. Polonia 1918 – 1939”
Comisarios: Juan Manuel Bonet y Paulina Kurc-Maj
Círculo de Bellas Artes. Sala Picasso
Madrid
Febrero-Marzo, 2011




Julia Sáez-Angulo



Pintura, escultura, fotografía y diseño gráfico forman la muestra “Un mundo construido. Polonia 1918 – 1939”, comisariaza por Juan Manuel Bonet y Paulina Kurc-Maj en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Una construcción nacional y singular en medio de las vanguardias europeas, donde el arte normativo y el futurismo dejaron una gran impronta.

Buena parte de las piezas expuestas proceden de los fondos del Museo Sztuki de Lodz, fundado en 1930 a iniciativa de sus protagonistas más activos, entre los que destaca Wladyslaw Strzeminiski. Museo que ha patrocinado la exposición junto al Instituto Polaco de Cultura, el Instituto Adam Mickiewicz, Fundación Córdoba Ciudad Cultural y el Círculo de Bellas Artes.

“Si algo caracteriza a estos artistas es su capacidad para asimilar el influjo de sus dos poderosos vecinos –la lección de audacia del futurismo ruso y el rigor geométrico y la sabia lectura del espacio de la Bauhaus alemana- así como la onda expansiva de los omnipresentes ismos de París, lugar de peregrinación donde muchos velaron armas y aprendieron el oficio a marchas forzadas”, explica en el catálogo Juan Miguel Hermández león, arquitecto y presidente del Círculo de Bellas Artes.

Nombres destacados de la exposición, además del citado Wladyslaw Strzeminiski, Katarkina Kobro, Henryk Stazewski y Henrik Berlewi; todos de algún modo compartieron la misma ideología, conceptos y soluciones formales para llevar a cabo una serie de obras que definirían el constructivismo polaco.

Fervor vanguardista

Los comisarios recuerdan que: “Como los restantes países europeos, la Polonia independiente renacida en 1918 tras más de un siglo de desmembramiento a cargo de tres de sus vecinos vivió, entre las dos guerras mundiales, años de intensísimo fervor vanguardista. Los estudiosos sitúan en torno a 1917, es decir antes del final de esas contiendas y antes de la recuperación de la independencia nacional, el momento de eclosión de ese fervor”

El catálogo de la exposición va profusamente ilustrado con las obras, entre las que sobresale el diseño gráfico de las revistas que optaron por el constructivismo, algunas de corta vida pero testimoniales de un período de agitación plástica. “Zwrotnica”, “Blok” y “Praesens” “tuvieron un impacto decisivo en la conciencia estética de sus lectores en virtud de su dinámica maquetación y su cuidada tipografía, así como por su afán de tender puentes con otras artes, en especial la poesía”, subraya Hernández León.


CLAUSURA DEL XVIII SEMINARIO DE ICONOGRAFIA CLÁSICA

Isabel Rodríguez, directora el Seminario


M. Dolores Gallardo López


El XVIII Seminario de Iconografía Clásica ha sido clausurado en la Facultad de Geografía e Historia de la UCM el pasado 9 de marzo.

La sesión final fue la conferencia “Los amores de Polifemo”, impartida por Dña Isabel Rodríguez López, profesora de Arqueología del Departamento de CC. TT. Historiográficas y de Arqueología y actual directora del Seminario.

"Polifemo enamorado" fue un magnífico recorrido iconográfico sobre el gigantesco cíclope Polifemo entendido, en este caso, como pastor y como enamorado.

EL recorrido iconográfico esta inspirado fundamentalmente en los textos del poeta griego Teócrito -que en su obra, llamada Idilios, reviste al cíclope de elementos pastoriles y da realce a su perfil de enamorado de la hermosa nereida Galatea- y del latino Ovidio, introductor en la poseía del personaje de Acis, del cual se enamora Galatea. Polifemo es el enamorado no correspondido, y Galatea y Acis conforman la pareja enamorada y feliz: el triángulo se cierra...también la tragedia.

Esta leyenda en la que cada vez más Polifemo es identificado con aspectos de la propia Naturaleza, hace referencia a la armonía de los contrarios: el mar, el fuego, la tierra, el viento…, y también al amor y la voluptuosidad frente a las fuerzas oscuras y brutales.

La sugerente leyenda de amor no correspondido ha sido evocada por los artistas de todos los tiempos. Las imágenes mostradas abarcaban desde la Antigüedad hasta el Simbolismo.

En esta última sesión se entregaron los diplomas que acreditan la asistencia a este curso.

Importante novedad este año ha sido la participación del escultor jienense Juan Moral, que, tras la conferencia “Clasicismo y Renacimiento en la obra reciente del escultor Juan Moral”, contestó a las numerosas preguntas que le hicieron los asistentes.

En la presente edición han intervenido Dña Pilar Gónzalez Serrano -que 21 de octubre inició el ciclo con el tema “Historia e iconografía de la Mariblanca madrileña”-, los Dres D. Carlos García Gual, Dña Pilar Fernández Uriel, Dña Alicia Esteban Santos, Dña Cristina Delgado Linacero, D. Fernando Romero, Dña Mercedes Aguirre y Dña Dolores Gallardo López, entre otros.

Quien desee conocer toda la actividad científica, publicaciones y programación de este Seminario puede consultar la página web:

Seminario de Estudios Iconográficos http://www.ucm.es/info/seic

domingo, 13 de marzo de 2011

Nacho Martín, el escultor más reconocido de los toros y la caza





Julia Sáez-Angulo


        13.03.11 .- Los toros y la caza son dos áreas en las que el escultor trabaja con más asiduidad, pero los volúmenes y las formas no tienen límites en su repertorio icónico. Nacho Martín (San Esteban del Valle. Ávila, 1953) es objeto de un homenaje en la Tertulia Peñaltar por su acendrada trayectoria como escultor galardonado. Dos museos taurinos, el de Madrid y el de Alicante albergan obras del escultor, además de numerosas colecciones privadas en Europa y América.

Discípulo del escultor Pablo Serrano, la animalística o bestiario ha sido el campo más estudiado por Nacho Martín en su escultura que sigue todo el laborioso proceso de cera, barro, escayola, hierro... hasta llegar a la fundición en bronce, que convierte a la obra en permanente y eterna. Piezas con una cuidada pátina, la adecuada a cada pieza.

“Me interesa mucho el mundo del caballo y el toro” declara el escultor y a él se ha consagrado de tal manera que el nombre de Nacho Martín se conoce bien en el mundo taurino e hípico. De los doce grandes monumentos que el artista ha realizado, dos de ellos cobran un relieve especial: “El Toro” de Ronda y “El Encierro” de Alicante.
“El Toro” de Ronda, junto al coso taurino, se ha convertido en el monumento más fotografiado de la ciudad por vecinos, turistas y visitantes. Ronda es un lugar de Andalucía muy pintoresco y por tanto muy visitado; ni un solo visitante deja de captar la escultura del toro bravo del escultor Nacho Martín.

“El Encierro” de Alicante es una obra espectacular compuesta por siete piezas entre toros y picadores, de tamaño natural y nueve metros de longitud. Las cámaras fotográficas difícilmente se resisten a capturar el conjunto en el objetivo.

Cabezas de caballo, ciervos, águilas, palomas, cabras, machos cabríos, gallos... son otros tantos animales que el escultor lleva al bronce. “Estoy terminando este gran ciervo en la berrea para una finca particular, por encargo de su dueño”, explica el escultor en su taller situado en la región madrileña.

Aunque la mayor parte de la obra de Nacho Martín es realista, también le gusta investigar y experimentar con la estilización. En su “laboratorio de ideas” algunas cabezas humanas de gran impacto expresivo, esperan en su boceto de cera a que llegue el momento de la fundición a gran escala. Lo mismo cabe decir de ciertas maquetas o formas abstractas, casi geométricas para monumentos en rotondas de carretera.

La restauración de un verraco en Villanueva del Campillo


En 2010 Nacho Martín vio como se inauguraba en El Escorial el monumento de la Virgen de la Herrería, que la ciudad le había encargado. La localidad serrana y sitio real quedó encantada con esta obra de gran tamaño en bronce.

Curiosos los verracos que el escultor ha llevado a cabo en diversos tamaños y materiales: madera y bronce principalmente. En Villanueva del Campillo (Ávila) Nacho Martín ha completado la forma de un antiguo verraco en piedra con su trabajo en bronce patinado en el mismo color de la piedra. Una reconstrucción magistral.
La figura humana también se encuentra en su repertorio y en su taller pueden verse maternidades, parejas de amantes, toreros, abrazos, manos... Una maqueta singular sobre Isabel la Católica a caballo, un preciosa obra que lamentablemente, por diversas razones, no se llevó a cabo en gran formato para la ciudad de Ávila. Una cuestión pendiente,

Nacho Martín también ha hecho una incursión en el mundo de las joyas y sus sortijas en plata con voluminosas formas de filamentos entrelazados son de gran belleza.


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“Heroínas”, un exposición sobre el papel de la mujer en la Historia

Heroínas
Museo Thyssen-Bornemisza
Fundación Caja Madrid
Madrid
Del 8 de marzo al 5 de junio de 2011





Julia Sáez-Angulo


Se quiso inaugurar el 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer Trabajadora, esa fecha que conmemora la ignominia de unas mujeres muertas abrasadas por su resistencia y reclamación de igualdad laboral. Las Fundaciones Thyssen y Caja Madrid han querido recordar esta fecha con una exposición, no de tesis alguna, sino de visualidades a lo largo de la Historia del Arte. Una muestra de atracción de público, comisariaza por Guillermo Solana, conservador jefe del museo Thyssen-Bornemisza.

Los apartados de la exposición se denominan en el Museo Thyssen: Soledad; Campesinas, Cariátides; Ménades y Bacantes; Cazadoras y Atletas; Vírgenes acorazadas y El retorno de las amazonas. En la Fundación Caja Madrid: Magas, Mártires y Místicas; Lectoras y Ante el espejo. En total 120 obras para documentar a propuesta.

El recorrido es inmenso, desde la mitología greco-romana y del santoral cristiano, a las fotografías provocadoras y subversivas de artistas feministas de hoy. Los personajes míticos, religiosos, literarios, artísticos o documentales van desde Ifigenia a Frida Khalo, pasando por Penélope, Atenea, Artemio, Atalanta, Circe, Medea, Safo de Lesbos, Juana de Arco, Santa Catalina de Siena, Santa Eulalia, Santa Teresa de Jesús, María Magdalena, Artemisa Gentileschi...

La mujer y su imagen. Las mujeres (en gran mayoría visitantes de los museos respecto al hombre según las estadísticas del Ministerio de Cultura) estarán encantadas con esta exposición que les ofrece en su mayoría la visión masculina en el arte sobre la condición de mujer relevante. “Ciudad de las mujeres”, la han calificado los textos del museo, con afirmación exagerada. La exposición, salvo alguna excepción recorre el siglo XIX hasta nuestros días. Una visión por tanto cercana al período de la modernidad, en el que la mujer se iba imponiendo paulatinamente por los empeños y necesidades de la Historia.

Cuadros llamativos y hermosos


Hay cuadro hermosos y singulares como el célebre Caravaggio de Santa Catalina de Sinea, joya de la Colección Thyssen que ha “viajado” a la Fundación Caja Madrid. El esplendor de la composición de este cuadro es sólo comparable a la “Magdalena” de Ribera del Museo del Prado.

Curioso el mundo de las mujeres lectoras de cartas o libros (también la estadística oficial la pone por delante de los hombres en lectura de narrativa), con cuadros hermosos como el de Gerhard Richter de 1994 o la de Gustav Adolph Henning de 1928. No podía faltar el “Autorretrato” femenino, con la archi-presente mexicana Frida Khalo a la cabeza, ya que, con frecuencia, se ha criticado a la mujer creadora, por tomarse a sí misma y a su mundo como motivo de su expresión. El cuadro de Berthe Morissot de 1885 es otra obra deliciosa de esta impresionista que dio presencia femenina al movimiento junto con Mary Cassat.

Curioso el cuadro “Ifigenia” (segunda versión) de 1871 de Amselm Feuerbach, donde la mujer espera mirando al mar, sin duda en Taúride esperando al hermano, frente a la representación habitual de esta figura como sacrificio de una mujer joven que sale al encuentro de su padre.

Interesante la “Pietá” de Marina Abramovic de 2005 en la que invierte los papeles del género y es el hombre el que sostiene en sus brazos a una muchacha guerrera; ambos ataviados con armaduras. También “Juana de Arco” de Rossetti, con la belleza helénica de Jane la célebre modelo del grupo prerrafaelita. Hermosos igualmente los cuadros de Alma Tatema.

En suma, una exposición para ver, disfrutar y quizás reflexionar sobre la mirada que se hace sobre la mujer en la Historia y otros campos.